Michael Bully Herbig

Ulf Malmros

François Ozon Frankreich in den 50ern In einer verschneiten Villa trifft sich eine Großfamilie, um die Weihnachtstage miteinander zu verbringen. Doch anstatt der trauten Bescherung findet man das Familienoberhaupt ermordet unter dem Weihnachtsbaum. Die Mörderin kann sich nur unter den 8 Frauen befinden, die dem Mann am nächsten standen. 8 Frauen, jede ist verdächtig, jede hat ein Motiv, jede birgt ein Geheimnis. Sie sind schön, temperamentvoll, intelligent, sinnlich und gefährlich. Eine von ihnen ist schuldig, aber welche ist es?

Hans-Christian Schmid Karl Koch (Neuentdeckung August Diehl, mit unglaublich viel Charisma, der mit einem Filmband in Gold ausgezeichnet wurde) glaubt an die Magie der Zahl 23 und an die Arbeit der Illuminaten, ein Geheimbund, der im Hintergrund die Fäden im politischen und wirtschaftlichen Weltspiel zieht. Er ist gerade mal 19 und ein genialer Computerhacker und König des Netzes. Mit seinem Freund David (Fabian Busch) macht er sich einen Spaß daraus, diverse Firmensysteme zu knacken. Aus dem Spaß wird Ernst, als die Kleinkriminellenkumpel (Dieter Landuris und Jan Gregor Kremp) gehackte Informationen an die Russen verkaufen wollen. Karl zieht sich immer mehr aus der Realität zurück, arbeitet nur noch am Rechner. Um sich wach zu halten, nimmt er Drogen, und steigert sich in die Buchwelt von Illuminatus hinein.

Ein intelligentes und vielschichtiges Drama über das Erwachsenwerden, das Regisseur und Ko-Autor Hans-Christian Schmid auch in Nach fünf im Urwald und in Crazy eindringlich schildert. Hier nahm er sich den realen Hacker- und Industriespionage-Fall von Karl Koch als Vorbild, der in den 80er Jahren von den Medien aufgekocht wurde. Mit Autor Michael Gutmann recherchierte er den Fall sehr ausführlich, bemühte sich aber vor allem dem Menschen Karl gerecht zu werden. Sehr schön gefilmt (einschließlich Archivmaterial aus Fernsehnachrichten der Zeit) und mit gutem Soundtrack bestückt, funktioniert der erwachsene Film, mit etwas über 680.000 Zuschauern übrigens einer der erfolgreichsten deutschen Filme des Jahres 1999, auch als spannender Politkrimi. —Heike Angermaier

Stanley Kubrick Warner Home 2001: Odyssee im Weltraum, USK/FSK: 12+ VÃ-Datum: 07.12.07

Yves Simoneau Douglas Petrie Scott Peters Oz Scott John Behring Milan Cheylov Aaron Lipstadt The 4400 stammt aus dem Hause Paramount Network Television und damit genau aus den Studios, die gut 20 Jahre lang diverse "Star Trek"-Serien produzierten und dieses Franchise sterben ließen, weil sie sich von der SF nichts mehr versprachen. Diese Studios haben ausgerechnet René Echevarrias, einen alten "Star Trek"-Autoren, Idee der SF-Serie The 4400 gekauft und produzieren diese munter und mit großem Erfolg! The 4400 war eigentlich als eine 5-teilige Mini-Serie geplant, aber drei Emmy-Nominierungen sowie durchschnittlich über sechs Millionen Zuschauer sorgten dafür, dass die Serie nicht sehr "mini" blieb.

Im Mittelpunkt der Geschichte steht die Rückkehr von 4400 Menschen, die in den letzten 60 allesamt von Aliens entführt worden sind. Keiner dieser Menschen ist auch nur um einen Tag gealtert, aber alle sind auch irgendwie mehr als sie zum Zeitpunkt ihrer Entführung waren. Zwei Agenten der "Homeland Security" - ein Mann und eine Frau, die ähnlich dem X-Files-Prinzip zu Anfang gar nicht so richtig viel gemeinsam haben - kümmern sich um das Rätsel hinter den 4400ern, die im Deutschen gemäß dem amerikanischen Original die "44 Hunderter" genannt werden.

Die Produzenten haben in Interviews häufig durchblicken lassen, dass sie sich über die Verlängerung der Serie zwar freuen würden, sie in kreativer Hinsicht aber für einen Fehler hielten - am Ende der 1. Staffel werde zu viel verraten und das Geheimnis quasi aufgelöst. Die Zuschauer sehen dies ganz und gar nicht so, ebenso dieser Rezensent. Um einen häufig benutzten, aber dadurch nicht ein Stückchen unwahreren Satz zu zitieren! : Es gibt mehr als nur 4400 Gründe, sich diese SF-Serie anzusehen! —Mike Hillenbrand

Yves Simoneau Douglas Petrie Scott Peters Oz Scott John Behring Milan Cheylov Aaron Lipstadt

Yves Simoneau Douglas Petrie Scott Peters Oz Scott John Behring Milan Cheylov Aaron Lipstadt

Yves Simoneau, Douglas Petrie, Scott Peters, Oz Scott, John Behring, Milan Cheylov, Aaron Lipstadt Paramount The 4400 - Die Rückkehrer - Season 4, USK/FSK: 16+ VÃ-Datum: 06.11.08

Ron Howard Dem Film A Beautiful Mindgelingt es, genügend Pathos aus der unglaublichen Lebensgeschichte John Nashs herauszuwringen, um die zuweilen etwas ungeschickte Darstellung von Schizophrenie wieder wettzumachen. Russell Crowe geht die Rolle mit charakteristischer Leidenschaft an. Er spielt den nobelpreisgekrönten Mathematiker von seinen Tagen auf der Princeton Universität, wo er eine bahnbrechende Wirtschaftstheorie entwickelte, über seinen kometenhaften Aufstieg zu einer Professur an der MIT und seinem Bild auf der Titelseite des Forbes-Magazin bis hin zu seiner Entlassung wegen schizophrener Wahnvorstellungen.

Es sind natürlich die Wahnvorstellungen, die Regisseur Ron Howard am meisten faszinieren und die, was vorherzusehen ist, dabei erheblich vom Weg abkommen. Nashs andere Welt, die bevölkert ist von einem wahnsinnigen Agenten des amerikanischen Verteidigungsministeriums (Ed Harris), einem (natürlich nur eingebildeten) Zimmergenossen auf dem College, der direkt aus dem Club der toten Dichterzu stammen scheint, sowie einem elternlosen Mädchen, kommt so flüssig und vorgezeichnet daher, dass der Zuschauer sich fragt, ob Schizophrenie tatsächlich so banal ist, wie sie hier dargestellt wird.

Crowes physische Intensität reißt den Zuschauer mit, während er daran arbeitet, den Film auf seinen breiten Schultern zu tragen. Keine Frage — die Geschichte von Nashs bewundernswertem Willen, sein Leben ohne medizinische Hilfe wieder auf die Reihe zu bekommen, ist ehrenvoll, und sein letztendlicher Triumph ist ermutigend. Leider ist es Howard mit seinem grellen Stil nicht gelungen, alles davon zu vermitteln. —Fionn Meade

Richard Linklater A Scanner Darkly DV

ABBA Der Titel ist nicht übertrieben, denn The Definitive Collection versammelt erstmals alle offiziellen ABBA-Videos in einer Veröffentlichung. Dafür hat man sämtliche Filmclips zu Singles der schwedischen Gruppe in diversen Archiven aufgestöbert und danach mit Bild- und Tontechnologien von heute nachbearbeitet. Jetzt erstrahlen sie optisch im neuen Glanz und tönen nach dem digitalen Remastering besser denn je.

Natürlich dürfen bei solch einer Sammlung Titel wie "Mamma Mia" (einst auf der Spitzenposition der englischen Hitparade), das im seinerzeit angesagten Diskorhythmus gehaltene "Dancing Queen" (Platz eins der US-Charts im April 1977) und "The Winner Takes It All" (vom 1980er-Album Super Trouper) nicht fehlen. "Take A Chance On Me", das vor Kinderzuschauern gedrehte "Thank You For The Music" sowie "Waterloo", 1974 Siegertitel beim Grand Prix in Brighton, sind selbstverständlich ebenfalls mit von der Partie.

Obwohl es damals noch kein MTV und somit auch keine Erfahrungen in Sachen Videoclip-Ästhetik gab, haben Björn, Benny, Agnetha und Anni-Frid die ihnen zur Verfügung stehenden filmischen Mittel schon sehr raffiniert genutzt. So wurde beispielsweise "SOS" mit originellen optischen Effekten ausgestattet, die zu ihrer Zeit beinahe revolutionär wirkten. "Fernando" wartet mit einer die Musik unterstützenden Szenerie am nächtlichen Lagerfeuer auf. Und für "Chiquitita" zu guter Letzt hat man sich trotz des südländischen Sounds ein ins Auge springendes Ambiente in einer Schneelandschaft ausgedacht.

Dass man all diese Videos auch heute noch mit viel Genuss sehen kann, liegt nicht zuletzt an Lasse Hallström. Der Regisseur, der inzwischen mit Filmen wie Mein Leben als Hund, Chocolat und Schiffsmeldungen die Karriereleiter steil nach oben geklettert ist, produzierte nahezu alle ABBA-Clips und bewies schon damals sein außergewöhnliches visuelles Talent. —Harald Kepler

Acapickels

Julie Taymor ACROSS THE UNIVERSE + SONGBOOK

Alan J. Pakula

Alanis Morissette Folgende Tracks sind enthalten: Hand In My Pocket , You Learn, Thank You, Unsent, You Ougtha Know, That I Would Be Good, Still und zwei Bonus-Tracks: Uninvited und Head Over Feet. Frau Morissette gibt sich in diesem Konzert gefühlvoll und sympathisch. Für ihre Moderation entschuldigt sie sich damit, daß man sie dazu nötigte, etwas zwischen den Songs zu sagen. Dann entsteht sogar ein Dialog mit dem Publikum. Stimmig besetzter Emotion-Pop mit Folk-Touch und einer außergewöhnlichen Stimme. Fazit: sehenswert

Moviemans Kommentar zur DVD: Passables Bild, recht stimmiger 5.1-Mix.

Bild: Die Schärfe der NTSC-Disc ist nicht mehr im Gut-Bereich, aber sie bleibt auch bei Kamerabewegungen stabil (00.20.54, Schwenk über Publikum). Gesichter liegen unter leichten Mattscheibeneffekten und das feinkörnige Rauschen hemmt sowohl die Schärfe- als auch die Farbentfaltung etwas. Der gut tarierte Kontrast sorgt aber noch für eine solide Plastizität.

Ton: Akzentuierter Stereo-Sound und eine recht klare und direktional recht authetische 5.1-Mischung zeichnen die Disc aus. Die Gitarren klingen zwar erst im Dreier-Arrangement wirklich stimmig (00.19.42), passen sich dann aber auch gut dem akustischen Gesamtbild, insbesondere dem Schlagzeug und der Stimme an. Der Gesang wird klar gezeichnet und die Stimme ist sauber in die die musikalische Ambienz integriert.

Extras: Zwei Bonus-Tracks: Uninvited und Head Over Feet. —movieman.de

Im Action-Drama Alias begleitet der Zuschauer das aufregende Doppelleben der 26-jährigen Studentin Sydney Bristow, die verdeckt für eine geheime Abteilung der CIA arbeitet. Die Serie war für Hauptdarstellerin Jennifer Garner der Durchbruch zum Weltstar.
Jennifer Garner spielt wie gesagt die Hauptrolle der unverschämt attraktiven Doppelagentin Sydney Bristow. Ihr Auftrag ist die Infiltrierung einer geheimen Terroristenorganisation, deren Mitarbeiter im Glauben gehalten werden, selbst für die CIA zu arbeiten. Sydney wird bei ständig wechselnden Undercover-Missionen auf der ganzen Welt eingesetzt und muss dabei die schwierige Gratwanderung leisten, auf der einen Seite ihren Auftrag zu erfüllen, auf der anderen Seite jedoch keinen Verdacht zu erwecken. Alias ist womöglich die unterhaltsamste Actionserie der letzten 10 Jahre und begeistert durch die ungemeine Beschleunigung der Geschichten und den Produktionsaufwand, der die TV-Ware beachtlich nahe an gewohnte Standards großer Kinoproduktionen heranführt.

Hinter Alias steckt Multitalent J.J.Abrams, der seine Filmkarriere als Drehbuchautor begann und sich schnell einen Namen in der Branche erarbeitete. Nach seinen Vorlagen entstanden Kinoerfolge wie In Sachen Henry, Forever Young oder der Jerry Bruckheimer Megahit Armageddon. Abrams schrieb von Beginn an auch fürs Fernsehen und hatte mit Felicity die erste Show bei einem großen Sender lanciert. Erst mit Alias jedoch kam der Ruf des Wunderkindes zustande, das sich in unterschiedlichen Disziplinen tummelt. So schrieb und inszenierte Abrams beispielsweise die Pilotfolge und war ganz nebenbei auch noch für die Produktion und den Soundtrack verantwortlich. Auch bei seinen jüngsten Projekten startet Abrams durch. Im Fernsehen zeichnet er neben Alias auch noch für die Erfolgsshow Lost verantwortlich.

Dennoch und trotz allem ist der enorme, weltweite Erfolg von Alias sicher auf die bezaubernde und überaus wandlungsfähige Jennifer Garner zurückzuführen. Wurde sie vielleicht zu Beginn noch allzu bereitwillig auf ihre äußeren Reize reduziert, hat ihr die Serie durch die permanent sich verändernden emotionalen Anforderungen an die Figur geholfen, auch ihre Kritiker zu überzeugen. Im Gegensatz zu vielen anderen erfolgreichen Seriendarstellerinnen ist ihr scheinbar mühelos der Sprung auf die große Leinwand geglückt ohne dass ihre Glaubwürdigkeit im geringsten darunter gelitten hätte. Alias hat beiden, Jennifer Garner und J.J. Abrams den Weg zum absoluten Stardom geebnet. Es bleibt zu hoffen, dass sie sich noch lange dem Format gegenüber erkenntlich zeigen. Die zahlreichen Fans von Alias werden es ihn ganz sicher danken. —Thomas Reuthebuch

Nick Willing Dies ist eine beeindruckende Version von Lewis Carrolls Roman, die für den amerikanischen Fernsehsender NBC produziert wurde. Einen Liedervortrag im verschwenderisch eingerichteten Haus ihrer Eltern fürchtend, fällt Alice in eine seltsame Welt, als sie ein großes weißes Kaninchen verfolgt. Die talentierte Tina Majorino (Corrina, Corrina) spielt Alice mit Grazie und Anmut, bewegt sich allerdings oft wie aufgezogen durch die Geschichte.

Carrolls Geschichte von seltsamen und unlogischen Abenteuern ist ein gefundenes Fressen für die Designer Roger Hall und Alan Tomkins, Kostümbildner Charles Knode, Jim Hensons Creature Shop und den Regisseur Nick Willing (Photographing Fairies). Beeinflußt durch Time Banditsund Die Reise ins Labyrinth(letzterer ebenfalls aus der Hensonfabrik), enthält der Film eine wunderbare Ansammlung von Effekten, von denen viele mit den verschiedenen Perspektiven spielen, da Alice permanent ihre Größe ändert. Absoluter Höhepunkt ist Whoopi Goldberg als die Grinsekatze, eine fließende Mischung aus Katze und Komik. Martin Short als der verrückte Hutmacher und Miranda Richardson als Herzkönigin scheinen sich ebenfalls köstlich zu amüsieren. In weiteren Rollen sind Christopher Lloyd (weißer Springer), Pete Postlethwaite (Zimmermann) und Robbie Coltrane (Tweedledum) zu sehen.

Dies ist nicht die ultimative Version von Carrolls Geschichte, und wie Disneys populärer Zeichentrickfilm vereinigt er einige Teile aus der Fortsetzung Alice hinter den Spiegelnin sich. Der Film macht noch mehr Spaß, wenn man bereits eine andere Version der Geschichte gesehen oder das Buch gelesen hat. —Doug Thomas

Wim Wenders Alice in den Stästen - Arthaus Col. DV

Céline Dion Celine Dion - All The Way

Sam Mendes Von der ersten Einstellung an, einem Establishment Shot einer typisch amerikanischen Vorstadt-Umgebung, besticht American Beautydurch bewundernswerte Selbstsicherheit und Scharfsinn, die durch Kevin Spaceys ruhige Erzählung verkörpert werden. Spacey ist Lester Burnham, ein geplagter Jedermann, dessen Midlife Crisis das Rückgrat des Films bildet. Schon seine ersten Zeilen ziehen den Zuschauer mit stichelndem Fatalismus in ihren Bann. Wie Joe Gillis in Boulevard der Dämmerungerzählt auch Burnham seine Geschichte posthum aus dem Grab heraus. Ein kühner Start für einen Film, der diese Kühnheit mehr als rechtfertigt. Sozialsatire, Familientragödie und eine Wer-hat-es-getan-Geschichte miteinander verwebend, wagt Alan Balls erstes Bühnenskript, Genregrenzen zu verwischen und uns aus dem Gleichgewicht zu bringen, indem es nahtlos von schwarzer Komödie zu einem tief bewegenden Drama übergeht.

Die Burnham-Familie reiht sich perfekt in die Liste disfunktionaler amerikanischer Kinofamilien ein, als Lester gegen seine manische, materialistische Makler-Frau Carolyn (Annette Bening, die aus ihrer unsympathischen Rolle das Bestmögliche heraus holt) und seine mürrisch herablassende Teenager-Tochter Jane (Thora Birch, ausgesprochen überzeugend in ihrer Gradwanderung zwischen Egozentrik und wehmütiger Sehnsucht) aufbegehrt. In das Leben der Kernfamilie treten zwei Außenseiter, die ausreichend Projektionsfläche für brach liegende Lebensenergie und verborgene Wünsche bieten: Eine Cheerleaderin (Mena Suvari), die Lester in sexuelle Fantasien und damit in einen zweiten Frühling katapultiert. Und ein irritierend ruhiger junger Nachbar (Wes Bentley), der durch seinen clever zurückhaltenden Einfluss, Lester und Jane nachhaltig verändert.

Der britische Theaterregisseur Sam Mendes entpuppt sich als unglaublich begabter Leinwand-Newcomer. Es gelingt ihm, die potenziell unvereinbaren Elemente der Geschichte zu einem ausgezeichneten Ensemblestück zu vereinen, das eine eigene Gangart entwickelt, ohne in transparente Selbstverliebtheit abzugleiten. Mendes hat zu seiner Erfolgsarbeit kluger Weise eine Crew aus erfahrenen Bühnenveteranen hinzu gezogen. Visual Designer Conrad Hall beispielsweise rundet den Film ab, indem er das triste Interieur des Burnhamschen Lebens mit lebhaftem Purpurrot, der Farbe von Rosen und von Blut, kongenial kontrastiert. Darüber hinaus ist Mendes mit Wes Bentley eine fantastische Neuentdeckung geglückt. Ihm gelingt es mit seiner beeindruckenden Darstellung des Ricky Fritts, stellenweise zum Dreh- und Angelpunkt der Handlung zu werden. —Sam Sutherland

Tony Kaye Sie können Edward Norton wahrscheinlich kein größeres Kompliment machen, als ihm zu erzählen, dass seine schauspielerische Leistung in American History X(für die er eine Oscar-Nominierung bekam) Sie fast davon überzeugt hat, dass in der Theorie der "Überlegenheit der weißen Rasse" ein Funke Logik steckt. Diese Aussage schockiert Sie nicht? Das sollte sie aber. Norton lebt seine Rolle als rechtsradikaler Skinhead dermaßen, dass dessen gewandte Verteidigung des Rassismus geradezu beunruhigend überzeugend wirkt — zumindest oberflächlich gesehen. Derek Vinyard (Norton), eine brutale Erscheinung mit seiner Hakenkreuztätowierung und voll des Hasses, hat seine rassistische Einstellung von seinem Vater übernommen. Sie verstärkt sich noch, als er in den Dienst eines gewissen Cameron (Stacy Keach) tritt, einem erwachsenen Schlägertyp, der sich in einer immer größer werdenden Bande von Teenagern in Venice Beach, Kalifornien, die alle nach einer Ideologie hungern, die ihrer sich abzeichnenden Entfremdung Nahrung gibt, als Tyrann und Lehrer aufspielt.

Die Grundaussage des Films — Hass ist anerzogen und kann deshalb auch wieder aberzogen werden — kommt durch Dereks jüngeren Bruder Danny (Edward Furlong) zum Ausdruck, dessen Heldenverehrung seines Bruders sich steigert, nachdem Derek wegen Mordes an zwei Schwarzen ins Gefängnis kommt (oder wie Danny es sieht, zum Märtyrer gemacht wird). Ohne Dereks Begabung für Rebellenrhetorik, gleitet Danny rasch in einen Lebensstil aus Gewalt und Hass ab, dem ein im Laufe seiner Inhaftierung nachdenklich gewordener Derek schließlich abschwört. Nach seiner Entlassung kämpft Derek darum, seinen Bruder vor einem gewaltsamen Schicksal zu bewahren, und an dieser Stelle beginnt American History Xteilweise unter einer Mischung aus intensiven Gefühlen, peinlicher Rührseligkeit und einer Vorhersehbarkeit der Handlung zu leiden. Doch dem britischen Regisseur Tony Kaye (der später gegen Nortons kreative Einmischung während der Nachbearbeitung des Films protestierte) gelingt es, mit diesen Qualitäten — zusammen mit einem bezwingenden Aufeinandertreffen verschiedener optischer Stile — eine besondere Wirkung zu erzielen. Wie anstrengend ihre Zusammenarbeit auch gewesen sein mag, Kaye und Norton können stolz darauf sein, einen Film geschaffen zu haben, der das Problem des Rassismus mit einer solch dramatisch eindringlichen Wirkung anspricht. —Jeff Shannon

Rebecca Miller This eerily beautiful film stars Miranda Stuart Rhyne as Angela, a young girl trying to cope with her family's falling apart. Her mother (Anna Thomson) has drastic mood shifts that bring her from manic happiness to utter misery. Her father (John Ventimiglia) tries to hold everyone together, but Mae's vacillations are becoming more than he can manage. Adrift, Angela and her little sister concoct magical rituals and have visions of fallen angels and the Virgin Mary; reading signs in the way a towel falls off a chair or a tool falls off a truck, they set off to find their way to heaven. Angela succeeds because of writer-director Rebecca Miller's keen understanding of childhood, when imagination and reality are fluid and fantasies can exert a potent influence over a child's life. An unsettling and affecting movie, with an excellent performance by Rhyne. —Bret Fetzer

Greti Kläy, Jürgen Brauer Impuls Anna Anna, USK/FSK: 6+ VÃ-Datum: 25.10.04

Annie Sony Pictures Annie, USK/FSK: 6+ VÃ-Datum: 11.01.01

Annie

John Musker Ron Clements Von dem Moment an, da Prinz Erics Schiff im Vorspann aus dem Nebel auftauchte, war klar, dass Disney plötzlich diese "Magie" wieder zum Leben erweckte, die dreißig Jahre lang geschlummert hatte. In dieser Geschichte einer eigensinnigen, jungen Meerjungfrau, die sich danach sehnt, "einen Tag warm auf dem Sand zu verbringen", tauscht Arielle (die in der deutschen Version von keiner Geringeren als Ute Lemper gesungen wird) bei der Seehexe Ursula ihre Stimme gegen ein Paar Beine ein. Arielle kann ihr Ziel nur erreichen, wenn sie innerhalb weniger Tage den Kuss der wahren Liebe bekommt, und sie braucht dafür alle Unterstützung, die sie bekommen kann: von einer singenden Krabbe namens Sebastian, einer großmäuligen Möwe und einer Flunder. Die Texte und die Oscar-prämierte Musik von Howard Ashman und Alan Menken sind erstklassig: Sie sind witzig und handlungsbezogen, und sie treiben die Geschichte voran. Arielle, die Meerjungfrauhat den Animationsfilm wieder zurück in das Programm der Filmstudios gebracht und ebnete auch für Die Schöne und das Biestden Weg in die Kinos. Ein moderner Disney-Klassiker. —Keith Simanton

Paul Provenza Comedy veterans and co-creators Penn Jillette (one half of the hit duo Penn & Teller) and Paul Provenza capitalize on their insider status and invite over 100 of their closest friends (who happen to be some of the biggest names in entertainment, from George Carlin, Whoopi Goldberg, Drew Carey to Gilbert Gottfried, Bob Saget, Paul Reiser and Sarah Silverman) to reminisce, analyze and deliver their own versions of the world’s dirtiest joke, an old burlesque routine too extreme to be performed in public, called The Aristocrats. One of the smash hits of the 2005 Sundance film festival, this critically acclaimed, star-studded comedy extravaganza, which celebrates the art of improvisation and the finest (and most foul mouthed) traditions of stand up, is sure to stretch the limits of its audience, particularly for how loud and how long they can laugh.

Jay Roach

Jay Roach Trotz leichter Abnutzugserscheinungen ist Goldständer mit Austin Powers ein Wahnsinn, den der ergebene Fan der Filmserie einfach gesehen haben muss. Leider ist das Gesetz von der fallenden Trefferquote hier in vollem Gange: Für jeden Gastauftritt eines großen Namens und für jede Zweideutigkeit gibt es ein gleiches Maß an abgedroschenen Standard-Gags, jugendlicher Fäkalsprache und Popkultur-Verulkung. Aber das ist alles rasch vergeben, angesichts des durchgehend hohen Lacherniveaus.

Der Erfolg von Mike Myers, der diesmal den ewig scharfen britischen Spion Austin, dessen Rivalen Dr. Evil, den aufgedunsenen schottischen Spießgesellen Fat Bastard und den neuen holländischen Disko-Bösewicht Goldständer spielt, ist darauf zurückzuführen, dass er chaotische Komik einer zusammenhängenden Handlung vorzieht. Nachdem sie Austin in das Diskofieber von 1975 geworfen haben, wo er seinen Vater retten soll (mutig dargestellt von Michael Caine), erscheinen Myers und Regisseur Jay Roach mit ihren alten und neuen Charakteren — darunter Verne Troyer als Mini-Me und Popstar Beyoncé Knowles (von Destiny's Child) als Pam Grier artige Blaxpoitation-Puppe Foxxy Cleopatra — leicht orientierungslos. Powers ist vielleicht ein wenig müde geworden, aber seine Wirkung hat er ganz bestimmt nicht verloren. —Jeff Shannon

Jay Roach Austin Powers - Spion in geheimerMissionarsstellung DV

J. Michael Straczynski Die Sciencefiction-Serie Babylon 5, rund um die Geschehnisse auf einer Raumstation zwischen den galaktischen Mächten, lief in fünf Staffeln von 1994-1998 im US-Fernsehen und hinterließ nach ihrem Ende eine beachtliche Menge trauriger Fans, die gerne noch viel mehr aus dem "Babylon 5"-Universum gesehen hätten. Diesen Markt versuchte man zunächst mit der kurzlebigen Nachfolge-Serie Crusadezu befriedigen, die aber aufgrund künstlerischer Differenzen zwischen Schöpfer Joe Michael Straczynski und dem Studio nur auf 13 Episoden kam. Auch der Film "Legends of the Rangers", als Pilotfilm konzipiert, scheiterte letztendlich daran, dass JMS seinen künstlerischen Einfluss zu sehr beschnitten sah. Lediglich als Comic und in Buchform schien Babylon 5überhaupt noch eine Zukunft zu haben, nachdem auch die Gerüchte um einen Kinofilm vor einigen Jahren wie eine Seifenblase zerplatzten.

Hinter der nun erschienenen DVD "Babylon 5: Vergessene Legenden" könnte man jetzt leicht eine "Best of"-Kompilation vermuten, wie sie seit Jahren im Star Trek-Franchise auf den Markt geworfen werden. Aber nichts da! "Babylon 5: Vergessene Legenden" ist eine DVD mit zwei brandneuen Episoden aus dem "Babylon 5"-Universum! Direkt für den DVD-Markt produziert und zu einem absolut attraktiven Preis auf den Markt gebracht, erhalten die Fans hier zwei Geschichten auf und um die Raumstation inmitten der Unendlichkeit und begegnen dabei vertrauten Gesichtern, Stimmen und Namen, aber noch viel wichtiger: einer vertrauten Atmosphäre!

Grafisch state of the art präsentiert JMS dabei zwei Plots, die absolute TV-Berechtigung haben und zugegeben diese nicht auf der großen Leinwand bekommen hätten. Während sich Captain Elisabeth Lochley mit einem Exorzismus auf Babylon 5 beschäftigen muss, bekommt es Präsident John Sheridan mit einem Prinzen zu tun, der ihn vor die Wahl zwischen zwei folgenschweren Entscheidungen stellt. Bei beiden Handlungsfäden stehen dabei weniger große Special Effects im Vordergrund als psychologisch raffinierte Dialoge, die den Zuschauer fesseln, aber nie langweilen. Straczynski zeigt damit eindeutig, wie er sich gute Sciencefiction vorstellt - und wie wenig dies mit den Produktionen zu tun hat, die er zuvor aufgrund künstlerischer Differenzen verließ.

"Babylon 5: Vergessene Legenden" ist dabei gleichzeitig ein Testballon. Nur die Fans und ihre Kauflust können JMS Position in den Verhandlungen um mehr Babylon 5unterstützen. Erweist sich diese DVD-Produktion als Erfolg, stehen die Chancen gut, in Zukunft weitere vergessene Legenden auf einer Silberscheibe - und vielleicht noch einmal auf dem kleinen Bildschirm - zu erhalten. Eventuell erfahren die Fans dann irgendwann sogar, wie die Suche des Raumschiffs Crusadeausging.. aber wie der Techno-Magier Galen schon mehr als eindeutig meint, sind aufgelöste Rätsel bei weitem nicht mehr so interessant.

"Babylon 5: Vergessene Legenden" ist die Chance für alle "Fiver", wie sich die Fans der Serie nennen, ihr Universum aus eigener Kraft zu beleben. Zu wünschen wäre es dieser hochklassigen Serie, was "Vergessene Legenden" eindrücklich unterstreicht. —Mike Hillenbrand

Joel Schumacher Batman & Robin DV

Yashuhiro Aoki, Futoshi Higashide, Toshiyuki Kubooka Warner Batman: Gotham Knight, USK/FSK: 12+ VÃ-Datum: 18.07.08

Christopher Nolan Warner Batman Begins, USK/FSK: 12+ VÃ-Datum: 18.07.08

Joel Schumacher Batman Forever DV

Tim Burton Beschreibung:
In Gotham City regiert das Verbrechen unter der Herrschaft des ewig grinsenden Jokers. Als schwarzer Rächer des Gesetzes getarnt und ausgestattet mit modernster Technik stellt sich Batman dem Kampf.

Angaben laut Hersteller
Darsteller: Jack Nicholson, Michael Keaton, Kim Basinger, Jack Palance, Jerry Hall
Regisseur(e): Tim Burton
Format: Widescreen
Sprache: Französisch (Dolby Digital 2.0), Spanisch (Dolby Digital 2.0), Spanisch (Dolby TrueHD 5.1), Deutsch (Dolby Digital 2.0), Portugiesisch (Dolby Digital 1.0), Italienisch (Dolby Digital 2.0), Englisch (Dolby Digital 5.1), Englisch (Dolby TrueHD 5.1)
Untertitel: Deutsch, Englisch, Niederländisch, Französisch, Italienisch, Portugiesisch, Dänisch, Norwegisch, Schwedisch, Finnisch, Spanisch
Bildseitenformat: 16:9 - 1.77:1
FSK: Freigegeben ab 12 Jahren
Studio: Warner Home Video - DVD
Erscheinungstermin: 21. Januar 2009
Produktionsjahr: 1989
Spieldauer: 126 Minuten

Christopher Nolan Beschreibung:
Die Fortsetzung von Batman Begins, The Dark Knight, vereint Regisseur Christopher Nolan und Hauptdarsteller Christian Bale, der erneut die Rolle des Batman/Bruce Wayne in seinem Kampf gegen das Böse verkörpert. Unterstützt von Lieutenant Jim Gordon und Staatsanwalt Harvey Dent setzt Batman sein Vorhaben fort, das organisierte Verbrechen in Gotham endgültig zu zerschlagen. Das Dreiergespann erweist sich als effektiv. Doch bald sehen Sie sich einem genialen, immer mächtiger werdenden Kriminellen gegenübergestellt, der als Joker bekannt ist: Er stürzt Gotham in ein anarchisches Chaos und zwingt Batman immer näher an die Grenze zwischen Gerechtigkeit und Rache. Heath Ledger ist als Batmans Erzfeind Joker zu sehen und Aaron Eckhart spielt Dent. Maggie Gyllenhaal übernimmt die Rolle der Rachel Dawes. Zurückgekehrt aus Batman Begins sind Gary Oldman als Jim Gordon, Michael Caine als Alfred und Morgan Freeman als Lucius Fox.

Angaben laut Hersteller
Darsteller: Christian Bale, Michael Caine, Aaron Eckhart, Morgan Freeman, Maggie Gyllenhaal
Regisseur(e): Christopher Nolan
Sprache: Französisch (Dolby Digital 5.1), Deutsch (Dolby Digital 5.1), Englisch (Dolby Digital 5.1), Spanisch (Dolby Digital 5.1), Portugiesisch (Dolby Digital 5.1), Italienisch (Dolby Digital 5.1)
Bildseitenformat: 16:9 - 1.78:1
Anzahl Disks: 2
FSK: Freigegeben ab 16 Jahren
Studio: Warner Home Video - DVD
Erscheinungstermin: 17. Dezember 2008
Spieldauer: 153 Minuten

Tim Burton Batmans Rückkehr DV

Mike Judge Mike Judge, Schöpfer und Stimme von MTVs unbekümmerten Helden Beavis und Butt-Head, gab mit diesem abendfüllenden Beavis-und-Butt-Head-Fehltritt sein Spielfilm-Regiedebüt, in welchem sich die Jungs auf einer Abenteuerreise kreuz und quer durch Amerika befinden, nachdem ihr überlebenswichtiger Fernseher gestohlen wurde. Den Fans der mittlerweile eingestellten TV-Show wird dieser Film zweifelsohne am meisten gefallen, obwohl auch fast jeder mit einer nur flüchtigen Ahnung von den Figuren etwas zum Schmunzeln finden wird. (Beim komischsten Runninggag wird der belagerte B&B-Nachbar Tom Anderson während seines Urlaubs von den Jungs immer wieder sabotiert.) Die Stimme von Butthead in der deutschen Version stammt übrigens von Tommy Morgenstern, Sänger der Band Sick for Toys. —Tom Keogh

Sara Sugarman

Daniel Schmid

Rob Reiner Warner Home Das Beste kommt zum Schluss, USK/FSK: oA VÃ-Datum: 30.05.08

Hermine Huntgeburth Bibi hat zwei Kindern das Leben gerettet und bekommt zur Belohnung eine eigene Hexenkugel. Doch bei der feierlichen Übergabe lässt die böse Hexe Rabia Bibis Kugel fallen, die in tausend Stücke zerspringt. Nun muss Rabia ihre Kugel Bibi geben. In der aber ist ein Geheimnis versteckt - Eine spannende Geschichte beginnt!

Franziska Buch Kiddinx Bibi Blocksberg 2 - Kinofilm, USK/FSK: oA VÖ-Datum: 19.08.05

Tim Burton Nach einer Reihe eher mittelmäßiger Filme besinnt sich Regisseur Tim Burton auf seine alten Stärken, während er von makabren Märchen ins Gefilde eines sympathischen Lügenbarons wechselt. Big Fish bewegt sich inner- und außerhalb des Seemannsgarns von Edward Bloom, als junger Mann gespielt von Ewan McGregor und als sterbender Vater porträtiert von Albert Finney.

Edwards Sohn Will (Billy Crudup) sitzt am Totenbett seines Vaters, hat aber wenig Geduld mit den Fabeln des alten Mannes, weil er glaubt, dass diese Geschichten ihn stets davon abgehalten haben, seinen Vater wirklich kennen zu lernen. Burton stürzt sich mit Wonne in Blooms Vorstellungswelt und schickt den zielstrebigen jungen Mann in einen Spukwald, eine paradiesische Südstaaten-Kleinstadt, einen Wanderzirkus und noch einiges mehr. Das Ergebnis ist ein herrlich süßes, aber dank Burtons düster-intelligenter Handschrift niemals überzuckertes Filmvergnügen. —Bret Fetzer

Stephen Daldry BILLY ELLIOT-I WILL DANCE

Björk Bei kaum einer anderen Künstlerin dürfte sich der Erwerb einer Clip-Sammlung als derart lohnenswert erweisen wie im Falle von Björk. Die Isländerin hat während ihrer bisherigen Solo-Karriere durchgehend Musikvideos abgeliefert, die der Einzigartigkeit ihrer Musik und ihrer Persönlichkeit gerecht werden konnten. Allein ihre Zusammenarbeiten mit drei der bedeutendsten Clip-Regisseure der 90er-Jahre, Michel Gondry, Spike Jonze und Chris Cunningham, machen die DVD-Version ihrer Greatest Hits zum Pflichtkauf für jeden, der an dieser speziellen Form des Kurzfilms Interesse hat.

Gerade die insgesamt sechs Videos vom inzwischen auch spielfilmerprobten Michel Gondry — darunter solche Meisterwerke wie "Army Of Me" und "Bachelorette" — trugen stark dazu bei, Björks Image als naturverbundene, eigenwillige Elfe aus ihrem ganz eigenen Universum zu definieren. In späteren Clips wie "Hidden Place", "Pagan Poetry", "Cocoon" oder Cunninghams erhabenem "All Is Full Of Love" rückten dann der menschliche Körper und seine Manipulations- und Mutationsmöglichkeiten in den Mittelpunkt. Andere Björk-Videos bereiten wiederum schlichtweg Vergnügen, wie das wunderbare Kurz-Musical "It's Oh So Quiet" von Spike Jonze oder der größtenteils animierte Clip zu "I Miss You", der unter der Regie von Ren & Stimpy-Schöpfer John Kricfalusi entstand. Es mangelt also keineswegs an inhaltlicher und stilistischer Abwechslung, das verbindende Element bleibt die durchgängig überdurchschnittliche Qualität der 21 Björk-Videos, unter denen sich einige wahrhaft essenzielle Klassiker dieser Kunstform befinden. —Andreas Berger

Björk Da versuchte Frau Guðmundsdóttir es etwas ruhiger angehen zu lassen und ließ nur auf einigen handverlesenen Farbkopien in der Innenstadt von Cambridge für ihren abendlichen Auftritt werben. Schon bei den ersten Takten des Björk nicht nur der Heimat wegen eng verbundenen "Icelandic String Octet" wird klar, das dieses Konzert über eine ganz besondere Atmosphäre verfügt.

Abgesehen von den expulsiven Ausnahmen "Alarm Call" und "Pluto" sind es die leisen Töne, die Björk auf Live in Cambridge anschlägt. Ob verständnisvoll auf "Come To Me" oder ausbrechend auf "Immature" — ein ums andere mal ziehen Stimme und Melodie den Zuhörer in ihren Bann, wenn sie kindhaft überzeugend ihre aus dem Leben gegriffenen Geschichten erzählt. David Barnards plastische Regiearbeit tut ihr Übriges und lässt den Zuschauer am heimischen Bildschirm bereitwillig Teil des Publikums werden. Live in Cambridge ist ein Meilenstein in Björks Karriere und sowohl für eingefleischte Fans als auch Anfänger auf dem Gebiet isländischer Folklore das Abbild einer genialen Künstlerin. —Alex Werner

Björk Thirteen tracks from Iceland's Bjork, plus live gig and backstage footage recorded in Iceland, Paris and New York. 'Lights', 'Human Behaviour', 'Atlantic', 'One Day', 'Venus As A Boy', 'Come To Me', 'The Anchor Song', 'Aeroplane', 'Play Dead', 'Crying', 'Violently Happy', 'There's More To Life Than This' and 'Big Time Sensuality'...

Ridley Scott BLADE RUNNER-FINAL CUT

Mel Brooks DER WILDE WILDE WESTEN/ V?: bereits erschienen/ Genre: Komödie/ Ausgabeformat: 1080p/ Aufnahmeformat: 2.40:1/ Länge: 01:29:00/ FSK: 12

Blow ist eine flotte Mischung aus Boogie Nights und Goodfellas. Chronologisch wird der atemberaubende Aufstieg und Fall von George Jung (Johnny Depp) nachgezeichnet, einem ganz normalen amerikanischen Jungen, der sich als Kind geschworen hat, niemals Hunger leiden zu müssen, in den 6oer-Jahren ein Marihuana-Imperium aufbaut, sein Vermögen mithilfe des kolumbianischen Medellin-Kokain-Kartells vervielfacht, nur um am Ende, nach etlichen kleineren Haftstrafen, endgültig im Knast zu landen. An einer Stelle sagt Jung zu seiner entfremdeten Tochter: "Dein Vater ist ein Verlierer." Und er hat Recht. Blow ist die Geschichte eines netten Typen, der sein Leben lang die falschen Entscheidungen trifft, der zwar beinahe alleine den gesamten amerikanischen Kokainhandel aufbaut, schließlich aber genau das bekommt, was er verdient hat. Unter der Regie von Ted Demme steckt der Film voll vibrierender Energie, beeindruckt durch seine Authentizität und bleibt dennoch merkwürdig nichtssagend.

Es fällt schwer, sich mit Jungs kometenhaftem Aufstieg zu Reichtum und Glamour zu identifizieren und Demme suggeriert keinesfalls die Idealisierung eines Drogenhändlers. Worum geht es also bei Blow? Einzig, so scheint es, um Jungs Geschichte als Charakterisierung der kokainseligen guten alten Zeit zu benutzen. Schließlich wird dann eben doch angedeutet, dass Jung im Grunde ein guter Kerl gewesen sei. Wer sich für Jungs Lebensstil interessiert, wird von dem Film und dessen Mischung aus Humor, latenter Bedrohung und paranoider Beklemmung verblüfft sein. Demme hat den Film darüber hinaus bis in die Nebenrollen fantastisch besetzt, vielleicht mit Ausnahme von Penélope Cruz als Jungs Schickimicki-Ehefrau, und sicherlich bietet Blow einen interessanten Gegenpol zu Traffic. Dennoch wirkt der Film wie eine wilde Party: Man hat hinterher einen Kater und spürt ein vages Gefühl von Bedauern. —Jeff Shannon

Terry Gilliam Wäre Franz Kafka Animationskünstler und Filmregisseur gewesen — und ein Mitglied des Monty Python's Flying Circus — könnte man sich gut vorstellen, dass er genau so eine haarsträubend dystopische Satire wie Brazilgedreht hätte. Tatsächlich zeichnet Terry Gilliam dafür verantwortlich, auf den alles Gesagte zutrifft, nur dass er natürlich nicht Franz Kafka ist.

Wie auch immer, Gilliam trifft in dieser Komödie eines Beamtenalbtraums genau die paranoid-subversive Stimmung von Kafkas Prozess. Im Mittelpunkt steht ein sanftmütiger Regierungsbeamter namens Sam Lowry (Jonathan Pryce), dessen Leben von einem kleinen Käfer zerstört wird. Der Käfer wird in seinem Drucker zerquetscht und verursacht so einen Tippfehler: Ein unschuldiger Bürger wird zu Unrecht verdächtigt, der Terrorist Harry Tuttle (Robert De Niro) zu sein. Als Sam versucht, das bürokratische Chaos zu entwirren, wird er schließlich selbst als Übeltäter abgestempelt.

Der Film prägt eine so unerbittlich einfallsreiche und wilde Vision der Bürokratie des 20. Jahrhunderts, dass er fast selbst ein Opfer engstirnigen Studiomanagements geworden wäre. Doch Gillian zeigte den Film heimlich der Los Angeles Film Critics Association, dem Verband der Filmkritiker in LA, der Brazilzum Film des Jahres 1985 ernannte. Er brachte Universal damit so sehr in Verlegenheit, dass das Studio regelrecht gezwungen war, den Film zu veröffentlichen. —Jim Emerson

Sharon Maguire Bridget Jones Schokolade zumFrühstück DV

Ang Lee Ein schmerzliches Gefühl von Melancholie umgibt Brokeback Mountain, Ang Lees einfühlsamen, bewegenden Film, der - wie seine anderen Projekte - gesellschaftliche Einschränkungen und die damit einher gehenden leidenschaftlichen Gefühle erforscht. Dieses Mal nutzt Lee jedoch anstelle des antiken China oder Englands im Neunzehnten Jahrhundert oder die amerikanischen Vorstädte in den Siebziger Jahren den Zeitrahmen des amerikanischen Westens zu Beginn der Sechziger Jahre. Er zeigt hier zwei Menschen, die sich lieben und durch die Rolle, die sie innerhalb der Gesellschaft spielen sollen, eingezwängt werden, sich dagegen auflehnen und dadurch jeweils die Konsequenzen tragen müssen - und die Romanze, die hier stattfindet, besteht zwischen zwei Männern. Ennis Del Mar (Heath Ledger) und Jack Twist ( Jake Gyllenhaal) sind zwei Rancher, die sich mit Gelegenheitsarbeiten durchschlagen und in Wyoming nach Arbeit suchen, als sie sich während eines Schafhirtenjobs im Schatten des besagten Brokeback Mountain treffen und kennen lernen. Der wortkarge Ennis, der mit Kommunikation überhaupt nichts am Hut hat, stellt fest, dass er sich gegenüber dem geselligen Jack öffnen kann, und die beiden entwicken eine starke Zuneigung zueinander, die ausgerechnet während einer kalten Nacht in der Wildnis Feuer fängt. Gegen Ende des Sommers trennen sie sich wieder, jeder heiratet und kriegt Kinder - aber ein Wiedersehen nach Jahren zeigt, dass die Zuneigung, die sie füreinander empfinden nur noch zugenommen hat. Und während Jack von einem gemeinsamen Leben träumt, will sich der schweigsame Ennis den Gedanken an etwas derart Revolutionäres nicht eingestehen.

Durch seine offene und ungezwungene Darstellung der Liebe zwischen zwei Männern wurde Brokeback Mountainsofort zu einem kulturellen Meilenstein, sowohl im Guten als auch im Schlechten, denn der Film wurde verächtlich als "schwuler Cowboyfilm" bezeichnet, aber auch als Durchbruch für das Mainstreamkino gehuldigt. Inmitten all dieses Traras der verschiedensten Ansichten steht jedoch eine stille, herzzerreißende Geschichte, die sowohl ihrer Zeit angemessen als auch universell gültig ist - die klassische Geschichte einer zum Scheitern verurteilten Liebe auf dem Fundament der sich ständig verändernden Vereinigten Staaten von Amerika, die sowohl Hoffnung als auch Verzweiflung verheißen. Der Film, dessen Geschichte von Larry McMurtry und Diana Ossana anhand Annie Proulxs Kurzgeschichteadaptiert worden war, spiegelt die leichte Trostlosigkeit von McMurtrys Die letzte Vorstellungwider, in dem der einstmals glorreiche Westen verblasst. Aber unter Lees Anleitung erinnert der Film auch an Der Eissturm, denn er zeigt den sich ausweitenden Effekt, den ein einziges Ereignis auf mehrere Menschen haben kann. Wie immer ist Lees Arbeit mit den Schauspielern einzigartig, denn er motiviert Michelle Williams und Anne Hathaway zu dezenten, nuancierten Leistungen als Ehefrauen, die sowohl unbewusst als auch offen von der Affäre ihrer Männer beeinflusst werden. Und Gyllenhaal verleiht einer Rolle, die vielleicht sonst nur wie ein Schoßhündchen gewirkt hätte, eine erstaunliche Tiefe. Ledger ist jedoch der eigentliche Mittelpunkt des Films: seine Darstellung eines emotional unterdrückten Mannes, der von seinen Gefühlen sowohl überwältigt als auch befreit wird, ist faszinierend und tragisch zugleich. „Brokeback Mountain“ ist dezent, aber auch voller Emotion bei der Präsentation der Geschichte und verdient so einen Platz innerhalb der klassischen modernen Liebesgeschichten. —Mark Englehart

T.C. Christensen Tyler and his big sister, Krista, can't stand each other! Tyler is a master manipulator and constantly gets Krista into trouble. When Krista angrily wishes Tyler would just turn into a bug and buzz off, she gets her wish courtesy of Mrs. Pickle Nickle, an alien babysitter, who has been sent to Earth to learn how humans get along. Yendor shows up and tries to kidnap Tyler, the bug, and take him to their planet as evidence of Pickle Nickle's incompetence. It's a race to the finish as Krista goes searching for her missing bug, er brother, and get him back to normal before Mom and Dad get home!

Special Features:

Behind the Scenes The Making Of Bug Off

Interactive Menus

Scene Selection

Trailers

Trivia Game

Format: DVD MOVIE

Céline Dion

Céline Dion

Franco Dragone

Erich Kästner, Joseph Vilsmaier Bei einem Sprachkurs in Schottland prallen zwei Mädchen aufeinander, die auf den ersten Blick total verschieden und auf den zweiten völlig gleich aussehen Charlie und Louise. Doch egal wie groß die anfängliche Abneigung ist, schon bald erkennen beide, dass es kein Zufall sein kann, dass sie sich nicht nur gleichen, sondern auch noch am gleichen Tag in der gleichen Stadt geboren wurden. Sie sind Zwillinge! Um dem Geheimnis ihrer Herkunft auf die Spur zu kommen und entgangenes Familienglück nachzuholen, tauschen sie die rollen. Charlie fährt zur Mutter Sabine nach Hamburg und Louise zu Vater Wolf nach Berlin. Doch so leicht, wie sich die Zwillinge es erträumen, ist das Glück zu viert nicht zu haben. Aber Charlie und Louise wollen nie wieder getrennt sein - und setzen alles auf eine Karte.

Tim Burton C - Charlie und die Schokoladenfabrik Blu-ray

Cher

Cher You don't have to actually like Cher to at least respect her for having the chutzpah and sheer resilience to overcome any number of ill-conceived moves (most of which she acknowledges with wry self-deprecation), including bad records, disastrous relationships, embarrassing infomercials, and enough cosmetic surgery to underwrite several surgeons' Beverly Hills manors. This 90-minute concert, filmed in Las Vegas in '99 and subsequently broadcast on HBO, is Cher in all her kitschy glory. She's a performer, not just a singer (a good thing, given her limited if distinctive voice), and the show gives us the requisite array of Bob Mackie costumes (Valkyrie and vamp, pirate and prostitute, and one item that she herself describes as "Bozo the Clown meets Braveheart"), wigs galore, a host of beautiful bodies writhing about onstage in what might charitably be called "interpretive dances" (also known as "filler while the star changes outfits")....

Oh, and there's music too, from the old hits ("Half Breed,""Gypsies, Tramps & Thieves") to "Believe," the late '90s techno-dance smash that here is saved until last, with a few covers thrown in for good measure (U2's "I Still Haven't Found What I'm Looking For"? Go figure). We also get some old Sonny & CherTV clips (bet you didn't remember that Ronald Reagan and David Bowie appeared on their show), highlights from her very impressive film career, still photos, drawings of Mackie's creations, and the "Walking in Memphis" music video. All in all, it's a weird, extravagant, campy stew, and a heck of a fun ride. —Sam Graham

Cher Sollte ihre Konzerttournee im Jahr 2002 tatsächlich ihre letzte gewesen sein — und Cher könnte es nach 40 langen Jahren im Showbusiness diesmal ernst meinen —, dann hat sie sich mit einem echten Knaller von der Bühne verabschiedet.

Im Laufe des 92-minütigen Konzerts trägt Cher derart viele Kostüme und Perücken, dass man damit locker eine Kleinstadt ausstaffieren könnte. Sie umgibt sich mit Tänzern und Akrobaten, zeigt Ausschnitte aus ihren Fernsehserien und spielt am Ende sogar alle Rollen in einer entzückenden Miniversion der West Side Story. Oh, und natürlich singt sie auch noch. Von den frühen Jahren der Sonny-und-Cher-Ära über ihre Solokarriere bis hin zu ihrer eigenen Wiederauferstehung als Disko-Diva mit Believewird keine Phase ihrer Karriere ausgespart.

Unter dem Strich ist Cher - The Farewell Toureine dynamische, manchmal alberne, dabei immer unterhaltsame Show. Wie Cher selbst bemerkt hat: Britney, J-Lo und wie sie alle heißen mögen werden es schwer haben, in ihre Fußstapfen zu treten. —Sam Graham

Cher

Rob Marshall Diese Kinoversion von Chicago, dem ewigen Renner auf der Musical-Bühne, ist ein Ausstattungsfilm, in dem sich eine Gesangs- beziehungsweise Tanzeinlage an die nächste reiht. Sie könnte sehr wohl ein willkommenes Revival des Musicals als populäres Filmgenre einleiten.

Nachdem der Liebhaber des Möchtegern-Stars Roxie (Renee Zellweger) ermordet wird, wird sie zusammen mit der berühmtesten singenden Mörderin Chicagos, Velma (Catherine Zeta-Jones), eingelocht. Mit ihr wetteifert sie um die Gunst des besten Anwaltes der Stadt, Billy Flynn (Richard Gere). Angezogen durch die besonderen Umstände von Roxies Fall (nämlich, dass sie die süßeste Killerin ist, die je Chicago ihre Aufwartung machte), bietet ihr Flynn einen Vorgeschmack von Ruhm, und ihr Traum vom Singen auf der Bühne wird dem Geschehen gegenübergestellt.

Die Adaption von Chicago als Film ist dank der nahtlosen Verschmelzung von Traumsequenzen à la Dennis Potter mit der Handlung durchaus gelungen. Obwohl die Bühnenversion sehr sparsam mit dem Bühnenbild umgeht, wurde hier der Film-Set stark von Moulin Rouge beeinflusst, dem einzigen erfolgreichen Musical jüngster Zeit. Schwerer Samt und Draperien verleihen der finsteren Unterwelt der Clubs im Chicago der 20er-Jahre eine Atmosphäre von edler Pracht. Die große Frage lautet aber: Bringen es die Filmschauspieler auch als Darsteller?

Überraschenderweise ist es Zellweger, die sich in ihrem Part am sichersten zu fühlen scheint — trotz ihres etwas unbeholfenen Tanzens. Zeta-Jones wirkt trotz ihrer Bühnenausbildung eine Spur zu maskulin, um als 20er-Jahre-Modepuppe glaubhaft rüberzukommen — zudem fehlt es ihr an dem notwendigen Schwung. Eins muss man ihr allerdings zugestehen: Als Starlet-Hexe ist sie durchaus glaubhaft. Gere kommt mit seiner Stepptanz-Sequenz kaum besser weg (glücklicherweise halten sich seine Gesangs- und Tanzeinlagen in Grenzen). Wer aber nun wirklich allen die Show stiehlt, das ist Queen Latifah: Ihre Rolle als Zellen-Oberin wie auch ihr Gesang sind einfach perfekt. Vor allen Dingen aber wird Ihnen dieser Film Appetit auf das Original auf der West-End-Bühne machen. —Nikki Disney

Alfonso Cuaron Children of men DV

Roman Polanski Roman Polanskis düsterer Film noir enthüllt die dunkelste Seite des Lands des Sonnenscheins, des Los Angeles der 30er Jahre, in dem Macht die einzige Währung ist — und das einzige, was zu kaufen sich lohnt. Jack Nicholson ist J.J. Gittes, ein Privatdetektiv wie aus den Romanen Raymond Chandlers, der während an sich routinemäßiger Nachforschungen über eine untreue Ehefrau immer tiefer in ein Verwirrspiel aus falschen Fährten und allgegenwärtiger Verkommenheit hinein gerät.

Die glamouröse Evelyn Mulwray (eine strahlend schöne Faye Dunaway) und ihr einem Titanen gleichender Vater Noah Cross (John Huston) sind das schwarze Loch im Zentrum dieser Geschichte von Verrat, Inzest und politischer Bestechung. Das vor Spannung knisternde, die Stimmung der harten Kriminalromane der 30er und 40er Jahre heraufbeschwörende Drehbuch von Robert Towne hat völlig verdient einen Oscar gewonnen; und die von gedämpften Farben beherrschte Kameraarbeit lässt die Ereignisse zugleich trüb und unglaublich kraftvoll erscheinen. Polanski selbst hat einen zwar kurzen, aber unvergesslichen Auftritt als Schläger, der Nicholsons Nase stark beschädigt. Einer der größten Krimis aller Zeiten, der einen wirklich in jeder Hinsicht zufrieden stellt. —Anne Hurley

Andrew Adamson Buena Vista Disney's - Der König von Narnia, USK/FSK: 6+ VÃ-Datum: 17.07.08

Michael Mann Collateralliefert für Tom Cruise eine ungewohnte Rolle als gnadenloser Vertragskiller, aber dies stellt nur einen der vielen Gründe dar, weshalb dieser handwerklich solide Thriller eine Empfehlung wert ist. Schließlich stammt der Film von Michael Mann, und die beeindruckende Liste an Kriminalfilmen dieses Regisseurs (Violent Streets - Der Einzelgänger, Roter Dracheund vor allem Heat) bildet die Garantie für eine Kombination aus intelligenter Handlung, gut gezeichneten Charakteren und ansteigender Spannung, die damit beginnt, dass der eiskalte Auftragsmörder Vincent (Cruise) einen Taxifahrer (Jamie Foxx) damit beauftragt, ihn durch das nächtliche Los Angeles zu fahren, wo er in einer zehnstündigen Tour fünf Menschen umbringt. Stuart Beatties Drehbuch verbindet gekonnt intime Charakterstudien mit Ausbrüchen roher Gewalt (was mit Manns Regie-Handschrift einher geht). Foxx liefert seine bislang beste Darstellung (zwischen seiner tollen Arbeit in Aliund seiner Hauptrolle in Ray), und Cruise spielt durchaus überzeugend als disziplinbesessener Soziopath. Jada Pinkett-Smith baut ihre Nebenrolle gekonnt aus und Mann führt mit dem Selbstbewusstsein eines Meisters Regie, wobei er L.A. die dritte Hauptrolle verleiht. Collateralbaut sich langsam auf, aber während der Film subtil die Themen vergeblicher Träume und dem Leben am Rande der Gesellschaft anschneidet, schaltet er den Turbo ein und rast mit atemberaubender Präzision in Richtung eines schweißtreibenden Höhepunkts. —Jeff Shannon

Richard Linklater Nachdem er mit seinem Film Slacker, mit dem er eine ganze Generation neu definierte, die Welt veränderte, richtet Regisseur Richard Linklater mit Dazed and Confusednun seinen umherstreifenden Cinema-Vérité-Blick auf die 70er-Jahre. Wie schon beim ersten Film wandert sein untrügliches Kameraauge durch Landschaften, in denen es vor Bezügen auf die Popkultur sowie scharfen Einblicken in die menschliche Natur nur so wimmelt. Diesmal allerdings trägt er eine dicke Schicht Nostalgie auf die Kameralinse (und den Soundtrack) auf. Fast könnte man den Film für eine Version von Fast Times at Ridgemont Highunter der Regie eines Jean-Luc Godard halten.

Die Geschichte spielt im Jahre 1976 und dreht sich um eine Clique von Freunden an ihrem Abschlusstag an der Highschool. Seine Freundin und einen neuen Kumpel aus dem Erstsemester im Schlepptau, kurvt der gutmütige Football-Held Randall "Pink" Floyd mühelos durch die verfeindeten Welten der Highschool-Sportler, Kiffer, Wichtigtuer und Rocker. Überraschenderweise handelt es sich bei Dazed and Confusednicht um einen Film über das Erwachsenwerden. Vielmehr traut er sich, die ewige und übermächtige Frage eines jeden Jugendlichen zu stellen: Was soll nun kommen? Für eine leichte Komödie ist er eine Spur zu ehrlich (typisches Zitat: "Sollte ich je sagen, dies waren die besten Jahre meines Lebens, erinnere mich daran, dass ich mich umbringe."). Andererseits viel zu komisch, um nur als weitere filmische Lebensbetrachtung zu gelten. —Grant Balfour

Robert Zemeckis Die 90er Jahre haben vier Meisterwerke des Science-Fiction-Films hervorgebracht: Independence Day, Matrix, Star Wars: Episode 1und - Contact. An der Kinokasse blieb Robert Zemeckis' (Zurück in die Zukunft, Forrest Gump) Verfilmung des Bestsellers von Carl Sagan ein Mega-Erfolg à la Independence Dayverwehrt. Vielleicht nicht überraschend, denn statt Aliens und Weltraumschlachten konzentriert sich Contactauf eine philosophische Grundfrage: Gibt es einen Glauben (an Gott oder etwas anderes) in einer Welt der Wissenschaft? Für Ellie Arroway (Jodie Foster) liegt die Antwort auf die Frage nach dem Sinn unserer Existenz in der Unendlichkeit des Weltraumes, in den sie mit gigantischen Radioteleskopen hineinhorcht. Doch am Ende ihrer Suche hat sie mehr Fragen als Antworten, und keinerlei Beweise. Ist sie durch ein Wurmloch ans andere Ende der Galaxis gereist oder hat der exzentrische Industrielle Hadden (John Hurt) Ellie und die gesamte Öffentlichkeit zum Narren gehalten?

Wer Contactnur einmal gesehen hat, wird Ellie Arroway gern Glauben schenken, doch genaues und mehrmaliges Hinsehen lohnt: Contactist gespickt mit Hinweisen und Anspielungen auf den größten Betrug der Menscheitsgeschichte.

Visuell ist Contactein durchgestyltes Stück High-Tech-Kino, randvoll mit digitalen Effekten und Kameratricks. Robert Zemeckis Leistung ist es jedoch, seine erstklassige Schauspielerriege über den Computer triumphieren zu lassen: die Alien-Veteranen Tom Skerritt und John Hurt ebenso wie Angela Bassett und James Woods. Das Contactimmer im Hier und Jetzt verankert bleibt, ist den Heerscharen von (echten) CNN-Reportern, Fernsehmoderatoren (Jay Leno) und Politikern (Bill Clinton!) zu verdanken, die die unzähligen Fernsehmonitore in Contactbevölkern. —Carsten Mittermüller

Jessie Nelson Nach dem Tod seiner Frau sucht Werbetexter Manny nach einem Dienstmädchen, das sich um den Haushalt und seine Tochter Molly kümmern soll. Er entscheidet sich für die Afroamerikanerin Corrina, die zwar nicht kochen kann, aber mit ihrer urigen Persönlichkeit umgehend einen Draht zu Molly findet, die seit Mutters Tod kein Wort mehr gesprochen hat. Die lebenslustige Haushaltsperle schafft es schließlich, das Mädchen wieder zum Reden zu bringen und selbst Manny kann sich dem Charme von Corrina nicht entziehen.

James Burrows Michael Lembeck Peter Bonerz Die 5. Staffel der SF-Serie Babylon 5 war ein Geschenk. Abgesetzt von dem Sender der Warner Brothers übernahm TNT die Serie und ließ eine weitere Staffel produzieren, die auf jeden Fall das Ende von J. Michael Straczynskis auf 5 Jahre angelegten Weltraumoper zeigen musste. Mit dem Ergebnis nicht unzufrieden, beauftragte man den Kreativen mit der Planung einer neuen Serie - und gab gleichzeitig vier abendfüllende Spielfilme in Auftrag, die "Babylon 5" ergänzen und gleichzeitig zur neuen Serie überleiten sollten. Nach den mäßigen TV-Filmen Der Fluss der Seelen, Das Tor zur 3. Dimension und dem Prequel Der erste Schritt war der letzte und beste Film Waffenbrüder gleichzeitig der Pilotfilm zur neuen Serie. Diese Serie hieß "Crusade".

In Waffenbrüder wird die Erde von einem unbekannten Virus verseucht, der innerhalb von 5 Jahren alles Leben auf unserem Planeten auslöschen wird. Irgendwo in der Galaxis soll ein Heilmittel gegen diesen Virus existieren - aber ob es existiert oder wo es sich befindet, weiß niemand. Dennoch macht sich das Raumschiff "Excalibur" als letzte Hoffnung der Menschheit auf den Weg. Der Besatzung unter Captain Matthew Gideon bleiben 5 Jahre Zeit. Doch wie die reale Zeit zeigen sollte, blieben der Serie gerade einmal 13 Episoden.

Das der Erfinder von Babylon 5 und Crusade, Joe Michael Straczynski, von seinen Fans(sic!) liebevoll JMS genannt, ein schwieriger Mitarbeiter ist, streitet er gar nicht ab. Trotz dieser Erkenntnis oder gerade deswegen legt er sich immer wieder mit den Offiziellen der Sender an, für die er arbeitet. Das war bei Babylon 5 so und das war bei Crusade nicht anders. Crusade stand schon vor der Ausstrahlung unter einem schlechten Stern - und wurde intern bereits vor dem Senden der 1. Folge gecancelt. Dabei hätte dies nicht nötig sein müssen: Die Voraussetzungen für eine gute SF-Serie bringt Crusade locker mit. Eine klare Ausgangsposition, die viel Potenzial für gute Geschichten bietet; gut definierte Charaktere, von vielversprechenden Darstellern besetzt und etliche Unterschiede zur Vorgängerserie, die klar machten: Hier handelt es sich nicht um einen schalen Aufguss.

JMS ließ die Darsteller viel vor Blue Screen arbeiten, was sich im Ergebnis als originell, aber leider auch als sehr gewöhnungsbedürftig herausstellte. Mit den gleichen Adjektiven kann man die Musik bezeichnen, die im Gegensatz zu Christopher Frankes orchestralem Score von Babylon5 sehr orientalisch-minimalistisch anmutete. Dennoch sind es solche Stolpersteine, die Qualität auch einen Anstrich von Individualität verpassen - und Qualität hat Crusade. Auch wenn in 13 Episoden die Suche dem Heilmittel erfolglos bleiben muss, auch wenn das von TNT geforderte "Sex & Crime"-Element, gegen das sich JMS so vehement wehrte, der Serie vielleicht einen Kick mehr Kitzel verliehen hätte (und vor allem eine Zukunft über 13 Episoden hinaus), war Crusade ein erster Schritt zu einer guten Serie. Leider waren dem Projekt keine weiteren Schritte vergönnt. — Mike Hillenbrand

Vincenzo Natali Wenn Clive Barker jemals eine Episode von Twilight Zonegeschrieben hätte, hätte diese vermutlich etwa so wie Cubeausgesehen. Eine Hand voll fremder Menschen wachen in einem bizarren Labyrinth auf, in das sie während der Nacht hinein gezaubert wurden. Sie begreifen schnell, dass sie sich ihren Weg durch die unzähligen Räume bahnen müssen, falls es überhaupt Hoffnung auf ein Entkommen gibt. Das Problem ist nur, dass tödliche Fallen auf die Gruppe warten, wenn sie die falsche Route wählt. Nachdem er sich für seine Geiseln einige ebenso fantasievolle wie grausige Bestrafungen ausgedacht hat, legt Co-Autor und Regisseur Vincenzo Natali sein Hauptaugenmerk auf die Charaktere, deren beste und schlimmste Eigenschaften durch die Gefangenschaft verstärkt hervor gehoben werden.

Der Film weist tatsächlich Ähnlichkeiten zu einer berühmten Episode aus Rod Serlings gruseliger Serie auf, auch wenn Natalis Erklärung, warum diese armen Menschen durch die Hölle gehen müssen, eher in der Tradition der Akte XFolgen steht. Cubeist spannend und dramatisch und das Produktionsdesign ist große Klasse: man ist zunächst versucht anzunehmen, dass die Figuren sich in einem Computer Chip verloren haben. —Tom Keogh

John Hughes

Cyndi Lauper Cyndi Lauper may talk like Edith Bunker (or any number of other queens from Queens), but she sure doesn't sing like her. Indeed, two decades after she burst on the pop scene with her She's So Unusualalbum, Lauper's voice is arguably stronger than ever—an opinion borne out in Live... At Last, a 16-song, 112-minute concert recorded in New York in March, 2004 (the title references both her '03 CD of the same name and the fact that this is her first concert video since 1987's Cyndi Lauper in Paris). Unlike, say, such understated chanteuses as Norah Jones and Diana Krall, Lauper likes to wail, and if the result is occasionally somewhat over the top, it still makes for powerful performances of such familiar material as "I Drove All Night,""All Through the Night," and her biggest hits, "Time After Time" and the salsa-flavored "Girls Just Want to Have Fun." Indeed, Lauper is at her best when she simply rocks (the punkish "It's Hard to Be Me" is another highlight). Far less successful are the mannered, ponderous, and/or melodramatic arrangements of pop standards like "Walk On By,""If You Go Away," and "Don't Let Me Be Misunderstood," while the French café vibe on "She Bop" is cute but insubstantial. The visuals (shot in high definition and viewed in widescreen) and audio are excellent, while bonus features include Lauper's guided tour of Queens. —Sam Graham

Andy Fickman Buena Vista Daddy ohne Plan, USK/FSK: 6+ VÃ-Datum: 07.08.08

Alex Proyas Kinowelt Dark City (neuer Look!), USK/FSK: 16+ VÃ-Datum: 15.12.06

Rodney McDonald

Chris Weitz DER GOLDENE KOMPASS

Michael Cuesta Tony Goldwyn Studio: Paramount Home Video Release Date: 08/21/2007 Run time: 655 minutes

Andrew Adamson Die Chroniken von Narnia - Prinz Kaspian schreibt die Geschichte des ersten Teils fort und entführt den Zuschauer erneut in die magische Parallelwelt. Grosses Kino mit epischen Qualitäten und visionärer Kraft; wenn auch die fragwürdige Haltung nicht verschwiegen werden soll.

"Die Chroniken" von C.S.Lewis wurden in den fünfziger Jahren geschrieben, umfassen 7 Bände und gehören zum Erfolgreichsten, was das Fantasygenre hervorgebracht hat. Knapp 100 Millionen Bücher wurden bislang verkauft und auch Die Chroniken von Narnia - Prinz Kaspian war ein Bestseller. C.S.Lewis war lange Zeit mit J.R.R.Tolkien ("Der Herr der Ringe") befreundet, dessen Ansatz ein ganz anderer war. Während Tolkien mit seinem Ringepos das Genre auch für Erwachsene zugänglich machen wollte, ging es Lewis ganz eindeutig um ein junges, formbares Lesepublikum und offene religiöse Allegorien. "Die Chroniken" lösen genau diesen Anspruch ein.

In den Büchern geht es um die Abenteuer einer Gruppe verschiedener Kinder und Erwachsener, die eine zentrale Rolle in der Entwicklung der Magiewelt "Narnia" spielen. Während im ersten Film (Die Chroniken von Narnia) viel Zeit darauf verwendet wird die Figuren und die Welt einzuführen, konnte man in Die Chroniken von Narnia - Prinz Kaspian zügig mit dem eigentlichen Plot beginnen. Der Film beginnt ein Jahr nach dem Geschehen des ersten Teils. In Narnia sind allerdings mittlerweile 1300 Jahre vergangen. Prinz Kaspian (Ben Barnes), der rechtmässige Nachfolger auf den Thron, wurde von seinem Onkel, König Miraz (Sergio Castellitto) ausgebotet. Nach der Geburt eines eigenen Sohnes muss Kaspian verschwinden. Ihm gelingt die Flucht in die Wälder Narnias. Gejagt von den Häschern des bösen Königs weiss sich Kaspian schließlich nicht anders zu helfen, als ein Horn zu blasen, dass nur in der allergrößten Not erklingen soll. Es erweckt die alten Könige und Königinnen von Narnia die es sich in ihrem mondänen menschlichen Leben in London bequem gemacht haben. Peter (William Moseley), Susan (Anna Popplewell), Edmund (Skandar Keynes) und Lucy (georgie Henley) erscheinen bei den Ruinen von Cair Paravel; sie treffen auf den Zwerg Trumpkin (Peter Dinklage) der sie über die politischen Realitäten in Narnia aufklärt. Nur unter Kaspians Herrschaft könne es wieder Friede und Harmonie zwischen allen Lebewesen geben. Es ist klar was es zu tun gilt.

Der größte Unterscheid zwischen dem ersten und dem zweiten Teil der "Chroniken" lässt sich in der Haltung der beiden Filme zu seinen Kriegssequenzen ablesen. Werden die Kriegshandlungen im ersten Teil eher beiläufig behandelt, stehen sie im zweiten Teil im Mittelpunkt. Es fließt viel Blut und einige Einstellungen würden von der gezeigten Brutalität besser zu einem Erwachsenenfilm passen. Aber das ist kein Zufall. Man kann sich über die gesamten 137 Minuten nie des Eindrucks erwehren, dass religiös motivierter missionarischer Eifer bei der Entstehung von Die Chroniken von Narnia - Prinz Kaspian eine Rolle gespielt haben könnte. Natürlich steckt die Metaphorik bereits in den Büchern und dennoch: Regisseur Andrew Adamson fehlt möglicherweise die notwendige Reflexion um einen derart stark eingefärbten Stoff von den fünfziger Jahren in unsere Zeit zu übertragen. Anders lässt sich der schale Beigeschmack nicht erklären, der einen beim Betrachten des Films leicht an Kindersoldaten und Kriegsverherrlichung denken lässt. Rein filmisch gesehen schneidet der zweite Teil im Vergleich zum ersten erfreulich gut ab. —Thomas Reuthebuch

Sydney Pollack In Die Dolmetscherin, seinem ersten Thriller seit Die Firmaliefert Regisseur Sydney Pollack ein Riesenaufgebot an Stars, Hochglanzbilder und politische Leidenschaft. Mit Nicole Kidman und Sean Penn, die dezent und geschmackvoll ihre Rollen spielen, erinnert der Film stark an Pollacks Robert Redford/Faye Dunaway Paranoia-Thriller Die drei Tage des Condoraus dem Jahre 1975, wobei hier anstelle politischer Verschwörungen ein möglicher Mordanschlag auf jemanden innerhalb der Generalversammlung der Vereinten Nationen thematisiert wird (diesem Film wurde übrigens als erstem genehmigt, an Originalschauplätzen der U.N. zu drehen). Kidman spielt eine U.N.-Dolmetscherin, die zufällig mithört, wie jemand einen Anschlag auf den viel geschmähten tyrannischen Führer ihres (fiktionalen) afrikanischen Heimatlandes plant. Penn ist der Geheimagent, der abgestellt wird, sie zu beschützen, oder die Rolle, die sie vielleicht innerhalb des Mordkomplotts spielt, zu enthüllen. Indem sich Die Dolmetscherinvon realen politischen Vorgängen distanziert, verspielt der Film sein Potenzial, als Thriller über die gegenwärtige Globalisierung und Bedrohung des internationalen Friedens zu funktionieren, aber das persönliche Drama zwischen Penn und Kidman (zwei Menschen, die sich über gemeinsame Ängste näher kommen, ohne künstlich in eine Romanze gezwungen zu werden) erweitert Pollacks gekonnte Meisterschaft der Thriller-Elemente einer komplexen, aber leicht zu folgenden Handlung um eine zutiefst menschliche Perspektive. Die aus Independent-Produktionen bekannte Catherine Keener glänzt in ihrer Nebenrolle als Penns sarkastische, aber sympathische Geheimdienst-Kollegin. —Jeff Shannon

Euros Lynn, Andy Goddard, James Strong, Graeme Harper David Tennant, David Morrissey, Michelle Ryan, Lindsay DuncanDirectors: Euros Lynn, Andy Goddard, James Strong, Graeme Harper

Stanley Kubrick

John Gatins

Ben Sharpsteen Ein so genannter "Disney-Klassiker", der ein wirklicher Klassiker ist. Dumbo, der fliegende Elefantdarf auf keinen Fall in Ihrer Videosammlung fehlen, egal ob Sie Kinder haben oder nicht. Der Erzählfluss war nie so straff, die Lieder selten so nachhaltig in ihrer Wirkung, die Charaktere selten so gut definiert. Der Film stellt der kalten, grausamen und herzlosen Welt, die Abweichungen nicht akzeptieren kann, einen mutigen und stummen Helden gegenüber.

Jumbo jr. (Dumbo ist ein niederträchtig gemeinter Spitzname) wird kurz nach seiner Geburt wegen seiner großen Ohren aus dem Zirkus verbannt. Seine Mutter setzt sich für ihn ein und wird dafür angekettet. Dumbo wird von Kindern verspottet (eine wunderbare und für Dumbo um Verständnis werbende Szene zeigt einen Jungen, der sich über Dumbos Ohren lustig macht, selber aber auch ziemliche Löffel hat), von den Angehörigen des Zirkus ausgenutzt und dazu degradiert, mit den Clowns aufzutreten. Nur der anständige Zirkusmäuserich kümmert sich um den Kleinen. Bedenken wegen des Verhaltens der Krähen, die Dumbo mit dem Song "Ich sah nie, wie ein Elefant fliegt" verhöhnen, verringern sich dadurch, dass die Krähen letztendlich die einzige soziale Gruppe darstellen, die sich dem kleinen Ausgestoßenen gegenüber freundlich verhält. Wenn Ihnen bei "Mein liebes Kind" nicht die Tränen in den Augen stehen, sollte man Sie für tot erklären. —Keith Simanton

David Lynch Es scheint nicht leicht zu sein, Science-Fiction-Puristen zufrieden zu stellen, die bereits David Lynchs vorhergegangenen Versuch, Frank Herberts epischen Roman Dune — Der Wüstenplanet filmisch zu adaptieren, kritisch gegenüberstanden. Ironischerweise hat Regisseur John Harrisons 288 Minuten lange Fernseh-Miniserie, die erstmals im amerikanischen Sci-Fi-Channel ausgestrahlt wurde, ihre eigenen Stärken und Schwächen, die im Rückblick zwar die Qualität von Lynchs Film hervorheben, aber dennoch Herberts Roman in Bezug auf Verständlichkeit adäquater umsetzen. Der Streit darüber, welcher Film nun besser ist, wird demnach weitergehen — Lynchs ausgedehnte Verwendung des inneren Monologs erscheint dem Zuschauer nun als gut umgesetzte Herausforderung, wobei Harrisons konventionellerer Ansatz der epischen Breite von Herberts interplanetarischen politischen Intrigen eher gerecht wird.

Soviel ist sicher: diese Fassung von Dune bietet mit ihren Bauten und Kostümen, die ohne offensichtliche Beschränkungen von Seiten des Budgets oder der künstlerischen Kreativität geschaffen wurden, etwas für das Auge. Allein in Bezug auf die Architektur ist dies einer der beeindruckendsten Filme in der Geschichte der Science Fiction. Und obwohl die Spezialeffekte Kinofilmqualitäten vermissen lassen, beherrscht Autor und Regisseur Harrison, der schon mit einigen Fernsehfilmen Erfahrung sammelte, die ausufernden Erzählungen um die widerstreitenden Häuser der Atreides und der Harkonnen in ihrem Kampf um die Kontrolle des lukrativen Handels mit dem Spice.

Das ist wahrlich viel für eine Adaption von Dune — Der Wüstenplanet, und dennoch ist es manchmal schwierig nachzuvollziehen, wer was wem gerade antut. Unglücklicherweise bestehen die größten Probleme des Films in der Besetzung eines nahezu komatösen William Hurt als Herzog Leto und eines etwas hölzernen Alec Newman als dem zukünftigen Messias Paul Atreides. Dies sind kleine Schwächen, aber diese Version von Dune schlägt sich dennoch sehr wacker. Das größte Kompliment bestünde vielleicht darin, dass Frank Herbert beeindruckt sein würde, wäre er noch am Leben. —Jeff Shannon

Tony Gilroy

Stephen Spielberg Eines sollte man nicht vergessen: Papiertaschentücher oder am besten gleich einen ganzen Karton mit Kosmetiktüchern bereitzustellen. Denn selbst als harter Mann wird man diesen Film nicht ohne feuchte Augen überstehen. Es ist einfach zu rührend, wenn der kleine Außerirdische E.T. (Extra Terrestrial) von seinen Artgenossen auf einem Trip zur Erde genau dort vergessen wird. Der kleine Junge Elliot (Henry Thomas), ein Außenseiter, findet das hilflose Wesen und nimmt es mit zu sich nach Hause. Dort versucht E.T., dessen Ähnlichkeit mit einem wandelnden Baumstamm nicht zu verleugnen ist, mit seinem Heimatplaneten Kontakt aufzunehmen: "E.T. nach Hause telefonieren", ist einer der Sätze, den sogar diejenigen kennen, die den Film noch nicht gesehen haben.

Steven Spielbergs Meisterwerk von 1982 brachte dem Regisseur nicht nur kommerziellen Erfolg, sondern auch den Ruf eines filmenden Wunderkindes ein. Der ganze Film wird aus der Kinderperspektive erzählt — Erwachsene sieht man häufig nur bis zur Gürtellinie. Dass daraus kein reiner Kinderfilm geworden ist, sondern ein, wie der Regisseur einmal feststellte, "zeitgenössisches Science-Fiction-Traumgebilde", das auch anspruchsvolle Gemüter zu befriedigen weiß, liegt an Spielbergs Inszenierung. Der Film fliegt regelrecht vor sich hin. Keine Zeit für Langeweile oder sinnlose Szenen. Apropos fliegen: Elliots und E.T.s Flug mit dem Fahrrad, der durch die magischen Kräfte des Aliens möglich wird, wurde zum Symbol für Spielbergs eigene Produktionsfirma Amblin Entertainment.

Vier Oscars gewann der Film im Jahr 1982. Zwei für den Ton, einen für die Spezialeffekte und der letzte ging an den Soundtrack-Komponisten John Williams (Krieg der Sterne, Jurassic Park), der mit seiner Musik schon die Tränen fließen lässt, bevor Elliot E.T. überhaupt ins Herz geschlossen hat. Nach Unheimliche Begnung der Dritten Arthat Spielbergs zweiter Außerirdischen-Film erneut die Filmlandschaft verändert. Herrschten bisher die bösen Aliens vor, benutzte Spielberg das gute Alien um uns zu zeigen, dass wir Menschen die Bösen sind. Ein Film, wie er treffender nicht sein kann.

Zum 20-jährigen Jubiläum des Films erlebte E.T.eine weltweite Wiederaufführung in den Kinos. Spielberg hat den Film dafür komplett digital überarbeiten lassen. Ton- und Bildqualität entsprechen nun dem modernen Stand der Technik, aber auch einige Spezialeffekt sind behutsam digital nachbearbeitet worden. So enthält die neue Fassung beispielsweise auch Szenen mit einem computeranimierten E.T. Einige der Szenen — wie zum Beispiel E.T. und Elliot in der Badewanne — sind erstmals zu sehen. Entdecken Sie E.T.noch einmal völlig neu! —Mathias Alt und Birgit Schwenger

Andy Tennant

Ang Lee Als die letzten Ausläufer der sexuellen Revolution im November 1973 die amerikanische Provinz erreichen, liegt der berühmte Summer of Love schon fünf Jahre zurück. In New Canaan, Connecticut, praktiziert man Partnertausch und Selbstverwirklichung, doch trotz der neuen, modernen Ideen scheint das Leben in dieser Kleinstadt zum Stillstand gekommen zu sein. Ang Lee erzählt in "Der Eissturm" von den Carvers und den Hoods, deren erstarrtes Leben im Jahr des Watergate-Skandals auf eine Katastrophe zusteuert, und läßt dabei eine Ära auferstehen, die noch gar nicht so weit zurückliegt.

Viktor Giacobbo

Gus van Sant Even Cowgirls get the Blues DV

Sir Alan Parker Diese lang erwartete Adaption des Broadway-Musicals unter der Regie von Alan Parker (Fame, Die Commitments) zeigt nicht nur die Pop-Ikone Madonna in ihrer mit dem Golden Globe preisgekrönten Darstellung der Eva Peron, der sowohl streitsüchtigen als auch inspirierenden First Lady Argentiniens. Auch die Musik aus Andrew Lloyd Webbers seit vielen Jahren erfolgreich laufendem gleichnamigen Musical sorgt für Genuss. Die Geschichte Perons, die zusammen mit ihrem Mann (Jonathan Pryce) den Aufstieg zur Macht schafft, wird in Liedern von dem aufständischen Bauern Che (Antonio Banderas) erzählt, während Evitas Zauber, Haltung und letztendlich ihre Tragödie eine Nation mitten in politischem und sozialem Umbruch inspiriert. Evita ist kraftvoll, mit schönen Bildern und epischer Musik. Trotzdem ist der Film in den bekannten Liedern sowie auch in den schauspielerischen Leistungen gleichzeitig sehr bewegend.

Pryce porträtiert einen stark mit Fehlern behafteten und unbarmherzigen Mann, der dennoch seiner Frau zutiefst ergeben ist. Banderas ist eine Abenteurerfigur, der Eva Perons Herz mit Leidenschaft füllt. Und Madonna bringt eine starke und dominierende Leistung als eine Frau, die ihren Ehemann und ihr Volk liebt, aber gleichzeitig die sich in ihr regende Leidenschaft bekämpfen muss. Das mit einem Oscar ausgezeichnete Lied "You Must Love Me" wurde extra für den Film geschrieben. Evita ist lebendige und kraftvolle Unterhaltung für Menschen, die Musicals sowohl auf der Bühne als auch im Film lieben. —Robert Lane

Florian Froschmayer

Stanley Kubrick EYES WIDE SHUT

Paul Mazursky

Dominic Polcino "Es war einmal vor langer Zeit, aber irgendwie auch in der Zukunft …" Nein, das ist nicht der Beginn eines neuen Star Wars-Films, sondern die herrlich abgedrehte Hommage der Family Guy-Macher an die erfolgreichste Science-Fiction-Saga aller Zeiten.

Als eines Abends der Strom und somit auch der Fernseher ausfallen, macht sich bei den Griffins Panik breit. Doch Vater Peter weiß Rat und erzählt die größte Geschichte aller Zeiten: Star Wars. Vorhang auf für eine schonungslose Parodie, die sich zwar inhaltlich am Geschehen aus Krieg der Sterneorientiert, ansonsten aber äußerst freizügig und ordinär mit den Sternenkriegern umspringt. Peter spielt den verwegenen Han Solo, Lois die sexy Prinzessin Leia, Chris den halbwüchsigen Luke Skywalker, der gegen "Thai-Fighter" antritt, und Brian den sprachgewandten Chewbacca. Säugling Stewie macht sich als Darth Vader die Windeln voll und Quagmire flirtet als Droide C-3PO mit einem Nadeldrucker aus den 80er Jahren. Die irrwitzige Satire schreckt vor absolut gar nichts zurück: Han hat es sich in den Kopf gesetzt, ein altes Sofa aus der Müllpresse des Todessterns mitzuschleppen, Prinzessin Leia findet Luke zu dick für seine Stormtrooper-Uniform, die imperialen Nachrichten verlautbaren Massenvernichtungswaffen auf Alderaan und die Zerstörung des Todessterns ist dem Umstand verschuldet, dass am falschen Ende gespart wurde.

Die Doppelfolge Family Guy präsentiert: Blue Harvest, die zu Beginn der sechsten Staffel der abgedrehten Zeichentrickserie lief, wurde von George Lucas höchstpersönlich abgesegnet und durfte daher auch den Original-Soundtrack verwenden. Im Bonusmaterial findet sich u.a. auch ein amüsantes Interview mit Family Guy-Macher Seth MacFarlane und George Lucas, das man sich ebenso wie das kurzweilige Making of, den Audiokommentar der Serien-Crew und weitere Star Wars-Zitate und -Anspielungen aus Family Guy-Episoden nicht entgehen lassen sollte. Ein völlig absurdes, herrlich sinnfreies Vergnügen - nicht nur für die Fans von Family Guyund Star Wars. — Birgit Schwenger

Torun Lian Arthaus Die Farbe der Milch, USK/FSK: oA VÃ-Datum: 30.11.07

Alanis Morissette Feast On Scraps präsentiert uns eine Alanis Morissette, wie wir sie bislang nur selten zu sehen bekamen: unbekümmert, zu derben Scherzen aufgelegt und auf der Bühne deutlich rockorientierter als in der Vergangenheit.

Im Mittelpunkt des 140-minütigen Programms steht ein Konzert aus Rotterdam von der Toward Our Union Mended-Tour (2002), bei dem Alanis von einer neuen, deutlich straighteren Band unterstützt wurde. Ein paar der älteren Songs haben live einige ihrer klanglichen Feinheiten verloren, dafür wird aber satt drauflos gerockt, und die charismatische Frontfrau sprüht nur so vor Energie und guter Laune. Tracks wie "21 Things I Want In A Lover", "All I Really Want", "You Oughta Know", "Ironic" oder "Thank You" kommen sehr kompakt und lebendig herüber, ohne ihren typischen Morissette-Charme zu verlieren. Negativ machen sich allerdings die unmotivierten Schnitte zu völlig anderen Live-Aufnahmen und der streckenweise ziemlich undifferenzierte Sound bemerkbar. Bei "Hand In My Pocket" hört man sogar mehrere Sekunden lang nichts außer einem nervigen Brummen.

Zwischen den Songs kann man Alanis und ihren Musikern immer wieder bei Studio-Arbeiten (zum Album Under Rug Swept und der Bonus-CD Feast On Scraps), Backstage-Albernheiten und kurzen Interview-Sequenzen zuschauen. Alanis gibt dabei wie immer viel von ihrem Seelenleben preis, stellt sich sowohl in glücklichen wie auch in traurigen Momenten der Kamera und präsentiert sich in sämtlichen Situationen entwaffnend ehrlich. Insbesondere dann, wenn sie sich als groteske Hobby-Schauspielerin versucht, offenbart sie Talente und Charakterzüge, die viele ihrer Fans bisher nicht gekannt haben dürften. —Michael Rensen

F - Firefly - Die komplette Serie Blu-ray

Much praised and much missed after its premature cancellation, Firefly is the first SF TV series to be conceived by Joss Whedon, creator of Buffy and cocreator of Angel. Set five centuries in the future, it is a show where the mysterious personal pasts of the crew of the tramp spaceship Serenity continually surface. In fact, it's a Western in space where the losers in a Civil War are heading out to a barren frontier. Mal Reynolds is a man embittered by the war, yet whose love of his comrades perpetually dents his cynicism—even in the 14 episodes that exist we see him warm to the bubbly young mechanic Kaylee, the preacher Book, the idealistic doctor Simon, even to the often demented River, Simon's sister, the psychic result of malign experiments.

Firefly is also about adult emotional relationships, for example Kaylee's crush on Simon, the happy marriage of Mal's second officer Zoe and the pilot Wash, the disastrous erotic stalemate between Mal and the courtesan Inara. Individual episodes deal with capers going vaguely wrong, or threats narrowly circumvented; character and plot arcs were starting to emerge when the show was cancelled. Fortunately, the spin-off movie Serenity ties up some of the ends; and in the meantime, what there is of Firefly is a show to marvel at, both for its tight writing and ensemble acting, and the idiocy of the executives who cancelled it.

On the DVD: Firefly on DVD is presented in anamorphic 1.78:1 with Dolby Surround Sound. It includes commentaries on six episodes by various writers, directors, designers and cast members as well as featurettes on the conception of the show and the design of the spaceship Serenity, four deleted scenes, a gag reel, and Joss Whedon singing the show's theme tune, more or less. One of the things that emerges from all of this is how committed to the project everyone involved with it was, and is—unusually, you end up caring as much for the cast and crew as for the characters.

Robert Zemeckis Diese unglaubliche Geschichte über einen nicht allzu hellen, aber gutherzigen Mann, der auf seltsame Art und Weise die großen Ereignisse des 20. Jahrhunderts in den USA immer hautnah miterlebt, ist witzig und herzerwärmend und erhielt sechs Oscars (u.a. Bester Film, Bester Regisseur [Robert Zemeckis], Bester Schauspieler [Tom Hanks]).

Hanks in der Titelrolle spielt einen Jungen aus dem Süden der USA, der in seine Kindheitsfreundin (Robin Wright) verliebt ist und herausfindet, dass seine Fähigkeit schnell zu rennen, ihn weit bringt: Aus ihm wird erst ein Football-Star, der John F. Kennedy kennenlernt, dann ein Kriegsheld in Vietnam und schließlich ein Weltmeister im Pingpong, der von Richard Nixon bejubelt wird. Später dann als erfolgreicher Shrimpsfischer sehnt er sich immer noch nach der Liebe seines Lebens, deren eigenes Leben in wesentlich traurigeren Bahnen verläuft.

Die visuellen Effekte von George Lucas' Effektschmiede ILM, mit denen Hanks in echtes Wochenschau-Material eingebunden wird, sind witzig und eindrucksvoll. Das Herz des Films liegt jedoch in der zuckersüßen Liebesgeschichte und in Hanks' beeindruckender Darstellung einer bescheidenen Seele, die das Beste aus ihrem Leben macht. —Robert Lane

Gus Van Sant Forrester - Gefundenhätte eine seichte Variante von Karate Kidwerden können, die sich darin sonnt, als Hauptcharakter einen 16jährigen schwarzen Jungen aus der South Bronx zu haben, der ein brillanter Athlet ist. Stattdessen nimmt Regisseur Gus Van Sant (Psycho) die Sache völlig ernst und geht realistisch an sie heran. So besetzte er die Hauptrolle mit einem Laien (Rob Brown). Dieser spielt Jamal, den Basketballspieler und begabten Schüler, dessen Talent zum Schreiben von einem berühmten, zurückgezogen lebenden Autor gefördert wird. William Forrester (Sean Connery, Jagd auf Roter Oktober) wurde vier Jahrzehnte zuvor mit einem Roman, der den Pulitzerpreis gewann, zu einer literarischen Ikone. Dann verschwand er (wie Fänger im Roggen-Autor J.D. Salinger) und lebt nun in seinem von Büchern überquellenden Apartment, mit Angst vor der Außenwelt und ohne etwas zu veröffentlichen, doch immer noch voller Leidenschaft für das Schreiben. Aus einer Mutprobe heraus schleicht Jamal sich in Forresters muffigen Zufluchtsort und was nun zu einem geruhsamen Klischee hätte werden können — Ghettokid wird vom weisen, weißen Übervater gerettet — wandelt sich zu einem geistvollen Treffen der Gedankenwelten, mit gegenseitigem Respekt und der Intelligenz, die die Grenzen zwischen Generationen und Kulturen niederreißt. Vergleiche zu Gus Van Sants Good Will Huntingsind unvermeidbar, doch Forrester - Gefunden) ist ehrlicher und weniger anfällig für rührselige Gefühlsduselei — etwa in der Art, wie Jamal und eine Klassenkameradin auf der Privatschule (Anna Paquin, X-Men) einen gegenseitige Anziehung entwickeln, die nahezu völlig unausgesprochen bleibt. Der Film nimmt eine konventionelle Wendung, als Jamal seine Redlichkeit (mit Forresters Hilfe) in einem Schreibwettbewerb unter Beweis stellen muss, der von einem skeptischen Lehrer (F. Murray Abraham, Der Name der Rose) beurteilt wird. Doch dieser ethische Handlungsstrang ist ein glaubwürdiger Auslöser für Forresters höchst dramatischen Beweis der Freundschaft. Dies ist einer der vielen hervorragenden Momente für Connery und das Naturtalent Brown, die dieser erinnerungswürdige Film bietet, welcher sich über das Thema der Rassen hinwegsetzt, um die Freuden des Lernens zu feiern. —Jeff Shannon

Frank Oz In der Neuauflage des sozialkritischen Horrorfilms Die Frauen von Stepfordaus dem Jahre 1975 spielen mehrere bekannte Filmstars mit. Nachdem sie von ihrem Posten als Vorsitzende einer Fernsehanstalt entlassen wird, erleidet Joanna (Nicole Kidman, Moulin Rouge) einen Nervenzusammenbruch, woraufhin sie ihren Ehemann Walter (Matthew Broderick, Election) dazu bewegt, sie in eine Kleinstadt namens Stepford in Connecticut zu bringen, damit sie sich erholen kann. Aber Stepford ist ein wenig seltsam: die stinkfaulen Ehemänner treffen sich hinter verschlossenen Türen in einem Männerclub, während die Ehefrauen - alle in hellen Sommerkleidchen und aufgemaltem Lächeln - Sport treiben, um ihre Wespentaillen zu erhalten und ständig Torten backen. Joanna und die neu eingetroffenen Bobbie (Bette Midler, Freundinnen) und Roger (der überaus lustige Roger Bart) stellen bald fest, dass das Genie von Stepford (Christopher Walken, Die Besucher) kybernetische Mittel benutzt, um die Frauen zu 'perfektionieren'. Die Frauen von Stepfordliefert einige satirische Seitenhiebe (aus der Feder des gemeinen Drehbuchautors Paul Rudnick, Die Addams Family in verrückter Tradition), aber seit 1975 ist aus der ursprünglichen Idee doch größtenteils die Luft raus. Glenn Close (Fatal Attraction) ist auch mit von der Partie. —Bret Fetzer

Mark S. Waters In dem wundervoll unterhaltsamen Film geht es um die eingefahrenen Zänkereien zwischen dem Teenager Anna (Lindsay Lohan) und ihrer Mutter Tess (Jamie Lee Curtis), einer Psychiaterin in den Vierzigern. Bis ein magischer Zauber dazu führt, dass sich die beiden plötzlich im Körper der jeweils anderen wiederfinden.

Auf einmal muss sich Tess mit kleinkarierten Lehrern, boshaften Rivalinnen und einem anhänglichen Typen herumschlagen, während es Anna mit den neurotischen Patienten und ihrem verwirrten Liebhaber zu tun bekommt, der nicht begreifen kann, dass sich seine Angetraute kurz vor der Hochzeit von ihm zurückzieht. Sowohl Lohan als auch Jamie Lee Curtis überzeugen in ihren Rollen, wobei Curtis eine überraschende Begabung für das Komödiantische offenbart. Dem Film gelingt es sogar, so ernsthafte Themen wie kaputte Familien, Stiefeltern oder Fragen zur Sexualität Jugendlicher auf ehrliche und einfühlsame Art aufzugreifen und dabei die Geschichte nicht aufzuhalten. Freaky Friday - Ein voll verrückter Freitagist ein Film über Mütter und Töchter, bei dem sich auch Väter und Söhne fabelhaft amüsieren werden. —Bret Fetzer

Robert Meyer Burnett Angesiedelt in Los Angeles, in der gleichen narzisstischen, eitlen und von Popkultur besessenen Generation, die auch schon Kevin Smith Clerksund Doug Limans Swingersbevölkerte, ist Free Enterpriseeine spitzfindige Komödie, die dem Leben der Twenty- und Thirtysomethings den Spiegel vorhält. Jedem, der im Schatten von Star Trekund Star Warsaufgewachsen ist, bietet der Film jede Menge Lacher und Identifikationsmöglichkeiten.

Der Film handelt lose von zwei selbstsüchtigen Hängern: Mark (Eric McCormack) lamentiert über seinen bevorstehenden 30. Geburtstag und darüber, dass er noch nichts erreicht hat, während sein Kumpel Robert (Rafer Wiegel) seinen Redakteursjob vernachlässigt, um seine Comic lesende, nervige, aber fantastisch aussehende Traumfrau für sich zu gewinnen. Das große Vergnügen an Free Enterpriseist aber weniger die nicht abreißende Parade an hintergründigen Insider-Filmwitzen, sondern der Auftritt von William Shatner (Cpt. Kirk), der sich selbst spielt.

Er spielt einen abgehalfterten, versoffenen Schauspieler, der verzweifelt versucht, jedem, der zuhört, seine Idee für "William Shatner's William Shakespeare's Julius Caesar: The Musical2 (words W. Shakespeare, music W. Shatner) unterzujubeln. Mit einem erfrischenden Hang zu komischem Understatement bringt Shatner wahres Pathos und selbstironischen Humor in seine Darstellung, die bei den anderen Charakteren Verwirrung hervorruft, ob der Heldenverehrung seiner Kinoperson, die so gar nicht mit seiner subjektiven Realität als missverstandener Schauspieler zusammen passt. Rehabilitieren, sowohl in den Augen der Charaktere als auch in denen der Zuschauer, kann der alternde Kirk sich erst, als er einen bizarren Rap zum Besten gibt. —Benno Limberg

Stanley Kubrick Warner Home Full Metal Jacket S.E., USK/FSK: 16+ VÃ-Datum: 07.12.07

Dwayne Carey-Hill

Peter Avanzino Fox Futurama: Die Ãra des Tentakels, USK/FSK: 12+ VÃ-Datum: 12.09.08

Matt Groening "Du sollst doch nicht mit dem Stuhl kippeln, sonst..." ist ein echter Elternklassiker. Meist folgen dann Horrorgeschichten rund um körperliche Versehrtheit. Selten dagegen hört man das Szenario: "... sonst fällst Du in eine Kältekammer und wachst erst in 1000 Jahren wieder auf". Doch genau das passiert dem Pizzaboten Fry am Sylvesterabend 1999. Unversehens findet sich der chronische Verlierer im Jahr 3000 wieder, umgeben von einer einäugigen Außerirdischen, einem lobotomiesüchtigen Lobster-Arzt und dem Roboter Bender, dessen Existenz sich ausschließlich um "Blackjack und Nutten" dreht.

Soweit die Exposition von Futurama, der neuen Serie des Simpsons-Erfinders Matt Groening. Wer jetzt allerdings ein lauwarmes Update erwartet, sei gewarnt: Gegen die Abenteuer von Fry & Co. wirkt die gelbe Familie geradezu spießig. Futuramaist wie Simpsonsauf Speed. Befreit von den Fesseln der Springfielder Idylle läuft Groening zu Hochform auf: Oder wie sonst könnte eine Szene entstehen, in der laserschwertschwingende Robocops von Richard Nixons Kopf kommandiert werden?

Futuramaist natürlich keine ernst gemeinte Zukunftsvision, sondern eine Satire auf das, was Film und Fernsehen uns als solche verkauft haben — das Destillat einer Kindheit vor dem Fernseher: Die Türen zischen wie bei Star Trek, die außerirdischen Glibbermonster könnten aus einem Ed-Wood-Film stammen, und Roboter Bender trinkt — welches Klischee — natürlich Öl, allerdings mit einem Schuss Bourbon.

Hinter allem amüsanten Klamauk hat Groening wieder reichlich Zeitgeistkritik versteckt. Die Zukunft in Futuramaist eine wild gewordene Version des puritanischen, politisch korrekten Amerika von heute. Das gute alte Pac Man-Videospiel ist im Jahr 3000 zur geschlechtsneutralen Pac Person mutiert. Und in der Provinz (auf dem Mond) leben waffenvernarrte Hinterweltler, die sich eine Südstaatenflagge an ihr Mondmobil heften. Mit der Schrotflinte im Anschlag und einem "Yeehaa" auf den Lippen scheuchen sie den Helden Fry über den Erdtrabanten. Tja, das kommt davon, wenn man mit dem Stuhl kippelt. —Constantin Gillies

Matt Groening Der Jahr-3000-Virus schlägt wieder zu. Symptome: Lachkrämpfe, Taktlosigkeit und das unkontrollierte Verlangen danach, alle verfügbaren Genussmittel zu konsumieren. Kurzum: Der Infizierte wird zum Bender. Kein Wunder. Der Roboter mit der sympathisch-asozialen Art ist auch in der zweiten Staffel von Futuramawieder der heimliche Hauptdarsteller. Und ein Lifestyle-Vorbild obendrein: Schließlich hat es einfach Klasse, wenn sich der Blechrüpel Hochprozentiges per Wasserpistole verabreicht, Zitat: "Es geht doch nichts über einen Supersoaker mit edlem Cognac."

Dabei dreht sich Futuramaeigentlich um die Abenteuer des Pizzaboten Fry. Den verschlägt ein Unfall ins Jahr 3000. Hier schließt er sich dem senilen Professor Farnsworth und dessen Team an: Der sexy Außerirdischen Leela, dem fischartigen Doktor Zoidberg und natürlich Bender, dem nach eigenen Angaben "liebenswerten Halunken".

Die um die Story herumgesponnene Zukunftsvision ist natürlich nicht ernst gemeint. Sie dient dem Macher der Serie, Simpsons-Erfinder Matt Groening, lediglich als Vorwand dafür, mit der satirischen Sense über Zeitgeist und Popkultur hinwegzumähen. Und unter die Räder kommt so ziemlich alles, was der Sci-Fi-Gemeinde heilig ist — vor allem natürlich Raumschiff Enterprise. Auf dessen pathetischen Hyperhumanismus hat sich Groening eingeschossen. Die Futurama-Version von Captain Kirk ist der tumbe Raumschiffkapitän Zapp Brannigan. Dessen Uniform fällt so knapp aus, dass ihn selbst die Village People rauswerfen würden. Doch weder das noch diverse homophile Anspielungen können ihn von seinem "heldenhaften Kampf von Gut gegen Neutral" abhalten.

Glaubt man Futurama, ändert sich in tausend Jahren ohnehin wenig. Wirkliche Innovationen sind rar: die bayerische Sahnewurst mit eingebauter Microwelle etwa oder das Fitnessstudio mit fensterlosen Räumen für hässliche Mitglieder. Ansonsten ist in der Zukunft alles beim Alten, zum Beispiel im Internet. Vonwegen hehre Wissenssammlung: beim Trip in den Cyberspace stellt Pizzabote Fry fest, dass das Web auch im Jahr 3000 hauptsächlich Pornografisches beinhaltet. Das allerdings in wirklich jeder Spielart. Hier wird sogar Lobstermann Zoidberg fündig — beim Live-Stream "Sardine treibtŒs mit Makrele".

Humoristischer Höhepunkt der zweiten Staffel ist der Besuch im Pastorama, einem Freizeitpark, in dem die Welt des 20. Jahrhunderts dem Menschen der Zukunft nahegebracht werden soll. Historisch akurat: Im Kino läuft Star Wars. Doch George Lucas' Erzählen im Rückwärtsgang ist bei Futurama leicht außer Kontrolle geraten. Titel des Films: Teil 9 ­ Yoda's Bar Mizwa. Genau diese Seitenhiebe machen Futurama so gut und den Jahr-3000-Virus so ansteckend. —Constantin Gillies

Matt Groening Die dritte Staffel von Futuramaist genauso lustig wie ihre Vorgänger: respektlos, grenzenlos erfinderisch, warmherzig, bis zum Rand voller Insider-Witze, Situationskomik und Anspielungen auf alle Arten von Ikonen der Popkultur und obskuren Genre-Klassikern. Wenn die Serie überhaupt ein Problem hat, dann ist es genau diese Fülle. Alles ist so liebevoll ausgearbeitet, dass kaum eine Einstellung vergeht, in der nicht irgendetwas Lustiges und Schlaues abläuft. Nebenrollen aus den vorigen Staffeln (Elzar der Koch, die Robot-Mafia, die Mutanten in der Kanalisation) tauchen immer wieder unerwartet auf: ein weiterer Spaß für hart gesottene Fans.

Genau wie Red Dwarfist Futuramaeine Serie, die das Genre liebt, das sie auf die Schippe nimmt. Schade, dass es mit der Ausstrahlung in der Vergangenheit immer wieder Probleme gab und dass die Serie vom Gros der Zuschauer nie so angenommen wurde wie die aus demselben Haus stammenden Simpsons. In dieser Staffel stranden Fry und das Planet-Express-Team auf einem von außergewöhnlich großen Frauen bevölkerten Planeten. Sie springen für den psychotischen Robo-Santa ein und verlieben sich ineinander, in verschiedene andere Menschen, Aliens, Mannboter, Frauboter, virtuelle Konstrukte und sogar das Planet-Express-Schiff selbst. —Mark Walker

Matt Groening Keine weiteren guten Nachrichten, Leute - diese vierte Veröffentlichung von Futuramaist auch die letzte der Serie. Matt Groenings futuristische Komödie, die zuweilen wilde und weitsichtige Züge trug und selbst bekennenden Science-Fiction-Fans kräftige Lacher bescherte, scheiterte irgendwie beim Versuch, ein breiteres Publikum zu erreichen, obwohl sie teilweise lustiger und frecher war als die aus dem selben Stall stammenden Simpsons. Also muss man sich von dem Team von Planet Express verabschieden: Fry, Leela, Zoidberg, Bender, Amy, Hermes, Professor Farnsworth - ebenso wie vom netten Kif, dem geklonten Cubert, der wahnsinnigen Mom, Mutanten aus den Abwasserkanälen, der Besetzung der Roboter-Sitcom "Alle meine Schaltkreise", dem prahlerischen Weltraum-Wichtigtuer und Möchtegern-William-Shatner Zapp Branigan, dem vierarmigen Koch Elzar und allen anderen Charakteren, die aus Futuramaein so einzigartiges Erlebnis machten. Dieses vierte und letzte Jahr beinhaltete alle Elemente, die den Fans so sehr gefielen - aber ebenfalls jene Bestandteile, die zumindest teilweise die Beendigung der Serie erklären. Wiederkehrende Charaktere sind toll, wenn man die Serie schon kennt, ebenso wie die Insider-Witze. Die vielen Parodien klassischer Science-Fiction sind ebenfalls prima für Eingeweihte, aber andere Zuschauer können womöglich nichts damit anfangen. Die Stärken und merklichen Schwächen der Serie zeigen sich deutlich in der Episode "Der letzte Trekki", in welcher die Originaldarsteller von Star Treksich selbst spielen: überaus witzig für Trecker, aber nicht wirklich lustig für alle anderen. In anderen Folgen erfährt Leela, dass ihre echten Eltern gar keine Aliens sind, sondern in Wirklichkeit in den Abwasserkanälen leben; Kif wird schwanger; Fry findet die versteinerten Überreste seines treuen Hundes und Bender wird auf Dampfkraft umgerüstet. Abgesehen von einigen Höhen und Tiefen ist dies noch immer die lustigste Fernseh-Zeichentrickserie.—Mark Walker

Dwayne Carey-Hill Ein neues, unglaubliches Abenteuer in Spielfilmlänge! Nach dem Supererfolg von Bender’s Big Score und Die Ära des Tentakels startet die Futurama-Crew nun mit Lichtgeschwindigkeit in die dritte Spielfilmrunde!
Bei diesem brandneuen FUTURAMA-Abenteuer in Spielfilmlänge können wir für nichts garantieren, denn verrückter als in dieser irrwitzigen Parodie auf „Dungeons & Dragons™“ geht's fast nicht! Drachen, Zauberer, versoffene Ritter und jede Menge Schlachtengetümmel – die „Planet Express“- Crew hat schon einiges erlebt, aber ihr unfreiwilliger Trip ins tiefste Mittelalter sprengt alle Dimensionen. Was als heroische Mission im Kampf gegen zu hohe Spritpreise beginnt, endet für die Helden im abgefahrensten Fantasy-Spektakel jenseits der Galaxis. Satteln Sie Ihr Einhorn und galoppieren Sie los, denn jetzt beginnt... Bender's Game!

Peter Avanzino

Garbage The story of Garbage is an unusual yet highly successful marriage of pop and engineering. Singer Shirley Manson provides the pop edge while a collection of studio boffins led by producer Butch Vig provide the catchy cutting-edge musical backing. ABSOLUTE GARBAGE is a collection of the band's video work and contains 15 music videos a documentary lyrics and photos.Format: DVD MOVIE Genre: MUSIC DVD/CONCERTS Rating: NR UPC: 602517393745 Manufacturer No: B000938009

Maggie Greenwald

Mark S. Waters

Sir Charles Chaplin

Richard Donner Warner Die Goonies, USK/FSK: 12+ VÃ-Datum: 17.10.08

Adam Shankman

Alfonso Cuarón Filmbegeisterte Magier müssen Harry Potter und der Gefangene von Askabanmit einem Zauberspruch belegt haben, denn das "Harry-Potter"-Franchising erfährt dadurch ein neues Hoch. Regisseur Alfonso Cuarón, der nach seinem Arthaus-Erfolg Y Tu Mamá Tambiéneine erstaunliche Vielseitigkeit zeigt, erweist sich als die richtige Wahl, um Harry, Hermine und Ron durch die trügerische Zeit der Pubertät zu führen, nun, da sich die mittlerweile 13-jährigen Schüler an Hogwarts Schule für Hexerei und Zauberei einer neuen und beängstigenden Herausforderung gegenüber sehen.

Sirius Black (Gary Oldman) ist aus dem Askaban-Gefängnis entkommen und ist nun aus zunächst unerfindlichen Gründen (es sein denn, Sie haben das Buch von J. K. Rowling gelesen, das als bislang bestes der Reihe gilt) hinter Harry her, um sich zu rächen. Dieses dunkle und mysteriöse Geheimnis treibt die Handlung an, während Harry (der schnell heranwachsende Daniel Redcliffe) und seine im dritten Schuljahr auf Hogwarts befindlichen Klassenkameraden Bekanntschaft machen mit dem fliegenden Hippogreif Seidenschnabel (eine tolle computeranimierte Kreatur), dem wohlwollenden und dennoch rätselhaften Professor Lupin (David Thewlis), gruseligen, mit einer schwarzen Robe bekleideten Dementoren und dem hinterlistigen Peter Pettigrew (Timothy Spall) — und erfahren, wie nützlich es manchmal ist, wenn man einen Zeitverdreher zur Hand hat.

Die bekannten Figuren von Hogwarts zeigen sich in Bestform (darunter der tolle Michael Gambon, der den verstorbenen Richard Harris als Dumbledore ersetzt, und Emma Thompson als die glubschäugige Sybil Trelawney) — selbst Julie Christie ist bei der renommierten Produktion mit von der Partie mit einem kurzen, aber willkommenen Gastauftritt. Der technisch erstaunliche, rasante und von ungebändigter Rowling'scher Vorstellungskraft (detailgetreu adaptiert vom Drehbuch-Ass Steve Kloves) strotzende Harry Potter und der Gefangene von Askabanist ein Klassiker unter den Harry-Potter-Verfilmungen. —Jeff Shannon

Chris Columbus Wenn ein Buch so erfolgreich und beliebt ist wie Harry Potter und der Stein der Weisen, dann ist es für die Verfilmung natürlich unglaublich schwierig, auch noch den letzten der Millionen von Harry-Potter-Fans zufrieden zu stellen, die J. K. Rowlings Roman verschlungen haben. Aber die Filmemacher haben es im Verbund mit der Autorin dennoch versucht, und es ist ihnen gelungen, einen der verschwenderischsten, schönsten und magischsten filmischen Hochgenüsse der letzten Jahre auf die Leinwand zu bringen. Eine Leidenschaft für Fantasy-Kino erfüllt längst nicht mehr nur Kinder und Jugendliche. Das einstige Kinderfilm-Publikum ist herangewachsen und hat sich in die Millionen von Erwachsenen verwandelt, die über Harry Potter und seine Abenteuer an den Träumen und Fantasien ihrer Kindheit festhalten.

Aber eine Frage bleibt natürlich auf allen Lippen: "Inwieweit kann der Film dem Buch gerecht werden?" Und die Antwort kann nur lauten: Chris Columbus hat alle seine Trümpfe richtig ausgespielt und bewiesen, dass es durchaus möglich ist, einen Film zu drehen, der seiner Romanvorlage in kaum etwas nachsteht. Allerdings sollte man trotz allem bedenken, dass der Film eine Lesart dieses im Gedächtnis bleibenden Romans auf die Leinwand bringt — und diese Lesart kann nicht derjenigen jedes einzelnen Fans entsprechen. Vielleicht haben Sie sich beim Lesen Fluffy etwas niedlicher und pelziger vorgestellt, vielleicht erschien Ihnen Hagrid, den der eigentlich immer grandiose Robbie Coltrane wunderbar verkörpert, noch mehr wie ein Riese — aber von solchen Kleinigkeiten und Details einmal abgesehen, hat der Drehbuchautor Steven Kloves mit der Hilfe von J. K. Rowling die Abenteuer von Harry Potter kongenial in einen ungeheuer kraftvollen und aufregenden Film übertragen.

Allerdings muss auch Harry Potter und der Stein der Weisenmit einem Handikap zurechtkommen, das eigentlich alle Filme haben, die ganz neue, relativ unerfahrene Kinderdarsteller zu ihren Stars machen. Fast immer sind in solchen Fällen die Kinder etwas damit überfordert, dass sie den ganzen Film auf ihren Schultern tragen müssen. Da sie nur wenig Zeit hatten, ihre schauspielerischen Fähigkeiten so weit auszubauen, dass sie den Anforderungen so komplexer und fordernder Rollen gerecht werden, wirkt ihr Spiel meist etwas hölzern und forciert. Das spürt man auch hier. Nichtsdestotrotz sind Daniel Radcliffe, Emma Watson und Rupert Grint, die drei jungen Stars des Films, äußerst sympathisch; und es macht einfach Spaß ihnen zuzusehen. Außerdem zeigen sie alle ein großartiges Potenzial und werden im Lauf der Jahre, mit den regelmäßigen Fortsetzungen der Abenteuer Harry Potters, ganz sicher weiter in ihre Rollen hineinwachsen.

Die einzige größere Enttäuschung dieser Verfilmung liegt darin, dass Steve Kloves und Chris Columbus auf einen großen Teil der Gespensterszenen des Romans verzichtet haben — und das, obwohl gerade die erste Szene mit John Cleese als fast-kopflosem Nick einige wirklich große komödiantische Momente verspricht. Aber man kann durchaus hoffen, dass die Gespenster von Hogwarts in weiteren Filmen voll und ganz zu ihrem Recht kommen werden. Es gibt natürlich einige Momente in der Geschichte, die kleineren Kindern Angst machen können, wie beispielsweise der Auftritt des bösen Zauberers Voldemort. Doch auch diese Szene ist wahrscheinlich längst nicht so verstörend und Furcht einflößend, wie sie sich die wahren Harry-Potter-Fans in ihrer Fantasie ausgemalt haben. Alles in allem ist Harry Potter und der Stein der Weisenaber ein filmisches Fest für die ganze Familie, das man sich nicht entgehen lassen sollte. —Nikki Disney

Chris Columbus Die erste Fortsetzung stellt einen bedeutsamen Test für die andauernde Vermarktung einer Filmreihe dar, und Harry Potter 2besteht diese Prüfung mit fliegenden Fahnen. Harrys zweites Jahr an Hogwarts Schule für Hexerei und Zauberei beinhaltet eine düsterere, bösartigere Geschichte (Eltern mit jüngeren Kindern sollten dies beachten), die über die beeindruckenden Bauten, Spezialeffekte und großartigen Abenteuer von Harry Potter und der Stein der Weisen hinaus reicht. Alles beginnt mit den versteinerten Körpern einiger Hogwarts-Schüler, wobei Harry (Daniel Radcliffe), Ron (Rupert Grint) und Hermione (Emma Watson) durch magische Hinweise auf ein fünfzig Jahre altes Geheimnis in der von Monstern wimmelnden Kammer des Schreckens stoßen. Hauselfen, kreischende Alraunen, riesige Spinnen und giftige Schlangen bevölkern diese werkgetreue Adaption (von „Stein der Weisen“-Regisseur Chris Columbus und Drehbuchautor Steve Kloves), und Kenneth Branagh führt als der großspurige Scharlatan Gilderoy Lockhart die herausragende Riege von Nebendarstellern an (achten Sie nach dem Abspann auf die visuelle Anspielung auf Kosten von Lockhart). Der Film leidet bei seinen 161 Minuten Laufzeit an mangelnder Tiefe und einem holprigen Handlungsverlauf, und die Musik von John Williams wiederholt meistens bereits vorgestellte Themen. Jedoch macht die junge und schnell wachsende Besetzung diese Schwächen wett - ebenso wie der jüngst verstorbene Richard Harris in seiner letzten Rolle als Professor Albus Dumbledore. Kammer des Schreckensehrt das Erbe von J.K. Rowlings Romanen - der Film strotzt vor schlauen Einfällen, wundersamen Dingen und dem Glanz eines großen Budgets. —Jeff Shannon

Amy Heckerling

Markus Imboden Diesmal hat Markus Imboden, erfolgreichster Schweizer Filmregisseur, sich an die Neuverfilmung der weltbekannten und geliebten Heidi gemacht. Herausgekommen ist eine sehr frei nach der Buchvorlage von Johanna Spyri gestaltete Story um ein modernes Mädchen, dass nach dem Tod ihrer Mutter mit einer völlig neuen Umgebeung und fremden Menschen zurecht kommen muss. Die Grundthemen um Verlust, Neuorientierung, Selbstbehauptung einer Heranwachsenden bleiben dieselben. Zeit, Orte und Zusammenhänge wurden größtenteils neu erfunden.

Peter ist jetzt kein schüchternes und Ziegen hütendes Landkind mehr, sondern ein frecher Junge aus Amerika, Dete eine gestresste Modedesignerin aus der Berliner Friedrichstraße und Clara keine behinderte Millionärstochter aus Frankfurt, sondern die mit materiellen Gütern überhäufte und allein gelassene schwierige Tochter von Tante Dete. Immerhin der Großvater, gespielt von Paolo Villagio, der in Italien Kultstatus genießt, wohnt immer noch einsam auf der Alm, und schafft es, durch Heidi seine Verbitterung zu überwinden.

Entgegen den Trickfilmklassikern beginnt hier die Geschichte etwas früher: Wir sehen Heidi am Anfang glücklich mit ihrer Mutter und erleben mit, wie sie sie durch ein Unwetter verliert und plötzlich allein auf der Welt ist. Erst wird sie auf Großvaters Alm geschickt. Als sie endlich sein Herz erobert hat, wird sie wieder von ihm weggerissen und muss mit Clara in Berlin klarkommen, bis es dann doch noch ein Happyend gibt.

Wer die Leichtigkeit, den Charme und den Optimismus der alten Heidi-Filme und der Bücher erwartet, wird hier enttäuscht. Die Grundstimmung der Neuverfilmung ist melodramatisch, mit einem guten Schuss unromantischen Realismus und richtet seinen Fokus auf die Probleme der Figuren. Deshalb nichts für Kinder unter sechs Jahren, auch wenn der Film ohne Altersbeschränkung freigegeben wurde. Schöner wäre es gewesen, wenn es, wie bei den Kästner-Remakes, auch bei Heidigelungen wäre, den Charme der Urvorlage beizubehalten. —Daphne Großmann

Angela Robinson Es macht einfach immer Spaß, einem lebenden Auto dabei zuzuschauen, wie es einem Bösewicht Öl ins Gesicht spritzt. Disney hat es glücklicherweise bei dem Versuch, die Reihe um den Käfer Herbiewieder zu beleben, nicht übertrieben: abgesehen von einigen wenigen Skateboard-Szenen würde so ziemlich jedes Element von Herbie fully loadedin das Original aus dem Jahre 1963, das auf englisch den groovy Titel The Love Bug("Der Liebeskäfer") trug, oder die zahlreichen Fortsetzungen passen. Maggie Peyton (Lindsay Lohan, die feuerlockige Darstellerin in Girls Clubund Freaky Friday - Ein voll verrückter Freitag) möchte in die Fußstapfen ihrer Familie von Rennfahrern treten, aber ihr Vater (Michael Keaton, Batmans Rückkehr) befürchtet, dass sie sich dabei verletzen könnte. Stattdessen schenkt er ihr als Geschenk zu ihrem College-Abschluss einen heruntergekommenen VW Käfer - bei dem es sich um Herbie handelt, einem Auto mit eigenem Willen und Verstand. Schon bald treten Maggie und Herbie in einem Rennen gegen einen arroganten Champion (Matt Dillon Crash, Verrückt nach Mary) an, und setzen sich in der Hoffnung, dass sich die Meinung von Maggies Vaters ändert, mit Monster Trucks auseinander. Herbie fully loadedist einfach gestrickt, strahlt aber energiegeladenen Enthusiasmus aus - jeder Beteiligte hat sich eindeutig mit der Mischung aus Slapstick-Einlagen und leichtem Familiendrama identifiziert. In Gastrollen sind auch ein paar Fahrer der NASCAR zu sehen. Das Resultat ist ebenso albern und unterhaltsam wie seine Vorgänger. —Bret Fetzer

Adam Kane, Greg Beeman, Donna Deitch, Allan Arkush

Harald Hamrell

Dr. George Miller

John Polson Dakota Fanning, die elfenhafte Hauptdarstellerin bei Uptown Girls - Eine Zicke kommt selten allein, Ein Kater macht TheaterMann unter Feuer tauscht ihre blonden Locken in Hide and Seek gegen eine brünette Frisur irgendwie im Gothic-Stil. Fanning spielt Emily, ein junges Mädchen, dessen Mutter Selbstmord begeht. Um Emily dabei zu helfen, dieses Trauma zu verarbeiten, zieht ihr Vater, der Psychologe David (Robert DeNiro), mit ihr in ein allein stehendes Haus im Norden des Staates New York. Aber anstelle einer Besserung entwickelt Emily dunkle Augenringe, verstümmelt ihre Lieblingspuppe und erfindet einen unsichtbaren Freund namens Charlie. In kürzester Zeit geschehen gruselige Dinge, und David hat den Verdacht, dass es sich bei Charlie nicht um einen sonderlich freundlichen unsichtbaren Freund handelt. Hide and Seek hat einiges mit Shining gemeinsam, und obwohl der Gruselfaktor manchmal vielleicht von dort abgeschaut wurde, gibt es genug an Gänsehaut (obwohl die Wendung am Ende des Films sicherlich kaum einen der Zuschauer überraschen wird). Robert DeNiro versieht seinen Job mit einem professionellen Anstrich, aber Dakota Fanning trägt den Film - sie hat jene Art von Charisma, das über reine Schauspielkunst hinaus geht: diese unbeschreibliche Ausstrahlung, die die Zuschauer veranlasst, sie sehen zu wollen. In Hide and Seek spielen auch Famke Janssen (X-Men), Elisabeth Shue (Leaving Las Vegas) und der immer zuverlässige Dylan Baker (Happiness). Bret Fetzer

Oliver Dommenget Einmal in eine andere Haut schlüpfen, wer möchte das nicht manchmal? Ich bin du und du bist ich — für Mickey und Emma wird dieses Gedankenspiel Wirklichkeit. Emma ist eine vorbildliche Schülerin und ein Schwimmass. Ihrer Mutter zuliebe trainiert sie, um an den Olympischen Spielen teilnehmen zu können. Vierauge (Oskar) ist unscheinbar und möchte einmal ein Held sein. Und Mickey ist im unteren Klassendrittel, aber cool und hat für Emma und Vierauge nur Spott übrig. Dass er gern malt, verschweigt er lieber, es könnte seinem Image schaden. Ausgerechnet diese drei werden notgedrungen zu einem Team, denn hätte Vierauge nicht ein Zauberbuch im Wald gefunden, hätte er nicht vor Emma mit einem Spruch daraus geprahlt. Und hätte Emma den Abend nicht zornig mit eben diesem Spruch und einem "Blöder Mickey!" beendet, wäre alles Nachfolgende nicht passiert. Nun aber ist Emma Mickey und Mickey Emma — ein Körpertausch wider Willen! Und es bleiben nur 52 Stunden, um den ungewollten Tausch rückgängig zu machen!

Fantasy-Elemente, eine gehörige Portion Spannung, humorvolle Wendungen und ganz viel Alltag machen aus dem einzigen deutschen Beitrag zum Kinderfilmfest der Berlinale 2002 ein besonderes Erlebnis in Sachen Kinderfilm! Allen voran überzeugen Sarah Hannemann (Emma), Nick Seidensticker (Mickey) und Philipp Blank (Vierauge) durch ihr gutes Schauspiel. Doch auch die erwachsene Kollegenprominenz (Dominique Horrowitz, Nina Petri u.a.) nimmt ihren Job ernst, was bei Kinderfilmproduktionen ja leider nicht immer der Fall ist. Pinkas Braun spielt einen alten Magier, der der Besitzer des Zauberbuches ist und einen Erben sucht, um endlich sterben zu können. Er wandelt sich vom bedrohlichen Element zu der Kraft, die den Kindern hilft, ihre Träume zu verwirklichen, denn auf der Erzählebene geht es für alle gut aus: Emma und Mickey trauen sich, ihren Eltern zu sagen, was sie wirklich bewegt und was sie wirklich möchten, und der schüchterne Vierauge handelt heldenhaft und wird der Erbe des Magiers.

Das ist dann auch die Aussage des Films — zu lernen, sein eigenes Leben zu leben und sich für seine eigenen Träume einzusetzen. Sie überlagert etwas die Ausgestaltung des eigentlichen Rollentauschs und die Frage, wie es sich denn nun anfühlt, ein Junge bzw. ein Mädchen zu sein? Doch das tut dem Spaß keinen Abbruch, die turbulenten Ereignisse und der überaus glaubwürdig ausgestaltete und gespielte Kinderalltag lassen darüber hinwegsehen.

Regisseur, Drehbuchautor und Kameramann Oliver Dommenget wurde durch eine Umfrage der Zeitschrift Elternzu diesem Film inspiriert: 82 Prozent der befragten Mädchen und 55 Prozent der Jungen würden ganz gern mal einen Tag aus der Perspektive des anderen Geschlechts erleben. Hut ab vor dem Mut, eine ganz neue Geschichte zu erzählen, statt ein beliebtes Buch für die Leinwand zu adaptieren.

Zu erwähnen ist noch die großartige Requisite, die realitätsgerechte Kinderwelten ausgestaltet, und der Mut zum Understatement in der Tricktechnik, die die fantastischen Elemente des Films zwar gut stützt, aber nicht übertreibt. Selbst Szenen, in denen ein Wischmopp zu einer Schlange wird, sind nicht auf Effekthascherei aus, sondern ordnen sich der Handlung unter.

Hilfe, ich bin ein Jungeverbindet auf fantasievolle Weise Wunschdenken mit ganz konkreten Alltagserfahrungen von Kindern kurz vorm Teenageralter. Der Film lädt zur Identifikation, zum Träumen und zum Lachen ein, und so ist der Erfolg bei Filmfesten in ganz Europa fantastisch, aber kein Wunder. —Christina Kalkuhl

Todd Haynes I’m not there ist ein konsequent kühnes Werk, mehr ein postmodernes Puzzle als eine klassische Biografie. Ein Anfangstitel macht es deutlich: "Inspiriert durch die Musik und vielen Leben von Bob Dylan." Und dennoch spielt in dem Film keine Figur dieses Namens mit. Stattdessen präsentiert Autor/Regisseur Todd Haynes sechs Charaktere, von denen jeder ein anderes Stadium in der Karriere des Künstlers repräsentiert. Ben Whishaw (Das Parfum – Die Geschichte eines Mörders), ein schwarz gekleideter Poet, dient als eine schlüpfrige Art von Erzähler. Die Handlung beginnt mit der Wanderschaft eines elfjährigen schwarzen Ausreißers namens "Woody Guthrie" (Marcus Carl Franklin) – sein raues Duett mit Richie Havens zu "Tombstone Blues" ist ein Highlight – und endet mit einem silberhaarigen Billy the Kid (Richard Gere), der zusieht, wie der Wilde Westen vor seinen Augen vergeht. Und dazwischen gibt es den Folksänger, der früher einmal Prediger war (Christian Bale), den Schauspieler (Heath Ledger) und den Rockstar (Cate Blanchett, die den Dylan aus der Zeit von "Don’t Look Back" bis ins kleinste Detail drauf hat). Der Ablauf ist absichtlich nonlinear, und der Cutter Jay Rabinowitz schneidet schnell, im Stil von Jean-Luc Godard, zwischen Schwarzweiß und Farbe à la cinéma vérité, Slapstick im Stil von Richard Lester und von Fellini inspiriertem Surrealismus (Ed Lachman war der Kameramann).

Was den Film für Dylan-Fans interessant macht – und potenziell Neulinge frustriert – ist, dass jedes Album und jeder Film einen anderen Titel trägt. Ledgers Robbie spielt zum Beispiel in "Grain of Sand", was in Wirklichkeit eine Referenz zu Pete Seegers Song darstellt. So wie bei Haynes’ Glam-Rock-Träumerei Velvet Goldmine wird die gesamte Besetzung in die Trickserei mit einbezogen. Während Julianne Moore die ehemalige Geliebte Alice spielt und Joan Baez aufs Haar gleicht, verkörpert Michelle Williams die nur schwer zu greifende Szenegängerin Coco, also Edie Sedgwick. Auch wenn I’m not there weniger mitreißt als Control, der andere große Musikfilm dieses Jahres, belohnt er doch wiederholtes Ansehen so sehr wie nur wenige biografische Filme. Der Soundtrack vermischt Originale mit Coverversionen, so wie Jim James’ ergreifendes Goin’ to Acapulco. —Kathleen C. Fennessy

Alex Proyas Will Smith (Independence Day, Men in Black) bringt in I Robotals paranoider Polizist Del Spooner seine zum Markenzeichen gewordenen coolen Sprüche und zeigt zudem seine eindrucksvolle Brustmuskulatur. Spooner ist der Einzige, der vermutet, dass sich die Roboter, welche in der nahen Zukunft alle niedrigen Arbeiten verrichten, gegen die Menschen wenden werden - er weiß nur nicht, wie. Als ein führender Robotik-Fachmann unter mysteriösen Umständen stirbt, verfolgt Spooner eine Spur, die seinen Verdacht bestätigen soll. Der Actionfilm I Robotliefert keine Grübeleien über die Bedeutung künstlicher Intelligenz, also sollte man hier keine große Nähe zu Isaac Asimovs klassischen Science-Fiction-Geschichten erwarten. Dieser gefällige, gut gemachte Film betritt kein Neuland, aber es werden dennoch eine oder zwei Ideen neben der Spannung und all den Wendungen aufgezeigt, die ihm gegenüber den neueren Actionfilmen einen Vorsprung verschaffen. Es spielen außerdem Bridget Moynahan (Der Anschlag), Bruce Greenwood (The Core) und James Cromwell (Ein Schweinchen namens Babe, L.A. Confidential). —Bret Fetzer

Chris Wedge Carlos Saldanha DVD Ice Age

GRITTA VON RATTENZUHAUSBEIUNS/

Michelle Pfeiffer Warner Home Ich bin Sam, USK/FSK: 6+ VÃ-Datum: 20.11.02

Jim Sheridan In In Americabrillieren Samantha Morton und Paddy Considine als junges irisches Elternpaar, das seinen einzigen Sohn verloren hat. Um ihrer Trauer zu entfliehen, ziehen sie mit ihren zwei Töchtern Christy und Ariel (gespielt von Sarah und Emma Bolger) illegal in ein junkieverseuchtes Apartmenthaus in New York. Trotz ihrer Kämpfe um armselige Jobs und gegen das erdrückend heiße Wetter gerät die Freundschaft zu einem Künstler, der unter ihnen wohnt, (verkörpert von Djimon Hounsou) zum Katalysator, der es ihnen erlaubt, ihre Familie wieder aufzurichten.

In Americaist durchweg wundervoll gespielt, wobei die zwei Mädchen — auch im richtigen Leben ein Geschwisterpärchen — hervorzuheben sind, deren Ausstrahlung auf der Leinwand ganz eindeutig in der Familie liegen muss. Samantha Morton jedoch ist es, die den Film trägt; eine jede Gefühlsregung scheint förmlich von ihr abzustrahlen. Die Hingabe und das Engagement der Schauspieler sind es, die den Film trotz manch gefährlich sentimentaler Einschübe überzeugend machen. —Bret Fetzer

Aspiring writer Carter Webb has just been dumped by his true love Sophia. Heartbroken and depressed Carter escapes Los Angeles to suburban Michigan to care for his ailing grandmother and to work on a book he has always wanted to write. Soon after his arrival Carter stumbles into the lives of the family living directly across the street: Sarah Hardwicke and her daughters Paige and Lucy. His relationships with all of these women help Carter discover that what felt like an end was only just the beginning of something else...Running Time: 98 min.Format: DVD MOVIE Genre: DRAMA/LOVE & ROMANCE UPC: 012569736764 Manufacturer No: 1000017591

Lucile Hadzihalilovic

Jack Clayton The definitive screen adaptation of Henry James's The Turn of the Screw, the 1961 production of The Innocentsremains one of the most effective ghost stories ever filmed. Originally promoted as the first truly "adult" chiller of the big screen (a marginally valid claim considering the release of Psychoa year earlier), the film arrived at a time when the thematic depth of James's story could finally be addressed without the compromise of reductive discretion. And while the Freudian anxiety that fuels the story may seem tame by today's standards, the psychological horrors that comprise the story's "dark secret" are given full expression in a film that brilliantly clouds the boundary between tragic reality and frightful imagination.

In one of her finest performances, Deborah Kerr stars as Miss Giddons, a devout and somewhat repressed spinster who happily accepts the position of governess for two orphaned children whose uncle (Michael Redgrave) readily admits to having no interest in being tied down by two "brats." So Miss Giddons is dispatched to Bly House, the lavish, shadowy estate where young Flora (Pamela Franklin) and her brother Miles (Martin Stephens, so memorable in 1960's Village of the Damned) live with a good-natured housekeeper (Megs Jenkins). At first, life at Bly House seems splendidly idyllic, but as Miss Giddons learns the horrible truth about the estate's now-deceased groundskeeper and previous governess, she begins to suspect that her young charges are ensnared in a devious plot from beyond the grave.

Ghostly images are revealed in only the most fleeting glimpses, and the outstanding Cinemascope photography by Freddie Francis (who used special filters to subtly darken the edges of the screen) turns Bly House into a welcoming mansion by day, a maze of mystery and terror by night. Sound effects and music are used to bone-chilling effect, and director Jack Clayton, blessed with a script by William Archibald and Truman Capote, maintains a deliberate pace to emphasize the ambiguity of James's timeless novella. The result is a masterful film—comparable to the 1963 classic The Haunting—that uses subtlety and suggestion to reach the pinnacle of fear. —Jeff Shannon

Neil Jordan Als bekannt wurde, dass Tom Cruise den Vampir Lestat in dieser Bearbeitung des Bestseller-Romans von Anne Rice spielen sollte, mischte sich sogar die Autorin mit einem vielpublizierten Einspruch ein. Doch sie widerrief vernünftigerweise und zu Recht ihre negative Meinung, als sie das exzellente Spiel von Cruise sah, der einfühlsam den Schmerz und die chronische Melancholie darstellte, die jeden quält, der zu ewiger Blutgier verdammt ist. Brad Pitt und Kirsten Dunst sind genauso gut und treffen den düsteren und grüblerischen Ton des Rice-Romans.

Regisseur Neil Jordan kompensiert in diesem außergewöhnlichen Mainstream-Project für ein Major-Studio die schleppende Handlung durch Respekt für die literarischen, romantischen Qualitäten des Drehbuchs von Rice. Trotz der Begeisterung der treuen Rice-Fans kam der Film beim großen Publikum nicht so gut an. Zu langsam für einen zufriedenstellenden Thriller, ist er dennoch mit Sicherheit einer der üppigsten und intelligentesten Horrorfilme aller Zeiten. —Jeff Shannon

Sam Garbarski

Beschreibung:
'Ein Quantum Trost' setzt die adrenalintreibenden Abenteuer von James Bond (Daniel Craig) in 'Casino Royale' fort... Nachdem er von Vesper, der Frau, die er geliebt hat, betrogen wurde, kämpft 007 gegen das Verlangen an, seine nächste Mission zu einer persönlichen Angelegenheit zu machen. Fest entschlossen, die Wahrheit aufzudecken, verhören Bond und M (Judi Dench) Mr. White (Jesper Christensen), der enthüllt, dass die Organisation des rücksichtslosen Geschäftsmannes Dominic Greene (Mathieu Amalric), die Vesper erpresst hat, viel komplexer und gefährlicher ist als zunächst angenommen. Inmitten eines Minenfeldes aus Betrug, Mord und Täuschung, verbündet sich Bond mit alten Freunden, um die Wahrheit ans Licht zu bringen. Auf der Suche nach dem Mann, der für den Verrat an Vesper verantwortlich ist, muss 007 der CIA, den Terroristen und sogar M immer einen Schritt voraus sein, um Greenes dunkle Machenschaften aufzudecken und 'Quantum' zu stoppen.

Angaben laut Hersteller
Darsteller: Daniel Craig, Olga Kurylenko, Mathieu Amalric, Judi Dench, Giancarlo Giannini
Format: Widescreen
Sprache: Deutsch (DTS 5.1), Englisch (DTS-HD 5.1), Spanisch (DTS 5.1), Italienisch (DTS 5.1)
Untertitel: Deutsch, Spanisch, Italienisch, Dänisch, Finnisch, Norwegisch, Schwedisch
Region: Region 2
Bildseitenformat: 16:9 - 2.35:1
FSK: Freigegeben ab 12 Jahren
Studio: MGM Home Entertainment GmbH (dt.)
Erscheinungstermin: 25. März 2009
Spieldauer: 106 Minuten

Martin Campbell Daniel Craigs erster Auftritt als James Bond bietet erstklassige Unterhaltung und ein nicht für möglich gehaltenes Revival der totgeglaubten Filmreihe.

James Bond ist zurück, im wahrsten Sinne des Wortes. Casino Royale markiert die Rückkehr zu Ian Flemings ursprünglicher Bond-Romanfigur. Dort war der britische Geheimagent bei weitem nicht der Charmeur und unwiderstehliche Liebhaber der Roger Moore und Pierce Brosnan Ära; ein Party Löwe, der im Alleingang gigantomanisch veranlagte Megaschurken mit einem müden Lächeln erledigte, während sein eigentliches Interesse den berüchtigten Bond Girls galt. Der echte Bond trägt hingegen, überspitzt formuliert, starke Züge eines hemdsärmeligen Psychopathen; ein beziehungsunfähiger seelischer Krüppel, der im Zweifelsfall, eher widerwillig, auch im Smoking eine gute Figur abgeben kann. Casino Royale stellt nun die spannende Frage, wie Bond zu dem wurde was er ist.

Kurz umrissen zeichnet der Film also die Geburt des Geheimagenten nach und beginnt am Anfang. Bond ist noch ein unbeschriebenes Blatt beim MI6. Er muss sich zunächst bewähren und erhält nach zwei routiniert abgearbeiteten Aufträgen den 007 Status. Seine erste große Mission führt ihn zu Le Chiffre, einem Bankier weltweit operierender Terroristen. Um Le Chiffre zu stoppen und das Terror-Netzwerk zu zerschlagen, muss Bond seinen Widersacher bei einem Pokerspiel im Casino Royale niederringen. Bonds Umgang mit den ihm zur Verfügung gestellten Steuergeldern, wird dabei, zu seinem Unmut, von einer zufälligerweise ausnehmend attraktiven Beamtin des britischen Schatzamtes überwacht.

Der entscheidende Schachzug für das Gelingen dieser mutigen Annäherung an den Stoff, war die Verpflichtung des britischen Schauspielers Daniel Craig. Bei Craig hat man immer den Eindruck, als sei er aus einem Granitstein herausgearbeitet worden: ideale Voraussetzungen also für eine „hardboiled“ Variante des über die Jahrzehnte bis zur Unkenntlichkeit weichgespülten Helden. Dazu kommt ein überraschend intelligentes Drehbuch, das im Kern ein brilliant ausgearbeitetes Kammerspiel in sich trägt: die Konfrontation zwischen Bond und Le Chiffre im Casino. Der eigentliche Clou jedoch ist die Einführung einer Frauenrolle, die durch ihre Widersprüchlichkeit den männlichen Hauptfiguren den Rang abläuft. Eva Green verkörpert diese Frau, und es ist die Chemie zwischen ihr und Daniel Craig, die den Film trägt. Immer dann wenn Casino Royale in Schieflage zu drohen gerät, tritt schließlich Regisseur Martin Campbell auf den Plan und bremst die Geschichte mit ironischen Einschüben elegant ein. Selbst eine schmerzhaft anzusehende Foltersequenz bekommt unter Campbells Führung eine wunderbar leichte Note ohne ihren dramaturgischen Gehalt für die Geschichte zu schmälern - vielleicht das größte Verdienst des Films.

Man kann ganz sicher einwenden, dass Casino Royale zu lang geraten ist, dass der Höhepunkt am Ende im Vergleich zum Mittelteil ein wenig abfällt und dass es ein paar Ungereimtheiten im Storytelling zu entdecken gibt. Alles richtig und dennoch gilt festzuhalten: Casino Royale hat das scheinbar unmögliche vollbracht und einer totgeglaubten Filmreihe neues Leben eingehaucht. Eine bemerkenswerte Leistung. —Thomas Reuthebuch

Lee Tamahori Zum 40. Jubiläum der James-Bond-Serie bekommen wir endlich die lang ersehnte 20. "offizielle" 007-Folge zu sehen: Stirb an einem anderen Tag— großkalibrig, aufwändig, spektakulär, professionell, vorhersehbar und ebenso nur teilweise befriedigend wie die meisten Bond-Filme der letzten 30 Jahre.

Pierce Brosnan liefert hier seine bis dato beste Bond-Darbietung überhaupt in den Fängen einer nordkoreanischen Domina, die ihm während des von Madonna geträllerten Titelsongs mit Skorpiongift das Leben schwer macht. Er ist mal in Kuba, mal in London, mal in Island unterwegs und liegt mit einem selbstgefälligen, an Schlaflosigkeit leidenden Millionär (Toby Stephens) in Fehde, der zugibt, eine bösartige Parodie auf Bonds Persönlichkeit zu sein. Vieles wird Ihnen bekannt vorkommen: Halle Berry wiederholt Ursula Andress' Strand-Auftritt aus Dr. No, das mit technischem Schnickschnack ausgestattete Bond-Auto ist ein Aston Martin à la Goldfinger, der Diamantenschmuggel und die Superwaffen stammen direkt aus Diamantenfieberund der Jetpack aus Feuerballkann in Q's Labor besichtigt werden.

Die Another Dayist die bislang längste Folge der Serie (zweieinviertel Stunden) und die erste, die Stunts und Spezialeffekte mit Computerunterstützung auf die Leinwand bringt — obwohl der beste Kampf traditionell daherkommt: Ein höflicher Fechtkampf zwischen Brosnan und Stephens artet zu einem zerstörerischen Schlachtfest mit mehrfach bestückten Hieb- und Stichwaffen aus. Berry mag wohl das erste Bond-Mädchen mit einem Oscar auf dem Kaminsims sein, dafür muss sie sich aber mit einer schlechten Frisur wie auch dem schlechtesten Anmachtext von 007 abgeben. Erstaunlicherweise funktionieren die alten Mechanismen immer noch gut, obwohl es schon eine Schande ist, dass man Regisseur Lee Tamahori (Once Were Warriors) kein besseres Drehbuch zur Verfügung gestellt hat. —Kim Newman

Simon Langton Roger Michell Diarmuid Lawrence Achtung Herzschmerz! Die Bücher der englischen Kult-Autorin Jane Austen drehen sich alle nur um eins: Die große Liebe! Daher haben ihre Romane auch bis heute nichts von ihrem Reiz eingebüßt. Und: Ihre Bedeutung geht sogar weit über die der „romantischen Liebesgeschichte“ hinaus. In der englischen und vor allem britischen Kultur, ist Mrs. Austen ähnlich tief verwurzelt wie beispielsweise William Shakespeare. Wenn das kein Gütesiegel ist! Die drei auf dieser Box enthaltenen Filme, Pride & Prejudice, Verführungund Emmahaben ihren literarischen Ursprung alle Anfang des 19. Jahrhunderts. Doch die Thematik ist unverändert aktuell und fesselnd: Gerade in den 1990er Jahren erlebte die Popularität von Jane Austens Werk einen Höhepunkt und es gab unzählige Verfilmungen für das Fernsehen und auch für die große Leinwand.

Zahlreiche Autoren wie etwa Joan Aiken veröffentlichten in jüngster Zeit von Jane Austens Romanen inspirierte Werke. Am bekanntesten in dieser Reihe ist wohl Bridget Jones - Schokolade zum Frühstückvon Helen Fielding, die das Motiv aus Pride and Prejudice - Stolz und Vorurteilübernimmt, insbesondere die Charaktere der beiden männlichen Protagonisten. Konsequenterweise wurde für die Verfilmung von Bridget JonesColin Firth (Der englische Patient, Fever Pitch) als Mark Darcy besetzt, genau wie in der 1995 von der BBC produzierten Version von Pride and Prejudice - Stolz und Vorurteil. Regisseur Simon Langton gelingt es in der BBC-Fassung meisterhaft, diese anrührende Liebesgeschichte zu adaptieren: Im Mittelpunkt steht die adlige Familie Bennet mit ihren fünf Töchtern. Diese lebt im beschaulichen Meryton und das bis dato ruhige Leben der Familie gerät durcheinander, als zwei vermögende Junggesellen auf der Suche nach der passenden Braut auftauchen und sich dort niederlassen. Natürlich hofft man, eine der fünf mit diesen zunächst viel versprechenden Gentlemen verheiraten zu können. Zunächst bestätigt Charles Bingley (Crispin Bonham-Carter) diese Hoffnungen, er bemüht sich um Jane Bennet (Susannah Harker). Doch der andere Herr, Mark Darcy (Colin Firth), gibt sich äußerst arrogant und unnahbar. Besonders Elizabeth (Jennifer Ehle), der zweitältesten Tochter, begegnet er extrem schroff und mit großer Missachtung. Das ist jedoch nur Fassade, längst ist Darcy der Schönheit und Klugheit Elizabeths erlegen. Als er um sie wirbt, weist sie ihn jedoch ab, gekränkt durch sein vorheriges Verhalten. Doch wie die Liebe so spielt: Immer wieder kreuzen sich die Wege der beiden und irgendwann nimmt das Schicksal seinen Lauf... Pride and Prejudice - Stolz und Vorurteilist eine der erfolgreichsten Liebesgeschichten weltweit und diese 270-minütige Version ein Muss für alle, die ihr Herz am rechten Fleck tragen. In England gewann diese Verfilmung mehrere Fernsehpreise und das Buch ist nach einer Umfrage der BBC aus dem Jahre 2003 hinter Der Herr der Ringeauf Platz 2 der Beliebtheitsskala. Noch Fragen?

Auch in Verführung(im englischen Original Persuasion), 1995 von Regisseur Roger Michell inszeniert, steht die große Liebe im Mittelpunkt: Die 19-jährige Anne Elliot (Amanda Root), adliger Herkunft, ist in den Offizier Frederick Wentworth (Ciarán Hinds) verliebt. Trotzdem beendet sie die Beziehung, da ihre mütterliche Freundin Lady Russell (Susan Fleetwood) zu diesen Schritt rät, denn Wentwort besitzt nicht viel Geld. Erst acht Jahre später treffen sich die beiden wieder - unter umgekehrten Vorzeichen. Während der Offizier nun vermögend geworden ist, verarmte Annes Familie. Doch wie sieht es nun mit ihren Gefühlen füreinander aus? Kann er ihr die Zurückweisung verzeihen? Welchen Einfluss hat Lady Russels Rat jetzt noch auf Anne? Erst nach einigen Irrungen und Wirrungen entdecken sie ihre wahren Gefühle füreinander... Auch diese 107-minütige Filmversion eines Jane Austen-Klassikers erhielt eine Vielzahl von Fernsehpreisen in England. Wen lassen echte Gefühle schon kalt?

Und klar, auch in Emmaaus dem Jahre 1995 geht es um Gefühle. Die weibliche Hauptperson, dargestellt von Kate Beckinsale (Pearl Harbour, Aviator), verfügt ihrer Ansicht nach über eine besondere Begabung: Sie schafft es, passende Ehepartner zu finden und diese dann miteinander zu verkuppeln. Selbst ist die 21-jährige aber nicht so begeistert vom „Bund fürs Leben“. Gelegentlich kommt im Hause von Emmas Familie der gerngesehene Mr. Knightley (Mark Strong), ein intelligenter und ehrenwerter Junggeselle, mit Mitte Dreißig im besten Heiratsalter, zu Besuch. Sie kennt ihn bereits seit der Kindheit, doch mehr hat sich bisher nicht zwischen den beiden entwickelt. Als Emma sich berufen fühlt, den Pfarrer Elton (Dominic Rowan) mit einer ihrer Bekannten, der geheimnisumwitterten Harriet Smith (Samantha Morton), zusammenzubringen, eskaliert die Situation. Ihre Bemühungen um den Pfarrer werden von diesem als echtes Werben um seine Person fehlgedeutet. Daraufhin macht dieser Emma nämlich einen Antrag, den diese wiederum ablehnt. Die Folge: Sowohl Harriet als auch der Pfarrer sind zutiefst beleidigt und gekränkt. Erst als ein neuer charmanter Gentleman namens Frank Churchill (Raymond Coulthard) auftaucht, vergisst sie ihre vorherigen Sorgen. Doch dieser ist überhaupt nicht an Emma interessiert, sondern hat ein Auge auf eine gewisse Jane Fairfax (Olivia Williams) geworfen. Erst nach einem von Emma inszenierten Eklat bei einem Picknick, wo ihr der langjährige Familienfreund Mr. Knightley gehörig den Kopf wäscht, merkt Emma endlich, für wen ihr Herz wirklich schlägt...

Kevin Smith

Oscar Dufau Mark Zaslove Charles A. Nichols The Jetsons(1962) was the third primetime series from the Hanna-Barbera Studio, after The Flintstones(1960) and Top Cat(1961). Although the show was cancelled after its first season, it proved a durable Saturday-morning favorite, running for more than 14 years on all three networks.

Like The Flintstones, The Jetsonsborrowed heavily from live-action sitcoms, notably The Donna Reed Showand Hazel. The 21st century became a Futurelux vision of a '60s suburb. George Jetson (voiced by George O'Hanlon) pushed buttons for the penny-pinching Mr. Spacely (Mel Blanc). Judy (Janet Waldo) was a typical teenager with a crush on rock & roll singer Jet Screamer. Elroy (Daws Butler) was a bright little boy whose experiments always blew up. Astro (Don Messick) was one of the first anthropomorphic dogs that became a Hanna-Barbera standard. Jane (Penny Singleton, basically reprising her role in the Blondiefilms) kept everyone and everything on course. The Flintstonesused rocks and animals to approximate everyday appliances;The Jetsonshad high-tech gadgets that invariably malfunctioned and clobbered George.

Aside from two commentaries by Waldo and a short making-of video with old footage of Hanna and Barbera, the DVD set has little in the way of extras: no bumpers, commercials, etc. The Jetsonshardly ranks as great animation, but for anyone who grew up during the '60s and '70s, these discs are the comforting video equivalent of a slice of yellow cake with fudge frosting and a glass of milk. (Rated G: alcohol and tobacco use, minor cartoon violence) —Charles Solomon

Joni Mitchell

Jason Reitman Juno, eine selbstironische, aber überaus mitfühlende Geschichte über ein schwangeres Mädchen im Teenager-Alter, das sein Baby zur Adoption freigeben will, liegt irgendwo zwischen der scharfen Satire von Election und der emotional tiefgründigen Komödie von You Can Count On Me. Die Außenseiterin Juno (Ellen Page, Hard Candy, X-Men - The Last Stand) schützt sich selbst durch schlagfertige Sprüche, aber als sie von ihrem Freund Paulie (Michael Cera, Superbad) schwanger wird, stellt sie fest, dass sie das Kind nicht abtreiben lassen will. Als Juno ein Pärchen auswählt, das auf der Suche nach einer Adoption eine Zeitungsannonce aufgibt, wird sie mehr in deren Leben hineingezogen als sie anfangs vermutet hatte. Aber Juno ist mehr als nur diese Handlung: die treffenden Dialoge (von Autorin Diablo Cody) wirken anfangs aufgesetzt, aber schon bald entwickelt sich daraus eine vielschichtige Welt - auch durch die Unterstützung der schauspielerischen Leistung von Ellen Page, Michael Cera, Jennifer Garner und Jason Bateman als werdende Adoptiveltern und J.K.Simmons (Spiderman) und Allison Janney als Junos Vater und Stiefmutter. Regisseur Jason Reitman (Thank You for Smoking) verhindert gekonnt, dass der Film in hohlen, leeren Sarkasmus abgleitet oder sich in Sentimentalitäten verliert. Das Resultat ist schlauer und witziger als man vielleicht von einem solchen Thema erwarten würde. Und der Film ist auch wärmer und berührender als der leicht kaltschnäuzige Ton anfangs vermuten lässt. Ellen Pages Darstellung ist erstaunlich einfach: sie biedert sich nie beim Zuschauer an, und dennoch trägt sie einen Film, bei dem sie in beinahe jeder Szene zu sehen ist. Das klingt nach einem echten Star. —Bret Fetzer

Donald Petrie

Kate Bush

Kate Bush

David Newman

Lars Hesselholdt Die neunjährige Katja (Fanny Bernth) liebt Vögel über alles. Am liebsten streift sie alleine durch den Wald und beobachtet das Nest eines Wanderfalken-Pärchens. Mit anderen Kindern kommt sie hingegen nicht so gut zurecht. Da auch ihre berufstätigen Eltern keine Zeit für sie haben, leidet sie unter Einsamkeit. Als sie eines Tages wieder auf ihrem Aussichtsposten im Wald sitzt, kommt ein Sturm auf, der das Vogelnest vom Baum herunterweht. Katja nimmt sich des jungen Wanderfalken, der mit dem Nest zu Boden gefallen ist, an und sucht mit ihm unter der Plane eines Lastwagens am Waldrand Schutz vor dem Unwetter. Vor Erschöpfung schläft sie ein und bemerkt nicht, wie sich das Auto in Bewegung setzt.

Das ist der Auftakt zu einem wunderbaren Abenteuer, denn Katja wacht erst wieder auf, als sie in einer italienischen Hafenstadt angekommen sind. Dort entwischt ihr der Falke, und auf der Suche nach ihm macht sie die Bekanntschaft mit vier verschmitzten Straßenjungen. Mit deren uneigennütziger Hilfe wird es ihr gelingen, den Falken wiederzufinden und nach Hause zurückzukehren.

Der dänische Regisseur Lars Hesselholdt schuf mit Katja und der Falkeeinen modernen Kinderfilm, der in der Realität spielt und doch märchenhafte Züge trägt. Wie aus einem Dornröschenschlaf erwacht Katja in der ihr unbekannten Welt, deren Sprache sie nicht spricht. Dort muss sie unter anderem gegen einen finsteren Tier-Präparator kämpfen, der ihren geliebten Falken zu töten droht. Dabei kommt ihr eine liebenswerte Jungenbande zu Hilfe, die sie zu ihrer Mutter mit nach Hause bringen, wo sie freundlich aufgenommen wird. Bis zum spannenden Ende wird die Geschichte konsequent aus der Sicht des Mädchens erzählt, so dass auch die wenigen italienischen Dialoge unübersetzt bleiben. Die Kinder verstehen sich eben auch fast ohne Worte.

Zu Recht wurde dieser bemerkenswerte Film auf mehreren internationalen Kinderfilmfestivals ausgezeichnet. Die Kinder in den Jurys befanden, der Film sei lustig und spannend. Aber auch den Erwachsenen bereitet er Freude, denn es geht auch um Katjas innere Entwicklung. In der Fremde auf die Hilfe anderer angewiesen, lernt sie, ihr Misstrauen abzulegen und freundlicher mit anderen umzugehen. Spannend, unterhaltsam und pädagogisch wertvoll, ist dieser Film für Kinder von circa sechs bis zwölf Jahren geeignet. —Elke Wolter

Til Schweiger Warner Home Video Keinohrhasen, Freigegeben ab 12 Jahren Komödie

Quentin Tarantino Buena Vista Kill Bill Volume 1, USK/FSK: KJ VÃ-Datum: 13.11.08

Quentin Tarantino Buena Vista Kill Bill Volume 2, USK/FSK: 16+ VÃ-Datum: 13.11.08

Peter Norlund Die Halbwaise Kim hat das gleiche Hobby wie ihr Vater, der bei einem Absturz sein Leben verlor: das Klettern. Die Zwölfjährige triniert ihre Fähigkeiten verbissen an einer Kletterwand, um sich damm eines Sommers klammheimlich auf eine große Expedition zu begeben: sie will ihre eigene Klettertour machen. Doch sie überschätzt ihre Fähigkeiten und stürzt. Nach ihrem Sturz von einer Steilwand sucht sie Schutz und trifft auf eine Wölfin samt ihres Jungen. Ohne Angst stehen sich Mensch und Tier gegenüber. Doch die Wölfin ist bedroht. Kim erfährt, dass Wilderer auf der Spur der Wölfe sind und beschliesst, ihren neuen Freunden zu helfen und sie über die Grenze nach Schweden zu bringen.

Hans Fabian Wullenweber Mission: Impossiblelässt grüssen! Produziert von Zentropa, der Firma von Regie-Exzentriker Lars von Trier (Dogville), muss sich Kletter-Idanicht hinter den großen Vorbildern aus Hollywood verstecken.

Die 12-jährige Ida hat ein aufregendes Hobby: Sie betreibt Freeclimbing und wandelt damit auf den Spuren ihres Vaters, der bis zu einem schweren Unfall Bergsteiger war und sogar den Mount Everest bezwungen hat. Heute unterhält er eine Gokartbahn und steht Idas Kletterleidenschaft eher kritisch gegenüber. Idas Freunde Sebastian und Jonas stehen dagegen total auf die wagemutige Ida. Als Idas Vater schwer erkrankt und das Geld für die lebensrettende Operation in Amerika fehlt, fasst Ida einen Plan: Gemeinsam mit Jonas und Sebastian plant sie die neue CCT-Bank auszurauben, in der ihre Mutter als Sicherheitsbeauftragte arbeitet.

Der dänische Kinohit — in ihrer Heimat war Kletter-Idasogar erfolgreicher als Harry Potter— ist spannende Unterhaltung für die ganze Familie. Erfrischend natürlich erzählt hebt sich der aufwändig produzierte Kinderfilm angenehm von der üblichen Konfektionsware ab. Neben der Action kommt aber auch der Humor nicht zu kurz. So muss Ida das Problem lösen, dass die Jungen beide in sie verliebt sind und wollen, dass sie sich für einen von ihnen entscheidet. Außerdem muss sie sich während des Bankraubs auch um ihren zweijährigen Bruder kümmern, was für einige köstliche Szenen sorgt. Und ganz nebenbei vermittelt Regisseur Wullenweber seinem jugendlichem Publikum Werte wie Freundschaft, Aufrichtigkeit und Hilfsbereitschaft.

Mit den Spy Kidskönnen Ida und ihre Freunde allemal mithalten! Auch wenn kein bekannter Name unter den Darstellern ist, so überzeugen sie durch ihr temperamentvolles Spiel — allen voran Julie Zangenberg, die das Klettertalent Ida spielt. Der Film ist freigegeben ab sechs Jahren, aber einige der Actionszenen sowie die Erkrankung des Vaters verlangen den Kindern schon einiges ab, auch wenn sich am Ende alles zum Guten wendet. Pippi Langstrumpfwar gestern — Kletter-Idaist heute! —Birgit Schwenger

Marco Kreuzpaintner K - Krabat Blu-ray

Pedro Almodóvar Filmemacher Enrique Goded sucht Inspiration für sein nächstes Projekt, als er unerwarteten Besuch bekommt. Ein junger Mann steht vor seiner Tür und stellt sich als Ignacio vor. Jener Ignacio, mit dem Enrique einst auf dem katholischen Internat der Salesianer eine tiefe Freundschaft verband. Aber dann musste Ignacio die Schule verlassen und die Wege der Freunde trennten sich. Mittlerweile hat er den Namen ngel angenommen und arbeitet als Schauspieler. Und er hat Enrique eine Geschichte mitgebracht, seine eigene Lebensgeschichte, die er von seinem ehemaligen besten Freund verfilmen lassen will. ngel selbst möchte die Hauptrolle in der Produktion übernehmen. Zunächst ist Enrique begeistert von der Idee, doch die anschließende Recherche für seinen neuen Film gerät immer mehr zur kriminalistischen Wahrheitssuche, reißt alte Wunden auf und bringt schreckliche Ereignisse aus der Vergangenheit ans Tageslicht...

Rodolphe Marconi Vereinigte Königreich Edition, PAL/Region 2 DVD: TON: Französisch ( Dolby Digital Stereo ), Englisch ( Untertitel ), WIDESCREEN (1.78:1), BONUSMATERIAL: Kommentar, Szene Zugang, Trailer(s), Wechselwirkendes Menü, SYNOPSIS: Erstes Filmporträt des Modedesigners Karl Lagerfeld, der Rede und Antwort steht und über seine Arbeit, seine Eigenheiten und Vorlieben, über Kunst und seine Vergangenheit berichtet. Der vom "Maestro" autorisierte Film zeigt den Tagesablauf des sonst eher zurückhaltenden Künstlers, bündelt freilich nur Facetten, die man andernorts schon mitgeteilt bekommen hat. Dennoch eine interessante Annäherung an einen der einflussreichsten Modemacher unserer Tage.

Karel Kachyna 1st Prize - Vienna Film Festival. Grand Prize - Venice Film Festival. It is wartime - 1944, and Europe is brutalized by the horror of Nazi aggression and inhumanity. In the tiny Czech village of Terezin, the Nazis plan a propaganda coup to reshape the international opinion. In a master scheme to show a caring face of Nazism, Hitler has given the village to Jewish settlers as a place where they can live in freedom, reassuring a Red Cross delegation - and the world - of their peaceful intentions towards Jews. To provide a convincing "show," the Nazis have plucked the great French mime, Antoine Moreau (Tom Courtenay), from his waning career and ordered him to put on the greatest show of his life. The Reich spares no expense in providing the finest sets, orchestra and costumes. In return he will receive a generous fee and guaranteed return to Paris. But Antoine becomes driven with the need to tell the world the truth, regardless of personal risk. Although in mime he knows his lips must be sealed, now, as never before, his voice must be heard.

John Duigan LAWN DOGS-HEIMLICHE FREUNDE

Dennis Dugan

Les Misérables Jean Valjean ist ein Galeerensträfling, der wegen einer Nichtigkeit in Gefangenschaft gerät, nach 19 Jahren Haft frei kommt und nun mit gelbem Pass als Geächteter der Gesellschaft gilt. Nach einem Schlüsselerlebnis, dass ihn, der durch die vielen Jahre Zwangsarbeit vom Schlechten durchtränkt ist, bekehrt, versucht er unter anderem Namen ein neues Leben zu beginnen. Doch sein Widersacher Inspektor Javert bleibt ihm auf der Spur. Immer wieder gelingt es Jean, zu entkommen und nebenbei gute Werke zu vollbringen. Immer wieder entlarvt ihn Javert, bis beide sich als Symbol für das Weise, Edle, Erhabene und das Gemeine, Böse, Niederträchtige ausweglos gegenüberstehen. Das Ganze ist ein Epos um die Erniedrigung, das Leiden und die Rebellion der unteren Schichten in Paris vor dem Hintergrund der Julirevolution von 1830, in dem die ganze Bandbreite menschlicher Gefühle von Hass über Einsamkeit bis zur unerschütterlichen Kraft tiefer Liebe entblättert wird.

Les Miserablés hatte allein deshalb schon die besten Voraussetzungen ein Meisterwerk zu werden, weil es auf der schöpferischen Kraft von Meistern aufbaut. Als Vorlage diente der mehrbändige Roman von Victor Hugo, der in die Weltliteratur einging und nach Der Glöckner von Notre Dame sein bekanntestes Werk darstellt. Neben Les Miserablés machten Claude Michel Schönberg als Komponist und Alain Boublil als Texter sich auch bei Miss Saigon einen internationalen Namen als Duo, dass es vortrefflich versteht historische Stoffe aufzubereiten und daraus Musicals mit Operncharakter zu schaffen. Trevor Nunn holte das Musical aus Frankreich, wo es wenig Erfolg hatte, nach London und brachte es in seiner Inszenierung zum Welterfolg.

Diese Videofassung ist ein Mitschnitt der Londoner Aufführung Live aus der Royal Albert Hall zum 10. Jahrestag der Uraufführung, in einmaliger Starbesetzung, bei der einige Darsteller wie Colm Wilkinson als Jean Valjean oder Michael Ball als Marius bereits bei der Premiere am 8. Oktober 1985 im Barbican Theatre mitwirkten. Weiterhin wurden über 250 Stars aus allen erfolgreichen Bühnenproduktionen der Welt zusammengerufen, um diese einmalige Aufführung mitzugestalten. Die Videofassung besticht durch erstmals veröffentlichte Bilder, die einen neuen Blick auf das monumentale Spektakel eröffnen. Wen zusätzlich die Texte auf deutsch, übersetzt von Heinz Rudolf Kunze, interessieren, dem sei die CD-Aufnahme der Duisburger Aufführung empfohlen. —Daphne von Unruh

Luc Besson Leon - Der Profi - Ultimate BluRayEdition DV

Nancy Meyers Liebe braucht keine Ferienliefert eine angenehme Dosis Ferienfreuden und ist eine liebevoll erzählte Liebesgeschichte voller einer Menge Weihnachtszutaten. In den fähigen Händen von Autorin/Regisseurin Nancy Meyers (die ihre erste romantische Komödie seit Was das Herz begehrtabliefert) beginnt alles damit, dass zwei erfolgreiche, aber unglückliche Frauen sich durch eine Wohnungstausch-Webseite kennen lernen und sich dazu entschließen, über Weihnachten ihre Häuser zu tauschen und gemeinsam ihre Männerprobleme zu lösen. Iris (Kate Winslet) ist eine Journalistin aus London, die in einem Postkartenmotiv-Bauernhaus in Surrey lebt und Amanda (Cameron Diaz) besitzt eine Produktionsfirma für Filmtrailer (aufgrunddessen sie ihr zukünftiges Leben gerne als "kommende Attraktion" bezeichnet) und lebt in einem edlen Herrenhaus in Beverly Hills. Iris hat Liebeskummer, weil ihre Zuneigung nicht von einem proletenhaften Kollegen (Rufus Sewell) erwidert wird, und Amanda hat sich gerade von ihrem betrügerischen Freund (Edward Burns) getrennt - somit bietet der Haustausch die nötige Auszeit, um ihr Liebesleben wieder neu zu ordnen. Nachdem dies ein Film von Nancy Meyers ist (wo alles toll dekoriert ist und romantische Wünsche garantiert erfüllt werden), geht Amanda mit Iris' charmantem Bruder Graham (Jude Law) aus, und Iris verliebt sich unerwarteterweise in Miles (Jack Black), einen supernetten Filmkomponisten, der sich gerade von einer gescheiterten Beziehung erholt. —Jeff Shannon

Mark Rosman Unhappy and lonely after her mother's death, Casey (Lindsay Lohan) attempts to resurrect her mother, but a minor mishap changes the results of her spell and brings an unwanted doll named Eve (Tyra Banks) to life instead. Eve is elated when she first encounters the smells and flavors of real life, but is shocked to realize that she's not the perfect role model she's always considered herself to be. Casey initially despises Eve—she never wanted this doll in the first place and now she's ruined her chances of bringing her mother back to life. But as Eve grows, she brings out the best in Casey, encouraging her to renew old friendships and spurring personal growth and healing. Even Casey's father (Jere Burns) rises above his grief and builds a better relationship with his daughter as a result of his interaction with Eve. This is an entertaining, 89-minute video that juxtaposes the stresses and disappointments of the real world, with their accompanying potential for personal growth, against what initially appears to be a stereotypically idyllic world. What makes the movie powerful is its suggestion that that ideal world is inherently flawed. Performances by Lindsay Lohan (The Parent Trap), supermodel Tyra Banks (Higher Learning), and Jere Burns (television's Something So Right) are very good. The story, while based on a fairly unreal premise, successfully explores some very real issues facing kids today. —Tami Horiuchi

Todd Field LITTLE CHILDREN

Jonathan Dayton, Valerie Faris

Alfonso Cuarón

Marco Schnabel Kinowelt Der Love Guru, USK/FSK: 12+ VÖ-Datum: 20.03.09

Madonna IM GOING TO TELL YOU A SECRET

Phyllida Lloyd Schwungvolle Verfilmung des erfolgreichen ABBA-Musicals, in der alle Darsteller, darunter Meryl Streep und Pierce Brosnan, selbst singen.

Sophie möchte zu ihrer Hochzeit auf einer griechischen Insel vom Vater zum Altar geführt werden. Weil sie ihn aber so wenig kennt wie auch ihre Mutter Donna, lädt sie die drei wahrscheinlichsten Kandidaten ein. So wird Donna plötzlich mit der Magie, aber auch den Wunden ihrer Vergangenheit konfrontiert, während die schmerzlichste Aufgabe, Sophie in eine selbstbestimmte Zukunft zu entlassen, noch bevorsteht.

Von Meryl Streep und der ganzen Besetzung überzeugend interpretierte Hits von ABBA sind das beste Argument dieser Musicalverfilmung. Enthusiasmus und auch Melancholie der Songs bleiben unter der Regie von Phyllida Lloyd gewahrt, die MAMMA MIA! schon am Broadway zum Erfolg führte. Unterstützt von griechischer Inselidylle und Situationskomik, empfiehlt sich der Film als Urlaubsalternative mit Gute-Laune-Garantie.

Neben Oscar-Preisträgerin Meryl Streep finden sich auf einer idyllischen Insel Hollywoodstars wie Pierce Brosnan, Colin Firth und Julie Walters zusammen, um alte Freunde zu treffen, neue Familien zu gründen und vor allem: Um Hochzeit zu feiern!

Hits wie „Dancing Queen“, „S.O.S.“, „Money, Money, Money“ oder „Take a Chance on Me“ begleiten die Story von MAMMA MIA! mit der magischen Erzählkraft und den mitreißenden Rhythmen der größten ABBA-Songs.

Die faszinierende Geschichte, das Ensemble an Weltklasse-Schauspielern und die unverwechselbare Musik machen MAMMA MIA! zu dem Gute-Laune-Film-Ereignis des Jahres voller Rhythmus, Charme und Emotionen!

PressestimmenDieses knallbunte Feelgood-Movie ist wie eine rauschende Jungesellinnen-Party TV MovieSommerleichte Unterhaltung mit tollen Songs und Top-Stars in Hochform TV MovieHerzerwärmendes Feelgood-Movie. Mitwippen, Mitsingen! TV SpielfilmWunderbares Feelgood-Movie mit tollen Schauspielern und jeder Menge Herz, Schwung und Humor. CinemaEine "Abba"-Orgie! Ein Märchen von Musical und Glücksgarantie. Man kommt tänzelnd aus dem Kino BILD

Tony Scott

Mel Gibson

Peter Bogdanovich

Roald Dahl, Danny DeVito Matilda ist ein Kind von bemerkenswerter Intelligenz und mit außergewöhnlichen, telekinetischen Begabungen gesegnet. Leider sind ihre egoistischen und dümmlichen Eltern, der schmierige Gebrauchtwagenhändler Harry Wurmwald und die aufgetakelte Bingospielerin Zinnia, viel mehr mit sich und dem Fernseher beschäftigt, als zu bemerken, daß Matilda ein Genie ist. Und die Schule, die sie für ihre Kleine aussuchen gleicht einem Gefängnis Die gemeine Direktorin Knüppelkuh führt ein wahres Schreckensregiment. Doch Matilda setzt sich mit ihren besonderen Fähigkeiten zur Wehr - und dann steht nicht nur die ganze Schule Kopf...

Andy Wachowski, Larry Wachowski Angesichts der riesigen Erwartungen, mit denen Matrix Reloaded herbeigesehnt wurde, triumphiert der Film, wo die meisten Filme mit ihrem zweiten Teil scheitern. Frische und Kühnheit machten The Matrix 1999 zu einem weltweiten Phänomen. Das ist kaum zu toppen, aber die Wachowski-Brüder haben ihre Prioritäten richtig gesetzt bei der Fortsetzung der Heldentaten der Rebellen Neo (Keanu Reeves), Morpheus (Laurence Fishburn) und Trinity (Carrie-Anne Moss), die versuchen, Zion, die Zufluchtsstätte der Menschen, vor der Invasion von Maschinen zu retten.

Natürlich wird bei den Highlights obligatorisch noch eins draufgesetzt (darunter die eindrucksvolle schlagkräftige Action und Verfolgungsjagden auf dem Highway), aber gleichzeitig wird die Handlung im zweiten Film dieser erstaunlichen Trilogie, die mit dem Film The Matrix Revolutions abschließt, geschickt weitergeführt. Die metaphysischen Strömungen kann man entweder einfach abtun oder hinterfragen. Entscheidet man sich für Letzteres (die Filme sind schließlich ein Epos über Entscheidungen und freien Willen), kommt man zu erstaunlichen Ergebnissen. Nicht umsonst wurde Matrix Reloaded bei Kritikern und Hardcore-Fans schlagartig zum Hit. Dieser dynamische zweite Teil und Herzstück eines Multimedia-Franchise endet mit einem spannenden Aufhänger für den mit Sicherheit überwältigenden abschließenden Teil. —Jeff Shannon

Andy Wachowski, Larry Wachowski Warner Matrix 3 - Revolutions (2 DVDs), USK/FSK: 16+ VÖ-Datum: 30.03.04

Richard Benjamin

Chris Bould

David Gerrold, Menno Meyjes Warner Home Mein Kind vom Mars, USK/FSK: oA VÃ-Datum: 14.03.08

Alain Berliner

Anne Wild

Melanie C

Michael Jackson

Roman Polanski

Gus van Sant Sean Penn als Harvey Milk im neuen Film von Kultregisseur Gus van Sant

Harvey Milk. Politiker und Volkstribun. Ikone, Vorbild und Held. Freund und Liebhaber. Sein Leben schrieb Geschichte, und sein Mut rettete Leben – nur nicht sein eigenes. Ein Mann, weit mehr als ein Schwulen-Aktivist, der quer durch alle Bevölkerungsschichten und politischen Spektren zum Inbegriff für einen mutigen Kampf für Bürgerrechte und Gerechtigkeit in der Welt wurde. Seine Vision von einer besseren Welt wurde zur Inspiration für viele und ist bis heute unvergessen.

San Francisco, 1972. Harvey Milk (Sean Penn) und sein Partner Scott Smith (James Franco) haben vom Leben in New York die Nase voll und suchen ihr Glück an der Westküste. Sie eröffnen im Arbeiterviertel Castro einen kleinen Fotoladen: „Castro Cameras“. Bald wird das Geschäft als Treffpunkt und Nachrichtenbörse zum Mittelpunkt des Viertels, vor allem dank Harvey Milks herzlichen, überschäumenden Temperaments. Es dauert nicht lang, bis Milk seinen Hang zur Politik entdeckt: Sein Anliegen sind die Interessen der kleinen Leute seines Viertels – und die der schwulen Community. Milk organisiert Straßenfeste im Castro District, und er steht stets an der Spitze, wenn es gegen Diskriminierung zu protestieren gilt.
Während dreier Wahlkampagnen für den Stadtrat von San Francisco gewinnt Milk unzählige Helfer und Freunde dazu, vor allem sein Berater Cleve Jones (Emile Hirsch) steht ihm unermüdlich zur Seite. Doch in dieser Zeit zerbricht die Beziehung zu seinem langjährigen Geliebten Scott. An der Seite seines neuen Partners Jack Lira (Diego Luna) schafft Milk bei der Wahl 1977 schließlich den Einzug in den Stadtrat. Kaum im Amt, stößt Milk eine Vielzahl von politischen Initiativen an, womit er sich nicht nur Freunde macht. Und einer seiner Gegner, Milks Stadtrats-Kollege Dan White (Josh Brolin) entpuppt sich schließlich als Todfeind...

Der für seine Vorliebe für außergewöhnliche Filmstoffe bekannte Regisseur Gus Van Sant – OSCAR®-nominiert für „Good Will Hunting“, Cannes-Gewinner für „Elephant“ – macht aus den letzten acht Jahren im Leben des Harvey Milk ein mitreißendes Zeitpanorama, das die 70er Jahre aus einer Perspektive zeigt, die man so kaum kennt. 30 Jahre nach Harvey Milks tragischem Tod, kommt die einzigartige Geschichte zum ersten Mal ins Kino & auf DVD. OSCAR®-Preisträger Sean Penn („Dead Man Walking“, „Mystic River“) in der Titelrolle steht an der Spitze eines großartigen Ensembles, das neben vielen anderen Emile Hirsch („Into The Wild“), Josh Brolin („No Country For Old Men“) unter Diego Luna („Y tu Mamá también“) umfasst.

MILK ist für 8 Oscar ® nominiert wurden, darunter auch für den BESTEN FILM.

Chris Noonan

Donald M. Petrie Gut, dass Sandra Bullock (Speed) genau ihre Stärken und Schwächen kennt. Denn ohne Bullock als Hauptdarstellerin und Produzentin wäre Miss Undercovervöllig unbedeutend und kaum zu ertragen, handelt es sich hier doch um eine sehr seichte Komödie, die allein auf Bullocks etablierte Leinwandpersönlichkeit maßgeschneidert wurde. Nur hart gesottene Bullock-Fans können diesen Film wirklich mögen, aber selbst die werden sich wünschen, dass die durchaus ausgereifte Idee, die der Geschichte zugrunde liegt, etwas intelligenter ausgearbeitet worden wäre. Dennoch: Miss Undercoverhat auch einige Highlights, die Bullocks verlässlichen Charme unterstützen. Sie spielt die plumpe, nervige FBI-Agentin Gracie Hart, die das furchtbare Pseudonym Gracie Lou Freebush erhält, als sie einen Schönheitswettbewerb infiltrieren soll um zu ermitteln, ob die eingegangenen Drohungen eines terroristischen Anschlags ernst zu nehmen sind. Sandra Bullock von einem Trampel in eine atemberaubende Schönheit zu verwandeln, ist ein Kinderspiel (auch wenn sie den Wettbewerbstrainer, Michael Caine, hart für sein Geld arbeiten lässt), weshalb die Grundidee des Films als trivial im besten Sinne bezeichnet werden kann. Amüsanter ist aber Gracies unverhohlene Verachtung, die sie für Schönheitswettbewerbe hegt sowie ihre Annahme, dass es sich bei den Teilnehmerinnen nur um ein Haufen hirnloser Püppchen handeln kann. Außerdem erlebt Gracie, dass ihre Verschönerung während der Wettbewerbsvorbereitungen ihr auch einen dringend benötigten Egoschub versetzt. Neben Caines ungezwungener Darstellung sorgen vor allem William Shatner (Star Trek) als Veranstalter und Candice Bergen (Gandhi) als Organisatorin für komödiantische Elemente, doch der Film bräuchte darüber hinaus eine glaubwürdige Basis um als gut gemachte Unterhaltung bezeichnet werden zu können. Bullocks Vorgesetzter (Benjamin Bratt, Ein Freund zum Verlieben) ist ein vollkommen unglaubwürdiger Dummkopf und der Handlung gelingt es an keiner Stelle so clever amüsant voranzuschreiten, wie es beispielsweise bei Beverly Hills Copder Fall ist. Das führt schließlich dazu, dass Sandra Bullock die Comedy-Last allein auf ihren Schultern trägt, was sich hier kaum zu ihren Gunsten auswirkt. —Jeff Shannon

John Pasquin Die F.B.I.-Büroangestellte Gracie Hart (Sandra Bullock) erlangte von einiger Zeit bei einem Schönheitswettbewerb als Undercover-Agentin Berühmtheit, und nun ist sie offensichtlich so bekannt, dass sie der Agentur nur noch als hübsche Vertreterin für Öffentlichkeitsarbeit taugt. Nachdem sie von ihrem Freund (den Benjamin Bratt dieses Mal in weiser Voraussicht nicht spielen wollte) verlassen wird, macht die betrübte Gracie mit ihrer Promotionarbeit weiter, bis ihre Freundin, Miss United States (Heather Burns), zusammen mit dem Wettbewerbsbeauftragten Stan Fields (William Shatner) in Las Vegas entführt wird. Bullock hat immer noch genug Ausstrahlung, um ihre Fans zu erfreuen, aber weder sie noch ihr seltsames Alter Ego ergeben in dieser Fortsetzung eines vor fünf Jahren veröffentlichten Films irgendeinen Sinn. Das Resultat wirkt wie ein auf Spielfilmlänge gezogener, verzweifelt unlustiger Werbefilm für Touristik in Las Vegas - das alles zusammen mit längst überholten homosexuellen Stereotypen (Diedrich Bader als Gracies Friseur) und der wie immer tollen Regina King (bekannt aus Rayund Jerry Maguire), die eine dumpfe Rolle als Bullocks bulliger Bodyguard spielt. Bewaffnet? Ja. Fabelhaft? Nein. —Steve Wiecking

Der machtbesessene Toymaker Sylvester Stallone versucht, mit Hilfe eines raffinierten Videospiels jeden Spieler in seine Cyberzone zu locken. Um die Welt von den gefährlichen Machenschaften des Toymakers zu befreien, erhält der Topagent Juni vom US-Präsidenten George Clooney den Auftrag, sich in das Spiel einzuschleusen. Allerdings bleiben dem Jung-Agenten nur zwölf Stunden. Die Wissenschaftlerin Francesca Salma Hayek hilft ihm sich in der digitalen Welt zurechtzufinden. Doch auch auf die Unterstützung seiner Eltern Antonio Banderas und Carla Gugino kann der Agent zählen... Die digitale Welt der DVD ganz neu erleben Die Superstars Sylvester Stallone, Antonio Banderas, George Clooney und Salma Hayek erleben zusammen mit den bekannten Spy Kids spannende Abenteuer im Cyperspace. Atemberaubende 3-D-Special-Effects bieten ein einzigartiges Filmerlebnis.

Marc Lawrence MITTEN INS HERZ-EIN SONG F?R DICH/ V?: bereits erschienen/ Genre: Romantik/ Ausgabeformat: 1080p/ Aufnahmeformat: 1.85:1/ Länge: 01:40:00/ FSK: ohne Altersbeschränkung

Dick Carruthers

Mike Newell Julia Roberts strahlt eine solch mühelose Leinwandpräsenz aus, dass der Zuschauer oft den Fehler begeht, dies für selbstverständlich zu halten — was man jedoch nicht tun sollte.

Mona Lisas Lächeln, ein Film über eine nonkonformistische Lehrerin an einer Privatschule, die ihre Schülerinnen dazu ermutigt, ihre Individualität zu entwickeln, ist ziemlich genau die weibliche Version von Der Club der toten Dichterund vermischt dabei die Mode der 50er- mit feministischem Gedankengut der 70er-Jahre.

Dieser etwas wenig originelle Ansatz vermindert allerdings nicht das enorme Talent, das hier präsent ist: Drehbuch und Regie sind geschliffen und gekonnt umgesetzt, die Darsteller — eine hochkarätige Besetzung mit Namen wie Marcia Gay Harden, Kirsten Dunst, Maggie Gyllenhaal, Julia Stiles und Juliet Stevenson — sind durch die Bank exzellent. Doch ohne jede Frage lastet Mona Lisas Lächelnallein auf den Schultern von Julia Roberts, und sie trägt das Gewicht mit Leichtigkeit. Sie ist wahrscheinlich die einzige Aktrice unserer Zeit, die einen Film einnehmen kann wie es früher Bette Davis, Jean Arthur oder Claudette Colbert getan haben, und zwar mit einer unnachahmlichen Mischung aus Ausstrahlung, Intelligenz, Schwung und Warmherzigkeit. —Bret Fetzer

Norman Jewison

Patty Jenkins Die Kritiker waren sich einig mit ihren Lobesarien für Charlize Therons Vorstellung in Monster, und in diesem Falle ist das überschwängliche Lob auch einmal wirklich verdient. Der attraktive Star aus The Italian Jobund Gottes Werk und Teufels Beitragverschwindet wortwörtlich in der Rolle der Aileen Wuornos, einer real-existierenden Prostituierten und Serienmörderin, die in den USA mindestens sieben Männer umgebracht hat. Monsterzeichnet Aileens Beziehung zu einer jungen Frau namens Selby (Christina Ricci, Der Eissturm, Sleepy Hollow) nach, die eng mit ihrer Mordserie verflochten ist.

Dieser bemerkenswerte Film bringt einerseits Mitgefühl für Wuornos auf, verharmlost aber andererseits ihre brutalen Verbrechen in keinster Weise; Therons Darstellung porträtiert entsprechend die schreckliche Lebensgeschichte dieser Frau, ohne ihren Furcht einflößenden, starren Blick zu besänftigen. Das Resultat ist eine ebenso ergreifende wie erschütternde Schauspielleistung, deren physische wie psychische Transformation einzig mit der von Robert de Niro in Wie ein wilder Stierzu vergleichen ist. Die moralische und emotionale Komplexität des Films hätte es ohne diese denkwürdige Vorstellung schwer gehabt beim Publikum — doch mit ihr wird Monsterzu einem Film, der sich nachhaltig ins Gedächtnis brennt. —Bret Fetzer

Ian MacNaughton Monty Pythons Flying Circus 1-4 EV

Baz Luhrmann Baz Luhrmanns Moulin Rougeist ein strahlend schöner, gelegentlich aber auch ein regelrecht verrückt machender Versuch, das Filmmusical mit aller Gewalt ins 21. Jahrhundert zu transportieren. Trotz seines Titels hat er aber keinerlei Ähnlichkeit mit den vielen früheren Filmen, die in dem berühmten Pariser Nachtclub spielen. Mit seinen Cancan-Tänzerinnen, seinen schillernden Bohemiens wie Toulouse-Lautrec (John Leguizamo), seinen an allen Ecken stattfindenden zotigen Späßen und seinen an allen Enden verwandten ordinären Sprüchen wirkt die Welt von Moulin Rougewie das Paris der Jahrhundertwende, doch in Wirklichkeit ist sie ein für Luhrmann typisches popkulturelles Wunderland.

Wie schon in Strictly Ballroomund in William Shakespeare's Romeo & Julia, seinen beiden anderen vom Theater und seinem Pomp inspirierten filmischen Extravaganzen, ist auch diesmal alles und jeder angehalten, die Grenzen von Zeit und Struktur zu sprengen. Alles und jeder schaukelt in diesem schnell geschnittenen Strudel der Verzückung wild hin und her, um schließlich zu kollidieren. Dabei spielt es einfach keine Rolle, dass Elton Johns "Your Song" aus den 70er-Jahren des 20. Jahrhunderts stammt, obwohl die Handlung doch im Jahr 1899 angesiedelt ist.

Nichts in dieser kaleidoskopartig angelegten, von Absinth-Träumen inspirierten Liebestragödie ist neu — die Worte, die Musik, alles hat man schon einmal gehört. Aber hat Luhrmann sie erst einmal durch den Filter seiner Liebe zu Popsongs und zu einem zeitlosen darstellerischen Bombast geschickt, verliert ein Begriff wie Originalität jede Bedeutung. Man wird vielmehr an die Macht des Kinos erinnert, das sich erneuern kann, indem es ausgiebig seiner Vergangenheit huldigt.

Ob Baz Luhrmanns Konzept nun im Großen und Ganzen aufgeht, darüber kann man sich äußerst heftig streiten. Außerdem kann man sich fragen, wie man die Choreografie des Films würdigen soll, da sie doch durch ein die menschliche Aufnahmefähigkeit sprengendes Schnitt-Tempo in winzige Bröckchen und Stücke zerhackt worden ist. Aber trotz allem besteht da ein ganz besonderes, aufrichtiges Band zwischen seinen beiden Stars Ewan McGregor und Nicole Kidman, die einen armen Poeten und das unerreichbare Objekt seiner Begierde verkörpern. Außerdem beeindrucken die beiden gerade durch ihre Gesangsnummern. Sie können stimmlich sogar mit Luhrmanns rasantem Stil mithalten und gehen nicht unter in dieser Orgie außergewöhnlicher Sets, strahlender Kostüme und digitaler Zauberei.

Was neu und aufregend an Moulin Rougeist, mag im Verlauf des Films etwas verblassen, seine Hingabe an einen perfekt vermarktbaren Soundtrack mag etwas sehr oberflächlich erscheinen, aber Luhrmanns Einfallsreichtum bringt an Ekstase grenzende Momente hervor, in denen die Bilder wie die Töne einem dahinsiechenden Genre den Weg zu einem neuen, höchst willkommenen Leben weisen. —Jeff Shannon

Howard Zieff

Ryan Murphy, Craig Zisk, Jamie Babbit, Scott Brazil, Elodie Keene, Nelson McCormick, Michael M. Robin, Lawrence Trilling

Ryan Murphy Craig Zisk Jamie Babbit Scott Brazil Elodie Keene Nelson McCormick Michael M. Robin Lawrence Trilling

Ryan Murphy Craig Zisk Jamie Babbit Scott Brazil Elodie Keene Nelson McCormick Michael M. Robin Lawrence Trilling Warner Home Nip/Tuck - Staffel 1 (5 DVDs), USK/FSK: 16+ VÃ-Datum: 17.03.05

Ryan Murphy Craig Zisk Jamie Babbit Scott Brazil Elodie Keene Nelson McCormick Michael M. Robin Lawrence Trilling

Ryan Murphy Craig Zisk Jamie Babbit Scott Brazil Elodie Keene Nelson McCormick Michael M. Robin Lawrence Trilling

Caroline Link Nirgendwo in Afrika, Caroline Links Verfilmung von Stefanie Zweigs gleichnamigem autobiografischen Roman, ist eine Demonstration, der deutschen Filmindustrie genauso wie seiner jungen, vom Erfolg verwöhnten Regisseurin. Beide wollen sie den Beweis erbringen, dass große, epische Filme, in denen sich Abenteuer und Anspruch, Ambition und Exotik nicht widersprechen, auch in Deutschland und nicht nur in Hollywood entstehen können. Und so ist Nirgendwo in Afrikaerst einmal ein barocker Entwurf, eine Antwort auf Sydney Pollacks modernen Klassiker Jenseits von Afrika. In beiden Filmen steht eine Frau im Mittelpunkt, die unvorbereitet nach Afrika kommt und dort gezwungen ist, an sich selbst und dem fremden, oft auch abweisenden Land zu wachsen. Nur wird dieser Prozess der langsamen Selbstfindung im Exil hier noch durch den mörderischen Wahnsinn der deutschen Geschichte kompliziert.

Der jüdische Anwalt Walter Redlich (Merab Ninidze) hat es 1937 noch rechtzeitig geschafft, aus Deutschland herauszukommen. Als er ein Jahr später als Verwalter einer Farm in Kenia wieder etwas Fuß gefasst hat, lässt er seine Frau Jettel (Juliane Köhler) und seine fünfjährige Tochter Regina nachkommen. Während das weite neue Land für das Mädchen einfach nur ein zauberhaftes Reich ist, das es zu entdecken gilt, kann ihre Mutter sich nicht damit abfinden, was sie durch das Exil verloren hat. Der schwarze Kontinent stößt sie ab, und ihre ungewohnte Lebenssituation macht sie unzufrieden.

Wie in Stefanie Zweigs Roman ist auch in der Verfilmung Regina die Erzählerin. Caroline Link schaut durch die Augen des Mädchens auf das Land und seine Menschen, deren von Staunen und Neugier geprägter Blick gibt ihre Sicht vor. So sind Gernot Rolls Einstellungen auf eine für das Kino typische Art pittoresk und exotisch, zugleich wirken sie aber auch neu und ungewohnt. Auf der Ebene der Bilder gelingt Caroline Link ein eindrücklicher Balanceakt, den sie auch auf der Ebene der Erzählung zu wahren versucht. Nur verliert sie dort immer wieder das Gleichgewicht. Regina ist zwar ihre Erzählerin, aber das eigentliche Augenmerk der Filmemacherin gilt Jettel, die zunächst nur aus Afrika weg will und schließlich, als es so weit ist, gar nicht mehr fort möchte. Mit dieser doppelten Perspektive, die auch zwei ganz unterschiedliche Reaktionen auf das Exil offenbaren soll, wagt Caroline Link einen packenden Gang auf einem filmischen Drahtseil, dem Nirgendwo in Afrikazweifellos seine gelungensten Momente verdankt. Aber um nicht abzustürzen, muss die Regisseurin und Drehbuchautorin immer wieder auf Vereinfachungen zurückgreifen. Letztlich formt sie weder Jettels noch Reginas Figur ganz aus. So haftet beiden etwas Klischeehaftes an, das auch Juliane Köhler und die beiden Darstellerinnen des Mädchens, Lea Kurka spielt die fünfjährige Regina, Karoline Eckertz später dann die Jugendliche, nicht ausgleichen können. —Sascha Westphal

Gabriele Salvatores Jimi, un programmatore di videogiochi in crisi, si aggira (assieme agli hackers Joystick e Naima) alla ricerca di Lisa, la propria ex, perduta nei caotici meandri dell'Agglomerato, megalopoli multietnica del futuro, mentre Solo, il protagonista virtuale della sua ultima creazione, pervenuto ad una anomala e dolorosa coscienza di sé grazie ad un virus informatico, cerca di persuaderlo a cancellare l'intero software... Sprache italienisch, Untertitel italienisch.

No Doubt No Doubt stehen, wie wenige andere Bands, nicht nur für ihre Musik, sondern auch für ihre spektakulären Videos - endlich gibt es alle Clips zum ersten Mal auf einer DVD. "The Videos 1992-2003" bietet aber neben den Video-Versionen des mittlerweile vergoldeten Best-of-Albums zusätzlich noch zwei alternative Versionen von "Bathwater" und "Don't speak" sowie ein halbstündiges Special, in dem die Band über ihre Karriere und alle Videos redet. 01 It's my life 02 Running 03 Underneath it all 04 Hella good 05 Hey Baby 06 Bathwater 07 Simple kind of life 08 Ex-Girlfriend 09 New 10 Oi to the world 11 Sunday morning 12 Excuse me Mister 13 Don't speak 14 Spiderwebs 15 Just a girl 16 Trapped in a box

Torun Lian Nach dem Tod von Krümel, Marias kleinem Bruder, droht die Familie an der eigenen Sprachlosigkeit zu zerbrechen. Marias Mutter fällt in eine tiefe Depression und auch ihr Vater hat zu sehr mit dem eigenen Schmerz zu kämpfen, um dem Mädchen dabei zu helfen, mit dem Verlust fertig zu werden. Maria versteht ihre Mutter nicht, sie glaubt, sie liebt sie nicht mehr. Die überforderten Eltern schicken das Mädchen zu den Großeltern. Maria fühlt sich erst recht abgeschoben und schottet sich noch mehr von ihrer Umwelt ab. Aber dann trifft sie den gleichaltrigen Jakob, der völlig anders mit dem Leben umgeht. Er ist fröhlich, frech, abenteuerlustig und für sein Alter ziemlich klug. Jakob schafft es, Maria aus ihrem Schneckenhaus zu locken und ganz langsam werden die beiden Freunde. Mit Jakobs Hilfe lernt Maria ihre eigene Kraft zu entdecken. Mutig geht sie auf ihre Mutter zu und schafft es, sie aus der Depression ins Leben zurückzuholen...

Steven Soderbergh Warner Home Ocean`s 13, USK/FSK: oA VÃ-Datum: 12.10.07

Steven Soderbergh OCEANS ELEVEN

Steven Soderbergh OCEANS ELEVEN

P!nk

Richard LaGravenese P.S.ICH LIEBE DICH

Guillermo Del Toro Universum Film Pans Labyrinth - uncut Steelbook, USK/FSK: 16+ VÃ-Datum: 30.07.07

Peter Bogdanovich Ein ebenso subtiles wie bezauberndes Kinojuwel. Die gerade erst verwaiste Addie (Tatum O'Neal) fällt dem kleinen Gauner Moses Pray (Ryan O'Neal, Tatums realer Vater) in die Hände und erweist sich als die bessere Betrügerin. Im Kansas der großen Depression angesiedelt, präsentiert sich Paper Moonals wahres Wunder an Homogenität. Die Ausstattung und die Fotografie arbeiten mit vereinten Kräften daran, dem Film die Aura von dokumentarischen Fotos und zeitgenössischen Filmen zu verleihen. Auch die Arbeit der Darsteller steht im Einklang mit der allgemeinen Atmosphäre aus Aufrichtigkeit, ernsthaftem Optimismus und allmählich einsetzender Verzweiflung.

Das blinde Verständnis zwischen Addie und Moses ist phänomenal — allein die Tatsache, dass die Darsteller Vater und Tochter sind, erklärt dies nicht. Ryan O'Neal spielt großartig, und seine Tochter Tatum gewann für ihre Leistung einen Oscar für die beste Nebenrolle. Madeline Kahn war ebenfalls nominiert für ihre ebenso komische wie traurige Darstellung einer Tänzerin namens Trixie Delight.

Paper Moonbietet eine rührende Mischung aus schamloser Sentimentalität und pragmatischem Zynismus. Einer der besten Filme von Regisseur Peter Bogdanovich und in gewisser Weise das komische Pendant zu The Last Picture Show. —Bret Fetzer

Joel Coen, Ethan Coen, Tom Tykwer, Sylvain Chomet, Alfonso Cuarón Universum Film Paris je tïaime, USK/FSK: 6+ VÃ-Datum: 25.06.07

John Woo Die clevere, paranoide Science-Fiction des Schriftstellers Philip K. Dick inspirierte schon einen visionären Klassiker (Blade Runner) und zwei überdurchschnittliche Actionfilme (Total Recallund Minority Report). Paycheckwill nun in deren Fußstapfen treten: Ein Ingenieur (Ben Affleck, Chasing Amy) erklärt sich routinemäßig bereit, sich nach jedem Auftrag das Gedächtnis löschen zu lassen, damit er nicht mehr weiß, was er getan hat. Aber nach dem größten Auftrag seines Lebens muss er feststellen, dass er nicht nur die Annahme eines Gehaltsschecks über 90 Millionen Dollar verweigert, sondern auch einen Umschlag voller Gegenstände an sich selbst geschickt hat, von denen er keinen einzigen wiedererkennt — und zudem erinnert er sich an nichts von alledem. Als er der Geschichte auf die Spur kommt, stellt er fest, dass er sich auch noch in Uma Thurman (Kill Bill) verliebt und einen gefährlichen Apparat für seinen ehemaligen Boss (Aaron Eckhart, Erin Brockovich) erfunden hat. Affleck wirkt ausdruckslos, das Drehbuch wird der spannenden Idee nicht wirklich gerecht und die Regie — von dem normalerweise dynamischen John Woo (Face/Off) — erscheint irgendwie uninspiriert und beinahe gelangweilt. —Bret Fetzer

Garth Jennings PER ANHALTER DURCH DIE GALAXIS

Sophie Fiennes

Hamilton Luske Clyde Geronimi Wilfred Jackson

P!nk

Martyn Burke The revolution came when we weren't looking. It happened in a garage. In a dorm room. In countless hours of effort imagining and intrigue. Apple co-founder Steve Jobs and Microsoft co-founder Bill Gates were changing the way the world works lives and communicates. The event-packed saga of the quirky visionaries who jump-started the future unfolds with exhilarating cutting-edge style in Pirates of Silicon Valley. Noah Wyle (ER) portrays Jobs and Anthony Michael Hall (The Dead Zone) portrays Gates in this chronicle of the fierce and often humorous battle to rule the fledgling personal computer empire. "The story is almost Shakespearean... it's a tale of lust greed ambition love and hate" writer/director Martyn Burke reflects. And it's a success story unlike any other.Running Time: 97 min.Format: DVD MOVIE Genre: DRAMA UPC: 053939699623

Placebo

Mike Gabriel Eric Goldberg Disneys Umsetzung dieser historischen Auseinandersetzung zwischen europäischen Siedlern und den amerikanischen Ureinwohnern folgt den Spuren von zwei zukünftigen Liebenden. Einer der beiden ist der britische Abenteurer John Smith, der mit der Virginia Company über den Atlantik reist, um die Siedlung Jamestown zu errichten. An der Küste befindet sich Pocahontas, eine für Disney typische Heldin: intelligent, gut aussehend, schelmisch und mutterlos. Die Zwei treffen in der ungezähmten Wildnis Amerikas aufeinander (das erste Zusammentreffen ist wirklich traumhaft), verlieben sich ineinander und versuchen sich die Krieg führenden Parteien vom Leib zu halten.

Es handelt sich hierbei um Disneys Version einer indianischen "West Side Story". Zwei für Disney typische Markenzeichen kommen jedoch nicht so sehr zum Tragen: der Bösewicht ist nicht wirklich verabscheuungswürdig, und "Colors of the Wind" stellt den einzigen Höhepunkt der Filmmusik dar. Es wäre übertrieben, den Film als "historisch" zu bezeichnen, aber Disney wirft einen vergleichsweise natürlichen Blick auf die beiden Kulturen. Den indianischen Charakteren wurde spezielle Aufmerksamkeit zuteil, und gerade Kinder dürften von deren Welt besonders fasziniert sein. Der Film liefert eine Unterrichtsstunde, die sich von der ihrer Großeltern merklich unterscheiden dürfte. Disney stellt jedoch einige Dinge besonders heraus: man muss nicht töten, um Probleme zu lösen, und man kann einen Film auch ohne Happy End gestalten, indem man ein visuell und emotional eindrucksvolles Schlussbild schafft. (ab 5 Jahren) —Doug Thomas

Louis Malle

Robert Altman

Paul Thomas Anderson Der 97-minütige Film Punch-Drunk Love von Paul Thomas Anderson konzentriert sich auf eine kleine, straff erzählte Geschichte, die als Nebenhandlung früherer Anderson-Werke wie Boogie Nights oder Magnolia gedient haben könnte. Adam Sandler legt diesmal nicht nur seine übliche Maske ab, sondern versieht sein bereits vertrautes Schema "Kind-Mann außer Kontrolle" mit mehr Tiefe, als dies bereits in Big Daddy der Fall war.

Gleichwohl zu fürchterlichen Wutanfällen neigend, ist der exzentrische Unternehmer Barry Egan (Sandler) im Grunde genommen schüchtern und nett. Von seinen sieben Schwestern ständig geärgert und beschwatzt, zeigt er sich dennoch clever im Ausnutzen der Gesetzeslücke einer Supermarktwerbung, indem er billigen Pudding in unbegrenzte Freiflüge verwandelt. Im Verlaufe eines einzigen Tages gerät Barry in zwei ungewöhnliche Beziehungen: zunächst mit einem Telefonsex-Mädchen (Ashley Clark) und dem "Matratzen-Mann" (Philip Seymour Hoffman), die beide versuchen, Barry auszunehmen, indem sie an seine Kreditkarteninformationen gelangen und eine Erpressung inszenieren, und schließlich mit der zögerlichen, aber netten Lena, gespielt von Emily Watson, der Barry, einem Impuls gehorchend, nach Hawaii folgt — verzweifelt bemüht, wie ein hingebungsvoller Romantiker und nicht wie ein psychopathischer Stalker zu wirken.

Andersons Markenzeichen — der Einsatz lauter Hintergrundmusik, die wie besessen vorgetragenen Dialoge — fügen sich zu einem beherrschten Ganzen auf der Kippe zum Wahnsinn. Das Ergebnis ist pure Magie, romantisch, komisch und eigentümlich. —Kim Newman

Erich Kästner, Caroline Link Mit ihrem Debüt, dem Kinohit Jenseits der Stille, der von Hollywood mit einer Oscarnominierung bedacht wurde, weckte die Regisseurin Caroline Link Erwartungen beim Publikum. Erwartungen, die sie mit ihrer Verfilmung des Erich-Kästner-Klassikers Pünktchen und Anton nicht einlösen konnte. Warum?

Es ist nicht die Geschichte, denn mit dieser konnte sie nichts falsch machen: Die zehnjährige Louise (Elea Geissler), auch Pünktchen genannt, stammt aus reichem Hause, ihr bester Freund Anton (Max Felder), ist arm. Pünktchen möchte Anton, dessen Mutter (Meret Becker) schwer krank ist, nun gerne in irgendeiner Form helfen. Dies ist aber nicht einfach, denn ihre Eltern halten ihr Engagement für kaum mehr als eine kindliche Spielerei. In dieser Situation muss Pünktchen feststellen, dass Anton aus armen Hause stammen mag, dort aber eine viel herzlichere, liebevollere Atmosphäre herrscht als bei ihr daheim.

Der Film scheitert nun auf mehreren inszenatorischen Ebenen. Obwohl in den 90er Jahren angesiedelt, versucht Caroline Link dem Film eine Art Zeitlosigkeit zu verleihen, um die zeitlose Geschichte entsprechend zu adaptieren: Dies aber misslingt, da die lieblose Ausstattung des Filmes, die dem Charme der Dekoration eines Vorstadt-Möbelhauses entspricht, ganz einfach kein Gefühl der Zeitlosigkeit aufkommen lassen will.

Mehrere Gesangsnummern sollen dem Film nun die Leichtigkeit einer Disney'schen Familienkomödie verleihen. Dies aber funktioniert nicht, da die Melodien wenig eingängig sind und die dazugehörigen Tanznummern ganz einfach als verunglückt bezeichnet werden müssen.

Dies alles wäre wenig tragisch, wären die Charaktere stimmig. Sind sie aber nicht. Der Umgang der Figuren untereinander wirkt selten dramatisch. Es entwickelt sich eine unerträgliche "Wir sollten mal drüber reden"-Atmosphäre, die in das Zimmer eines Schulpsychologen gehört, auf der Leinwand jedoch deplaziert wirkt. So bleiben die Figuren Klischees, ohne Ecken und Kanten, die keine wirklichen Veränderungen durchmachen. Wer gut ist, bleibt gut, wer böse ist, bleibt böse. Und sollte sich jemand, wie Pünktchens Mutter (Juliane Köhler), doch noch charakterlich verändern, wirkt diese Veränderung unglaubwürdig und ist dramaturgisch kaum zu erklären. Das Ergebnis ist eine Ansammlung von Kompromissen; es ist ein Film, der niemanden weh tun und erst recht nicht in irgendeiner Form geistig überanstrengen soll. Wer aber keinerlei Risiken eingeht, ist am Ende zum Scheitern verurteilt. —Christian Lukas

Lukas Moodysson Die europäische Antwort auf "American Pie". Die bezaubernde Teenie-Komödie lockte in Schweden mehr Besucher in die Kinos als seinerzeit Camerons "Titanic". Der Kinohit mit Kultpotential ist ein witzig skurriler und erfrischend ehrlicher Film über die erste Liebe, die Sorgen und Nöte junger Leute und den Mut, das Richtige zu tun. ml ist eine Kleinstadt, wie es sie überall gibt es ist wenig los und Trends erreichen die Stadt erst, wenn sie bereits keine mehr sind. Klar, daß die 14-jährige Elin nur ein Ziel hat Raus aus ml! Bis dahin bleiben ihr nur die coolen Parties am Wochenende und der Traum, als großer Star die Welt zu bereisen. Die etwas ältere Agnes hat ganz andere Probleme vor zwei Jahren ist sie mit ihrer Familie nach ml gezogen, doch sie hat bis heute noch keine richtigen Freunde finden können. Zu ihrem 16. Geburtstag organisieren ihre Eltern gegen Agnes Willen eine Party, und die einzigen, die zu dem verunglückten Fest erscheinen, sind ausgerechnete Elin und deren Schwester, die sich normalerweise von Agnes fernhalten. Die beiden haben eine unfaire Wette abgeschlossen Elin soll Agnes auf den Mund küssen! Damit beginnt - völlig unvorhergesehen - eine vorsichtige Freundschaft zwischen den beiden total verschiedenen Mädchen. In seinem Regiedebüt erzählt Jungregisseur Lukas Moodysson mit viel Humor eine Geschichte über das Erwachsenwerden. Frisch, frech, komisch.

Michael Powell, Emeric Pressburger

Gore Verbinski

Helmut Dziuba

Sarah McLachlan

Sarah McLachlan

Sarah Silverman says what’s on her mind. And no one else’s. In this first season of the critically acclaimed The Sarah Silverman Program, Sarah gets hepped up on cough syrup, takes in a homeless man and poops her pants. With her unique perspective on life and her ability to turn just about everything into a song, find out why Sarah Silverman is an American treasure. An offensive, filthy-mouthed treasure.

Saturday Night Live

Philippe Muyl Alive Der Schmetterling, USK/FSK: oA VÃ-Datum: 29.11.04

Richard Linklater "Rock 'n' Roll rules!" Das ist das Lebens-Motto von Dewey Finn, dem durchgeknallten Lead-Gitarristen einer aufstrebenden Rock-Band. Doch nach einem verpatzten Auftritt wird er kurzerhand von seinen Kollegen gefeuert - und das ausgerechnet vor dem großen Band-Wettbewerb. Ohne Band und ohne Geld muss sich Dewey unbedingt was überlegen. Und was liegt näher, als sich an einer Eliteschule als Hilfslehrer auszugeben. Schon in der ersten Unterrichtsstunde merken die Schüler allerdings, dass ihr neuer Lehrer alles andere als normal ist. Denn der Lehrplan verläuft ganz nach der Pink-Floyd-Devise "We don't need no education!". "Nichts tun" und "Pause machen" stehen auf der Tagesordnung. Als Dewey aber erkennt, dass seine Schützlinge musikalische Talente sind, wittert er seine große Chance für den Band-Wettbewerb. Im Unterricht zählt ab sofort nur noch eins Rock'n' Roll, und zwar richtig!

Gary Trousdale Kirk Wise Die Geschichte um das schöne Mädchen, das durch seine selbstlose Liebe einen in ein furchtbares Biest verwandelten Prinzen befreit, ist in fast allen Kulturen anzutreffen und damit ein wahrer Märchenklassiker. Zeitloser, romantischer Stoff mit moralischem Anspruch — daraus werden Disney-Träume, doch der Film schlägt voreingenommenen Nörglern und Kritikern ein Schnippchen!

Die schöne und kluge Belle begibt sich im Austausch für ihren liebenswerten, schusseligen Vater in das Zauberschloß des geheimnisvollen, schrecklichen Biestes. Da jeder weiß, dass sich das Mädchen und das Tier im Verlauf der Handlung näher kommen, kümmert sich der Film nicht vordergründig darum, sondern verlässt sich auf einzelne romantische Szenen, die zudem mit Humor vor der übergroßen Rührung bewahrt werden. So enden beispielsweise die aufgeregten, täppischen Versuche des Biestes, sich auf das erste Rendezvous vorzubereiten, in einer hinreißenden Walzerszene.

Durch die Reduktion der Liebesgeschichte entstand viel Raum für wunderbare Nebenfiguren. Versorgt werden Biest und Schloss nämlich durch belebte Haushaltsgegenstände, da die Dienerschaft ehemals mitverzaubert wurde. Die mütterliche Teekanne Madame Pottine, die höfliche Kaminuhr Monsieur von Unruh und Haushaltsvorstand Lumiere, seines Zeichens Kerzenleuchter, sind herrlich komische, detailreich gezeichnete Charaktere, die lebendiger als manch menschlicher Zeichentrickcharakter wirken. Ein Meisterwerk der Animation ist die revueartige Geschirrparade, die Belle aufheitern soll, und eine eindeutige Hommage an den zeichnerisch noch immer aufwändigsten Disney-Film Fantasia.

Die Helden und Bösewichter der Geschichte sind so disneytypisch wie -untypisch. Meisterhaft gezeichnet und an der Natur und historischen Vorbildern orientiert — so ist die Verwandlung des Biestes Skulpturen von Michelangelo nachempfunden, welche Menschen zeigen, die sich aus Felsklötzen herausschälen —, erfüllen sie den Disney'schen Maßstab nach technischer Perfektion. Inhaltlich heben sich die Hauptcharaktere von vorigen Filmen ab: Belle durch ihre Klugheit und ihr Aufbegehren gegen gesellschaftliche Ansprüche, sie ist weder die duldsame Schöne der Vorlage noch eine brave Heldin à la Cinderellaoder Schneewittchen und die sieben Zwerge. Bösewicht Gaston, gezeichnet vom deutschen Disney-Animateur Andreas Deja, fällt nicht durch von Beginn präsente Niedertracht auf, vielmehr offenbart sich sein garstiges Wesen erst nach und nach. Auch ist ihm seine Bosheit nicht ins Gesicht geschrieben, sondern er ist ein attraktiver Schönling, der als Parodie auf den amerikanischen Körperkult gesehen werden kann.

Die Musical-Elemente sind ein Stimmungszauber, da auf unterhaltsame Weise Situationen beschrieben und Charaktere geprägt werden. Die Lieder stammen von Alan Menken (Oscar für beste Hintergrundmusik) und dem inzwischen verstorbenen Howard Ashman, der bereits für Arielleausgezeichnet und posthum mit einem Oscar für den besten Originalsong geehrt wurde. Aufgrund des Broadway-Erfolges des Musicals nach dem Zeichentrickfilm wurde die vorliegende Fassung um ein Lied und einige schöne Tanzszenen erweitert.

Studio-Boss Jeffrey Katzenberg hat die Geschichte zur Verfilmung gewählt, "weil sie aus uns bessere Menschen macht". Vielleicht nicht bessere, aber bezauberte Zuschauer. —Christina Kalkuhl

Marc Forster Schräger als Fiktion DV

Michael "Bully" Herbig

Jonathan Demme Dieser alptraumhafte Schocker von Jonathan Demme, der auf einem Romanvon Thomas Harris beruht, verfügt genau genommen lediglich über zwei wirkliche Schockmomente (einen während einer Autopsie und den anderen bei einem Gefängnisausbruch). Der Rest des Films kommt einem sterilen, visuellen und psychologischen Horrortrip durch die Tiefen einer psychisch kranken Seele gleich, der überraschenderweise von der unwahrscheinlichen Verbindung zwischen einem Monster und einer von Erinnerungen geplagten jungen Frau getragen wird.

Anthony Hopkins liefert eine außergewöhnliche Vorstellung ab als kannibalistischer Psychiater Dr. Hannibal Lecter, der in einem unterirdischen Gefängnis für psychisch kranke Kriminelle mehr oder weniger begraben ist. Auf Weisung des FBI begibt sich Clarice Starling (Jodie Foster), eine Agentin, die sich noch in Ausbildung befindet, in die Höhle des Löwen, um sich Lecters Erfahrung bei der Suche nach Identität und Methodik eines Serienmörders namens Buffalo Bill (Ted Levine) zunutze zu machen. Als Gegenleistung verlangt Lecter das Recht, in die schmerzlichsten Erinnerungen Starlings einzudringen. Dabei entsteht zwischen den beiden eine bizarre, aber greifbare Intimität, die beide unter verschiedenen und doch gleichsam schrecklichen Umständen zu befreien vermag.

Jonathan Demme ist ein Filmemacher mit einem einzigartigen Riecher für publikumswirksamen Stoff (Melvin und Howard, Gefährliche Freundin). Seine frühen Jahre verbrachte er damit, allen möglichen Schund für Roger Corman (Caged Heat) zu drehen. Als Regisseur ist er sich stets der Bedeutung von Stimmung, Atmosphäre und der beunruhigenden Wirkung ansonsten kaum effektiver Nahaufnahmen bewusst gewesen. Tatsächlich besteht ein Großteil dieses Films aus Schauspielern, deren Blick direkt in die Kamera gerichtet ist (meist aus der Perspektive von Clarice), mit dem Effekt, dass jedem Augenkontakt zwischen zwei Personen etwas schrecklich Gefährliches anzuhaften scheint. —Tom Keogh

Dany Deprez

Michel Gondry Universal Science of Sleep - Anleitung zum Träumen, USK/FSK: 6+ VÃ-Datum: 13.12.07

Michel Gondry Universal Science of Sleep - Anleitung zum Träumen, USK/FSK: 6+ VÃ-Datum: 13.12.07

Nicolas Philibert In Frankreich war Sein und Haben, Nicolas Philiberts Dokumentation über eine Zwergschule in der Auvergne, der Überraschungserfolg des Kinojahres 2002. Und auch bei uns ist dieser "kleine" Film mit seinem auf den ersten Blick so landesspezifischen Thema erstaunlich gut gelaufen. Doch letztlich ist dies gar nicht so überraschend, wie es zunächst scheint. Philibert konzentriert sich zwar ganz auf Monsieur George Lopez, den Lehrer dieser Schule, und die 13 Kinder im Alter von vier bis elf Jahren, die er unterrichtet, und vermeidet dabei alle vordergründigen Generalisierungen, aber gerade aus der scheinbaren Beschränkung ergibt sich hier eine allgemeine Gültigkeit. Indem Philibert das Leben in einem winzigen und eigentlich kaum repräsentativen Mikrokosmos unvoreingenommen nachzeichnet, gelingt es ihm, Gefühle und Sehnsüchte, Ängste und Bedürfnisse einzufangen, wie sie jeder Mensch kennt.

Nicolas Philibert hat während monatelanger Recherchen mehr als 300 französische Grundschulen besucht, bevor er sich schließlich für die in Saint-Etienne-sur Usson entschieden hat. Mit ihren wenigen Schülern ist sie einfach ideal für ein Projekt wie dieses. Philibert konnte jedem der Kinder so viel Aufmerksamkeit widmen, dass sie zu wahren Charakteren wurden. Wir erleben nicht nur, wie sie unter der Anleitung von George Lopez Lesen und Schreiben, Diskutieren und das Backen von Pfannkuchen lernen, wir sehen sie auch zusammen mit ihren Familien und erhalten so beinahe nebenbei noch einen Eindruck vom alles andere als leichten Leben im französischen Zentralmassiv.

Zudem hat Philibert in George Lopez einen Lehrer gefunden, der alle Ideale dieses Berufs, der eben auch eine Berufung sein sollte, verkörpert. Zunächst mag er noch etwas streng erscheinen. Doch je länger man ihn bei seiner Arbeit beobachtet, desto größer wird die Achtung, die man für ihn hegt. Diese Zwergschule, in der Vierjährige, die erst noch Lesen und Schreiben lernen müssen, zugleich mit Elfjährigen unterrichtet werden, die kurz vor dem Wechsel zum Collège, unserer Sekundarstufe I, stehen, hat natürlich etwas Archaisches. Doch was diese Kinder hier vor allem dank ihres Lehrers lernen, geht weit über den normalen Unterrichtsstoff hinaus. Wenn George Lopez etwa zwei miteinander kämpfende Jungen trennt und ihnen ohne jeden Anflug von Schulmeisterlichkeit die Sinnlosigkeit von Gewalt vermittelt, wird der Klassenraum tatsächlich zu einer Schule des Lebens. —Sascha Westphal

Joss Whedon Serenityliefert den perfekten Beweis dafür, dass Fireflyein besseres Schicksal verdient hätte als die Beendigung der Fernsehausstrahlung. Joss Whedons viel gelobte Serie, die eine Mischung aus Western und Science Fiction war, hatte die besten Voraussetzungen für die Umwandlung in einen Kinofilm, und dieses actiongeladene Abenteuer erlaubt Whedon nun, die Hintergründe von Fireflyzu beleuchten - besonders die geheimnisvolle Geschichte um den traumatisierten und launischen Blinden Passagier an Bord des Raumschiffs Serenity: River Tam (Summer Glau). Ihre mörderischen Fähigkeiten als "programmierte Waffe" machen sie zum begehrten Hauptgewinn für die machthungrige planetarische Allianz, die hier von einem Beauftragten (Chiwetel Ejiofor) verkörpert wird, der vor nichts zurückschreckt, um River aus dem Schutz der Besatzung der Serenity zu entreißen. Dennoch bekommt der Zuschauer all jene schlagfertigen Dialoge und knackigen Actionsequenzen geboten, die man vom Schöpfer von Buffy - Im Bann der Dämonenerwarten kann, aber Whedon geht noch einen Schritt weiter und versieht so seine altbewährten Darsteller mit genauer ausgearbeiteten dynamischen und liebevollen Beziehungen untereinander. Die Besetzung von Serenityliefert eine gut ausgewogene Mischung aus Tiefgang und Humor und besteht aus Nathan Fillion als Captain Mal Reynolds, der sowohl Draufgängertum als auch Zuneigung zu seinen Besatzungsmitgliedern Wash (Alan Tudyk), Zoe (Gina Torres), dem humorvollen Kämpfer Jayne (Adam Baldwin), die Ingenieurin Kaylee (Jewel Staite), Bordarzt Simon (Sean Maher) und Mals früherer Flamme Inara (Morena Baccarin) zeigt, welche in Whedons flotter Geschichte eine zentrale Rolle spielt. Viele Kritiker waren sich darüber einig, dass Serenityall jene spannende Unterhaltung und Spaß bot, der bei den neuesten Star Wars-Filmen von George Lucas fehlten, und Whedon lässt das Ende offen - was Raum für eine Fortsetzung bietet, die nie billig oder kommerziell opportunistisch wirken dürfte. Somit sollte es klar sein, dass wir angesichts der unerforschten Mysterien um die Blue Sun das Raumschiff Serenity nicht zum letzten Mal begleiten durften. —Jeff Shannon

Michael Patrick King Warner Sex and The City, USK/FSK: 12+ VÃ-Datum: 24.10.08

Stanley Kubrick, Stephen (Buch) King Der einsiedlerische Perfektionist Stanley Kubrick war vielleicht nicht sonderlich produktiv (er führte zwischen 1975 und 1999 lediglich bei drei Filmen Regie), aber seine Filme verstehen es, in das Bewusstsein der Öffentlichkeit vorzudringen. Im Falle von Shining aus dem Jahre 1980 ist es klar ersichtlich, dass Kubricks Film mehr kulturelle Resonanz hervorgerufen hat als Stephen Kings Bestseller, auf dem er basiert. Das Bild von Jack Nicholson, der sich mit einer Axt den Weg durch eine splitternde Tür bahnt und dabei "Hiiiiiiier ist Johnny!" brüllt, stellt nach wie vor einen der bemerkenswertesten Höhepunkte des Horrorkinos dar. Eine Miniserie aus dem Jahre 1997 folgte Kings Vorlage genauer, aber sie verblasst gegenüber den schaurigen Aspekten von Kubricks Interpretation.

Es handelt sich hierbei um eine grandiose Geschichte über ein Spukhaus, in der Nicholson seine Frau (Shelley Duvall) und seinen jungen Sohn zum abgelegenen Overlook Hotel bringt, wo er zwischen den Saisonzeiten als Hausmeister arbeiten will. Hier erleidet er einen psychologischen Zusammenbruch, der nicht nur auf einen Hüttenkoller zurückzuführen ist. Das Hotel besitzt eine gewalterfüllte Vergangenheit, die sich noch immer auf das Gebäude auswirkt, und während der junge Danny (Danny Lloyd) durch seine hellseherische Gabe namens "Shining" dieses erschreckende Erbe erkennt, verliert sich sein Vater in einem Zustand von mörderischer Psychose.

Kubrick vermeidet die Tradition billiger Schockeffekte der 80er-Jahre-Horrorfilme und entscheidet sich stattdessen für eine Studie über geistigen Verfall und den zeitlosen Mordimpuls - die technischen Innovationen des Films (darunter das sehr eindrucksvolle Bühnenbild und der bahnbrechende Einsatz der Steadycam) liefern eine zunehmend beunruhigende Verbindung von vergangenem und gegenwärtigem Schrecken. Es handelt sich bei dem Film eher um einen intellektuellen Horrorfilm als einen konventionellen Schocker, jedoch besitzt er noch immer eine verstörende Wirkung, und als sich der lächelnde Jack Nicholson in einen höhnisch grinsenden Killer verwandelt, reiht sich dieser somit in Kubricks Verbrecheralbum erinnerungswürdiger Filmbösewichte ein. —Jeff Shannon

John Cameron Mitchell

Alexander Payne

Christophe Gans

Aaron Stell, Douglas Trumbull A botanist rebels when given the order to destroy the only plants left from Earth and takes his space freighter to Saturn after killing his fellow crew members.
Item Type: DVD Movie
Item Rating: G
Street Date: 10/07/03
Wide Screen: yes
Director Cut: no
Special Edition: no
Language: ENGLISH
Foreign Film: noSubtitles: no
Dubbed: no
Full Frame: no
Re-Release: no
Packaging: Sleeve

Douglas Trumbull After creating many of the innovative special effects for 2001: A Space Odyssey, Douglas Trumbull tried his hand at directing, and 1971's Silent Runningmarked an impressive debut. (In addition to creating the visual effects for Close Encounters of the Third Kindand directing 1983's Brainstorm, Trumbull later turned to the creation of high-tech cinematic amusement park rides.) One of the best science fiction films of the 1970s, Silent Runningstars Bruce Dern as Freeman Lowell, a nature-loving crewmember aboard the Valley Forge, a gigantic spaceship in a small fleet that carries the last surviving forests of the Earth, which has fallen victim to overpopulation and ecological neglect.

Freeman's name reflects his nonconformist philosophy, which runs counter to the prevailing recklessness of his three ill-fated crewmates, who are eager to jettison their precious payload and return to the bleakness of Earth. Before they can sabotage the forests, Freeman does what he must, and spends the remainder of his mission with three robotic "drones" as his only companions, struggling to maintain his sanity in the vastness of space. Dern is superb in this memorable role, representing the lost soul of humankind as well as the back-to-nature youth movement of the 1960s and the pre-Watergate era. (Appropriately, Joan Baez sings the film's theme song.) A rare science fiction film that combines bold adventure with passionate social conscience, Silent Runningwill remain relevant as long as the Earth is threatened by the ravages of human carelessness. —Jeff Shannon

Mike Nichols

Matt Groening "Jedem Anfang wohnt ein Zauber inne", schrieb Hermann Hesse. Die erste Staffel der Simpsonsmacht da keine Ausnahme. Was schließlich könnte zauberhafter sein, als zu hören, wie Bart uns und die Welt zum ersten Mal auffordert "Friss meine Shorts!"? Oder die erste Itchy-&-Scratchy-Folge? Ganz zu schweigen von Barts erstem Telefonstreich bei Moes Taverne. Der Satansbraten verlangt nach Herrn Dünsch, worauf unser Lieblingsbartender brav ausruft: "Ist hier einer, der Dünsch heißt?".

Zauberhaft, wie gesagt. Bei ihrem ersten Auftritt als reguläre Serienhelden legen die Simpsonseinen wahren Blitzstart hin. Vieles, was in den folgenden Episoden zum Kult oder Klassiker werden soll, nimmt hier seinen Anfang. Staffel eins bietet Evergreens der Evergreen Terrace en masse.

Auch inhaltlich haben sich die Simpsons-Macher schon eingeschossen. Ins satirische Fadenkreuz gerät alles, was dem bürgerlichen Amerika heilig ist, allem voran die diffusen "family values". Und so steuert die Serie auf ihren ersten Höhepunkt zu, als die Simpsons auf der Suche nach Familienidylle einen Therapeuten aufsuchen. Das Ende der Behandlung: Sämtliche Familienmitglieder traktieren sich so lange gegenseitig mit Elektroschocks, bis die städtische Stromversorgung zusammenbricht.

Natürlich hält das Seriendebüt auch einige "Aah"-Momente für den Zuschauer bereit, etwa wenn Lisa mit dem gescheiterten Jazzer Zahnfleischbluter Murphy ihren Blues überwindet. Doch für die Fans eines gewissen unrasierten AKW-Technikers dürfte nur eines zählen: Staffel eins markiert den Beginn von Homers Odyssee ­- und damit auch die Geburtsstunde seines berühmten Ausrufs angesichts von Pleiten, Pech und Pannen. Und so wäre es nur angemessen, die gelbe Genesis zu überschreiben mit: Am Anfang war das Wort, und das Wort war "Nein!". —Constantin Gillies

Matt Groening Die zweite Staffel der Simpsons wurde erstmals 1990/1991 ausgestrahlt und bezeugte zu Genüge, dass wir es hier nicht mit einer flachen Sitcom über die typisch funktionsgestörte amerikanische Familie zu tun hatten. Die Simpsonsbesaß das Zeug, sich zu einem ganzen Universum der Komik zu entwickeln. Die Animation war etwas zur Ruhe gekommen (die Figuren in der ersten Staffel wirken heute auf fast gruselige Weise verzerrt), und Dan Castellaneta, der im Original Homer seine Stimme lieh, entschied sich, seine grantige Walter-Matthau-Imitation zu Gunsten eines eher klagenden Gejammers abzulegen. Die Riege der Nebenfiguren begann allmählich zu wachsen mit der Aufnahme von Dr. Hibbert, McBain und Anwalt Lionel Hutz, während es den Textschreibern gelang, die Persiflagen auf klassische Filmsequenzen nahtloser in die Handlung einzubringen. Obwohl die zweite Staffel im Vergleich zum späteren Standard relativ sauber daherkommt (die surrealen Exkurse späterer Folgen halten sich hier in Grenzen), enthält sie einige der denkwürdigsten Episoden, die je entstanden sind — sie gehören geradezu zum Besten, was Amerika in Sachen Komödie je hervorgebracht hat.

Dazu gehören die Folge "O Brother Where Art Thou", in der Homer mit seinem verloren geglaubten Bruder wiedervereint wird und dessen Firma er in den Ruin treibt ("Er war ein ungezügelter Erfolgsmensch — bis er entdeckte, dass er ein Simpson war");"Dead Putting Society", in der Homer seine Rivalität mit seinem Nachbar Ned Flanders auslebt, indem er ein verrücktes Golf-Turnier zwischen den beiden Söhnen veranstaltet ("Wenn du verlierst, bist Du raus aus der Familie!") sowie eine der großartigsten Episoden überhaupt, "Lisa's Substitute", in der sich das arme Kind Hals über Kopf in einen Aushilfslehrer verliebt (dem Dustin Hoffman seine Stimme lieh) und sich Bart zur Wahl als Klassensprecher aufstellen lässt. "Eine Stimme für Bart ist eine Stimme für die Anarchie!", warnt Martin, sein Gegenkandidat. Bart soll es recht sein — er erwidert mit dem Wahlversprechen: "Eine Stimme für Bart ist eine Stimme für die Anarchie!"—David Stubbs

Matt Groening 1991 erstmals ausgestrahlt, enthält die dritte Simpsons-Staffel einige Kandidaten, die zu den besten der Serie gezählt werden können. Homer ist durchgängig in derartig grausam guter Form, dass man mit einigem Recht behaupten darf, dass er seinen griechischen Namensvetter an Bedeutung in den Annalen von Kultur und Zivilisation locker abgelöst hat.

Die Eröffnungsepisode "Stark Raving Dad" zum Beispiel, enthält einen Gastauftritt des unerwähnten Michael Jackson, der einen fettleibigen weißen Insassen spielt, den Homer während eines unfreiwilligen Aufenthaltes in einem Irrenhaus antrifft. Eine andere herausragende Folge, "Like Father, Like Clown", enthüllt Krustys Geheimnis, dass er sich von seinem Vater, einem Rabbiner, entfremdet hat. Die Simpsons auf voller Höhe, ausgereift, ironisch, dabei überschäumend vor Slapstick und Bart-mäßigen Frechheiten.

In "Flaming Moe's" begegnen wir Aerosmith und erleben Homer als Erfinder eines Cocktail-Rezepts, das ihm vom verzweifelten Barmann Moe geklaut wird. "Radio Bart", eine Parodie des Billy-Wilder-Films Ace in the Hole, ist eine weitere Demonstration der Serie im geschickten Umgang mit kulturellen Bezügen. Abschließend "Brother Can You Spare Two Dimes", mit einem erneuten Auftritt Danny DeVitos (im Originalton) in seiner Rolle als Homers Bruder, der das Vermögen, das er dank Homer einst verloren hatte, durch die Erfindung eines Baby-Übersetzers wieder reinholt.

Enorm unterhaltsam in allen Belangen und für alle Bildungsschichten, erweisen sich die Simpsonsin ihrem dritten Jahr ganz einfach als großartigste TV-Show, die je erdacht wurde. —David Stubbs

Matt Groening

Matt Groening

Matt Groening

Matt Groening

Matt Groening

Matt Groening

Matt Groening

David Silverman Die Simpsons - der Film.

Die allermeisten der heutigen Schüler waren noch nicht geboren als die Simpsons zum ersten mal auf der Mattscheibe ihr Unwesen trieben. Soll heißen: natürlich ist das Konzept heute nicht mehr taufrisch und der Zahn der Zeit verschont niemanden. Dennoch: die Simpsons sind ein stückweit Fernsehgeschichte und popkulturell haben sie ganz sicher ihre Spuren hinterlassen. Wenn Homer zu Beginn des Films darüber schwadroniert wie jemand so bescheuert sein kann für etwas Geld zu bezahlen (im Kino), was er wenig später umsonst (im Fernsehen) sehen kann, ist das exakt die Form von Respektlosigkeit, die sich durch den Film zieht und die auch heute noch erfrischend ist.

Fast jeder hat zumindest einmal die Simpsons in der Glotze in Aktion erlebt. Wer im Kinofilm bahnbrechend neues erwartet, der wird enttäuscht werden. Aber mal ehrlich: bei den Simpsons ist es nicht sehr viel anders als mit Fast Food Ketten. Man weiss genau was man bekommt. Größtenteils handelt es sich also um eine Aneinanderreihung von Spässchen. Wenn ein Gag nicht zündet braucht man nicht lange zu warten und bekommt eine neue Chance. Es gibt tatsächlich auch einen emotionalen Spannungsbogen (Homers Verhältnis zu Familie im allgemeinen) und so etwas wie einen Plot. Dabei geht es um die Verpestung der Wasserreservoirs in Springfield, die auf Homers Schweinemist zurückzuführen ist. Die Gemeinde wird unter Quarantäne gestellt. Homer und Family türmen nach Alaska nur um wenig später zu erfahren, dass die Regierung viel mehr vorhat, als der Bevölkerung Springfields lieb sein kann.

Keine Geschichte also, die man mit einem Stück von Shakespeare verwechseln könnte, aber Die Simpsons - der Filmhat seine Stärken woanders. Viele Fans werden sich etwa über die Wiederbelebung etlicher beliebter Sidekicks aus der Serie freuen, denen man überraschend großen Raum einräumt. Dazu kommen die üblichen Starcameos (Schwarzenegger und Simpson Fan Tom Hanks), die mittlerweile schon einer Adelung gleichkommen. Visuell hat man keine Eulen nach Athen getragen. Manchmal wirkt die Animation vielleicht ein wenig exakter und ab und an gibts nen dezenten CGI-Einsatz (in der Frankenstein Sequenz etwa). Alles in allem werden Fans der Serie auch Die Simpsons - der Filmlieben. Es handelt sich jedoch um kein anarchistisches Feuerwerk wie etwa bei South Park. Die Simpsons - der Filmkönnte unzensiert auch problemlos im Free-TV laufen. —Thomas Reuthebuch

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Szenenbilder aus Die Simpsons - der Film (zum Vergrößern bitte anklicken)

Matt Groening Die gelbste Familie der Welt:
Nach Ihrem großen Kinoerfolg kommt die erfolgreichste Animationsserie aller Zeiten wieder in gewohnter Verpackung. Die 11te Season sorgt bei Homer, Marge, Bart, Lisa und Maggie wieder für viel Ärger, bei allen anderen für ne Menge Spaß!

Episodenguide

1. Mit Mel Gibson in Hollywood
2. Ist alles hin, nimm Focusin!
3. Homer als Restaurantkritiker
4. Ich weiß, was du getudel-tan hast
5. Duell bei Sonnenaufgang
6. Die Kurzzeit-Berühmtheit
7. Schon mal an Kinder gedacht?
8. Der Kampf um Marge
9. Die böse Puppe Lustikus
10. Lisa und ihre Jungs
11. Bart hat die Kraft
12. Wenn ich einmal reich wär´
13. Ein Pferd für die Familie
14. Ned Flanders: Wieder allein
15. Der beste Missionar aller Zeiten
16. Moe mit den zwei Gesichtern
17. Barts Blick in die Zukunft
18. Barneys Hubschrauber Flugstunde
19. Kill den Alligator und dann …
20. Sie sollte schon immer Tänzerin werden
21. Wird Marge verrückt gemacht?
22. Hinter den Lachern

Matt Groening Simpsons Season 12 DV

Sinéad O’Connor Mittlerweile hat sie sich ganz vom Musikbusiness zurückgezogen und widmet sich hauptsächlich dem Familienleben. Dabei bereitete SINEAD O'CONNOR sozusagen den "Vorabend der Revolution" für die sogenannten "Angry Young Women" a la Alannis Morissette in der Wiege der 90er. Die Pokultur erfuhr eine entscheidende Wende in diesen Zeiten. Mit ihrem geschorenen Kopf, ihrer aggressiven Attitüde, dem Styling entgegen jeder Mode rebellierte sie gegen die bis dato gängigen Klischees, mit denen junge, attraktive weibliche Popstars zu kämpfen hatten. Sie lehnte jegliche oberflächliche Kommerzialisierung ihrer eigenen Person ab und erreichte durch diese stringente Haltung und natürlich ihre intensive Performance nicht nur selbst im wahrsten Wortsinn erhört zu werden, sondern räumte von grundauf Stereotypen, die mehr auf die Sexualität und weniger die Persönlichkeit junger Sängerinnen fokussiert waren, für's erste weitgehend vom Tisch und öffnete damit vielen jungen Singer/ Songwriter Talenten neue Wege.

Alan Ball Das Ende kommt. Irgendwie. Irgendwo. Irgendwann. So steht es auf dem Cover der DVD-Boxen von Warner Home Video und auch Six Feet Under hat dieses Ende nun ereilt. Nach fünf Staffeln über das Wohl und Wehe der Bestattungsunternehmer-Familie Fisher ist die Serie, die in den USA vom Bezahlsender HBO produziert wurde (der schon so manche gute Serie hervorgezaubert hat), nun ebenfalls den Weg aller Fernsehserien gegangen. Six Feet Under gehört der Vergangenheit an, aber durch die DVD-Boxen haben die 5 Staffeln ihre eigene Art der Unsterblichkeit errungen.

Dabei fing alles ganz anders an, als es endete. Die ersten Episoden von Six Feet Under, dessen Konzept vom American Beauty-Erfinder Alan Ball erdacht wurde, waren noch reichlich abgedreht. Nach dem Tod des Familienoberhaupts Nathaniel Fisher trauerte zwar die Familie und musste sich mit allerhand weltlichen und eigenen Problemen auseinandersetzen, aber Ball streute hier und da kleine Gesangs- und Tanzeinlagen oder morbide Werbespots für Leichenwagen ein. Dann jedoch stellte sich schnell heraus, dass das Publikum an der Serie weniger das Abgedrehte als vielmehr die Figuren liebte. Und so entwickelte sich Six Feet Under im Laufe seiner 5 Jahre schnell zu einer hochkarätigen Drama-Serie, in der die Charaktere Komplexität und Tiefe erlangten, und dabei dem Publikum noch mehr ans Herz wuchsen.
Ruth, Nate, David, Claire & Co., ihre Selbstzweifel und die alltäglichen Dinge des Lebens wurden in diesen fünf Jahren immer wieder von denen trefflich kommentiert, die gerade sowieso nichts mehr zu tun hatten: Den Geistern der Kundschaft. Denn abgesehen davon, dass das Familiengeschäft nun mal die Bestattung ist, teilte die Serie bereits früh ihren Zuschauern mit: "Gestorben wird immer!", und zeigte von da an, auf welche Arten und Weisen sie damit Recht hatte.

So bleibt uns nach diesen 5 Jahren der köstlichsten Fernseh-Unterhaltung nur festzustellen, dass wir unsere Zeit gut nutzen sollten. Zum Beispiel mit dem Schauen dieser nun verstorbenen TV-Serie. Carpe diem! — Mike Hillenbrand

Thomas Schlamme

Erik Gustavson

Charlotte Martin Something Like a DVD is the bridge piece between Charlotte Martin's debut album, On Your Shore and sophomore album, Stromata. This documentary chronicles her live performance, behind-the-scenes tour footage, studio recording sessions, and fan interviews.

Added Bonuses

- audio cd featuring eight unreleased songs - 5.1 surround sound mix of live performance - Stromata music video - new artwork and packaging - commentary

Marco Kreuzpaintner Tobi und Achim freuen sich auf die Fahrt ins Sommercamp und den damit verbundenen Ruderwettkampf. Auch Achims Freundin Sandra ist dabei! Whrend die Beziehung der beiden sich intensiviert, fhlt sich Tobi heimlich zu Achim hingezogen. Als dann die schwule Rudermannschaft "Die QueerSchlger" auftaucht, die nicht nur gut rudern, sondern auch mit gngigen Klischees aufrumt, ist Tobi mit der Situation berfordert und hat Mhe sich auf den Wettkampf zu konzentrieren. Und dann ist da noch Anke...

Okay, als Erstes wollen wir einiges klarstellen: Trotz seiner farbenfrohen (wenn auch groben) Animation ist South Park: Bigger, Longer & Uncut keinesfalls ein Film für Kinder. Er ist randvoll mit Profanitäten, die sogar Quentin Tarantino erbleichen lassen könnten und macht blasphemische Anspielungen auf Gott, Satan, Saddam Hussein (der im wahrsten Sinne des Wortes mit Satan schläft) und Kanada. Der Film strotzt nur so vor Fäkal-Humor, sexuellen Anspielungen, politischer Inkorrektheit und fröhlichen, wildwuchernden Geschmacklosigkeiten. Und darüber hinaus ist er wahrscheinlich eine der brillantesten Satiren, die je gedreht wurden.

Die Handlung: Terrance und Philip, die blähsüchtigen kanadischen Meister des Derben, kommen beim Film groß raus, und das Drittklässler-Quartett von South Park — Stan, Kyle, Kenny und Cartman — beginnt, ihre profanen Einzeiler ad infinitum zu wiederholen. Die Eltern von South Park, angeführt von Kyles herrischer Mutter, gründen die Initiative "Mütter kontra Kanada" und geben ihren nördlichen Nachbarn die Schuld an der Verdorbenheit ihrer Kinder. Terrance und Philip nehmen sie als Kriegsgefangene. Nun ist es an den Kids, ihre Helden vor der Hinrichtung zu retten — und vor einem brütenden Satan, der vorhat, die ganze Welt zu unterwerfen. Mehr von der Handlung zu verraten würde den ganzen Spaß vorwegnehmen. Nur so viel: Diese abendfüllende Version des Comedy-Central-Hits von Trey Parker und Matt Stone ist eine urkomische Verulkung der Popkultur ein absoluter Volltreffer.

Haben wir schon erwähnt, dass es sich dabei um ein Musical handelt? Vom Eröffnungsstück "Mountain Town" über die fröhliche Anti-Profanitäten-Mitsingnummer "It's Easy, MMM Kay" bis hin zu Satans Disneyesker Ballade "Up There", nimmt Parker (der alle Songs schrieb bzw. mitschrieb) jedes ernsthafte Musical von Die Schöne und das Biest bis hin zu Les Misérables auf den Arm. South Park: Bigger, Longer & Uncut tritt für Meinungsfreiheit ein und stellt wohlmeinende, aber fehlgeleitete Elternzensurgruppen satirisch dar. Damit trifft der Film beim Thema Elternparanoia und Scheinheiligkeit gewaltig ins Schwarze. Und obwohl die Witze in der Tat geschmacklos und krass sind — sie sind dennoch zum Schreien. Wir können sie hier leider nicht wiedergeben, besonders den Text zu Terrance und Philips Hitsong, aber Sie werden sich vor Lachen auf dem Boden wälzen. Machen Sie sich aber keine Sorgen — um es mit den Worten Cartmans zu sagen: Dieser Film wird Ihren zarten Charakter nicht entstellen. Es sei denn, Sie haben etwas gegen das Recht auf Meinungsfreiheit. —Mark Englehart

Joseph Michael Straczynski Spacecenter Babylon 5ist für viele Science-Fiction-Fans schlicht und ergreifend die vermeintlich bessere Star Trek-Serie. Wie ihr zur gleichen Zeit entwickeltes und ausgestrahltes Pendant Star Trek: Deep Space Ninespielt auch diese Serie auf einer Raumstation. Allerdings sieht man der fünf Meilen langen Babylon 5-Station ihre Größe bei Innen- und Außenaufnahmen deutlich besser an. Doch der wohl größte Unterschied zur dritten Star Trek-Serie ist wohl, dass Produzent Joe Michael Straczynski (JMS) eine Geschichte vorschwebte, die er über den Zeitraum von fünf Jahren erzählen wollte. So bauen die Folgen bei Babylon 5von Anfang an zum überwiegenden Teil aufeinander auf und Straczinskys Geschichte endet nach vielen Auf und Abs tatsächlich erst nach der fünften Staffel, was völlig zu Recht Millionen von Fans auf der ganzen Welt in ihren Bann zog.

Von der Erde im neutralen Raum erbaut, stellt das Spacecenter Babylon 5 im 23. Jahrhundert das galaktische Pendant zum irdischen Konzept der Vereinten Nationen dar. Hier sollen die Vertreter der größten Reiche und Allianzen an einem zentralen Ort zusammengeführt werden, um so die Chance auf einen dauerhaften Frieden zu wahren. Kommandant der gigantischen Station ist der Mensch Jeffrey David Sinclair, der von den Minbari — die die Menschheit im erst kurz zurückliegenden Krieg an den Rand der totalen Vernichtung gedrängt hatten — als einziger Anwärter auf diesen Posten akzeptiert worden war. Zusammen mit seinem Team muss er sich in der ersten Staffel nicht nur mit Flüchtlingen, Schmugglern, Geschäftsleuten, Diplomaten und anderen Reisenden aus den verschiedensten Welten beschäftigen, sondern vor allem mit den auf Babylon 5 stationierten Botschaftern auseinandersetzen. Denn die Abgesandten der Minbari, Centauri, Vorlonen und vielen anderen Rassen scheinen weit mehr als nur ein Geheimnis zu verbergen. Narn-Botschafter G'Kar hat völlig Recht, wenn er sagt, dass auf Babylon 5 niemand genau das ist, was er zu sein vorgibt.

Dieses erste von fünf Jahren Babylon 5legt zunächst einmal die Basis für kommende große Entwicklungen, wartet aber bereits mit einigen großartigen Episoden auf, die kein Science-Fiction-Fan verpassen sollte. Insgesamt ist Babylon 5vielleicht nicht besser als Star Trek, denn Äpfel und Birnen sollte man nie vergleichen, aber die Serie von JMS um Krieg und Frieden in einer unsteten Galaxis ist auf jeden Fall anders — und unbedingt eine Bereicherung für das Genre! —Mike Hillenbrand

Joseph Michael Straczynski Wir befinden uns im 23. Jahrhundert. Nachdem Anfang des Jahres 2259 der Commander der letzten großen Raumstation Babylon 5, Jeffrey Sinclair (Michael O'Hare), als Botschafter auf den Heimatplaneten der Minbari abkommandiert wurde, wird Captain John Sheridan (Bruce Boxleitner) sein Nachfolger. In seinem ersten Jahr als Kommandant von Babylon 5 muss er einige aufregende und konsequenzenreiche Abenteuer überstehen.

Die Botschafterin der Minbari, Delenn (Mira Furlan), entwickelt sich zudem zu einem Mischwesen zwischen Mensch und Minbari und hält sich für die Auserwählte im Kampf gegen den "alten Feind". Dieser zeigt sich in diesem Jahr das ein oder andere Mal, tritt aber vor allem dadurch hervor, dass er politische Abhängikeiten erschafft und den Beginn eines Krieges verursacht. Auch auf der Erde ziehen Probleme auf: Präsident Clark strebt mit neuen Behörden wie dem "Ministerium für Frieden" und "Nightwatch" eine Gedankenkontrolle der Erdbevölkerung an, was Sheridan an Bord der weit entfernten Raumstation mit stetig wachsender Besorgnis zur Kenntnis nimmt. Am Ende des Jahres droht die Situation schließlich zu eskalieren.

Viele Fans der SF-Serie um die Raumstation Babylon 5halten die Staffeln zwei, drei und vier für die besten der gesamten Reihe. Und tatsächlich startet Babylon 5mit dieser zweiten Season richtig durch und lässt den Zuschauer mit jeder Folge neugieriger und gespannter zurück. Eine Geschichte von epischer Breite wird hier von dem Serienerfinder J. Michael Straczynski aufgebaut. Zahlreiche lose Enden über die Dauer eines Jahres werden miteinander verwoben oder bewusst offen gelassen. Strazynskis Anlehnungen an das Werk J.R.R. Tolkiens treten dabei im Laufe der Zeit immer offensichtlicher zu Tage, schmälern das Fernsehvergnügen aber absolut nicht.

Der neue Kommandant der großen Raumstation ist dagegen gewöhnungsbedürftig. Nach dem sehr ruhig agierenden Jeffrey Sinclar übernimmt Bruce Boxleitner das Kommando, vielen noch gut bekannt als Agent Lee Stetson aus der 80er-Jahre-Serie Agentin mit Herz, und strapaziert mit seinem permanenten Colgate-Lächeln anfangs stark die Nerven der Zuschauer. Letztendlich richtete sich mit der Figur des John Sheridan die Serie jedoch auch stärker auf Action aus, was nicht zuletzt ebenfalls zu der anfangs erwähnten Qualitätssteigerung geführt hat. Mit der zweiten Staffel von Bayblon 5begann tatsächlich die Hochzeit der Serie und diese machte sich spätestens damit in jedem Präsenzbestand eines SF-Fans unabkömmlich. —Mike Hillenbrand

Joseph Michael Straczynski Wir befinden uns im Jahr 1996. Die ganze TV-Science-Fiction ist von den Star-Trek-Serien besetzt. Die ganze TV-Science-Fiction? Nein. Eine unbeugsame kleine Serie hört nicht auf, in einer kleinen Ecke des Senders Warner Brothers qualitätsträchtigen Widerstand zu leisten. Und das Leben ist nicht leicht für die Kapitäne an Bord von Deep Space Nine und des Raumschiffs Voyager, die sich der kleinen quotenstarken Serie irgendwo im Weltraum erwehren müssen. Das Jahr: 2260. Ort der Handlung: die Raumstation Babylon 5.

In diesem dritten Jahr des auf fünf Jahre ausgelegten Handlungsbogens der Serie Babylon 5bricht ein Krieg aus. Das weiß der Zuschauer, der bereits die vorhergehenden Jahre den verzweifelten Kampf um den Frieden miterleben musste, nach wenigen Sekunden der ersten Folge. Denn schon im Vorspann heißt es "Das Babylon-Projekt war unsere letzte und einzige Hoffnung auf Frieden. Diese Hoffnung scheiterte." Serienschöpfer Joe Michael Stratzinsky verstand sich von jeher auf dramatische Momente, und so avanciert im Folgenden jede der kommenden 22 Episoden zu einem Schritt auf den dramatischen Höhepunkt der Serie zu.

Die Rückkehr der Schatten, die Rolle der mysteriösen Vorlonen, das tragische Handeln der Centauri und der Kampf der Ranger für das Licht — all diese Handlungselemente machen die dritte Staffel von Babylon 5zur bis dato besten der ganzen Serie. Der Punkt ohne Wiederkehr ist nun überschritten, mehr als in den Jahren zuvor spielen Action und spannungsgeladene Storylines mit den Emotionen des Zuschauers Pingpong.

Ohne zu viel von der Handlung vorwegnehmen zu wollen: Wer die dritte Staffel von Babylon 5zum ersten Mal sieht, wird Fingernägel kauend die Tage zählen, bis die vierte Staffel auf DVD veröffentlicht wird. —Mike Hillenbrand

Joseph Michael Straczynski Es ist das Jahr des Feuers. Das Jahr der Zerstörung. Es ist das Jahr der Eroberungen und das Jahr der Wiedergeburt. Es ist das Jahr, in dem sich alles veränderte. Es ist das Jahr 2261 — und es ist das vierte Jahr der unglaublich guten SF-Serie Babylon 5.

In den ersten beiden Staffeln der Science-Fiction-Serie, die sich mit den Geschehnissen an Bord der letzten großen Raumstation befasst, schienen sich Schauspieler wie Produzenten erst noch ein wenig finden zu müssen. Zu groß war der Druck eines ebenfalls einstündige Episoden ausstrahlenden SF-Franchises, das mit einer ähnlichen Thematik die Fans des Genres zu binden bemüht war. Doch spätestens ab dem dritten Jahr Babylon 5war jedem Zuschauer klar, dass Produzent J. Michael Straczynski, von den Fans der Serie liebevoll JMS genannt, nicht etwa Star Trekneu erfunden, sondern etwas absolut Eigenständiges mit hohem Qualitätstandard geschaffen hatte. Diesen hohen Standard konnte er in der vorliegenden vierten Staffel der Serie fast ausnahmlos fortsetzen und begeisterte damit viele Science-Fiction-Freunde auf der ganzen Welt.

Der Krieg gegen die Schatten, die Rolle der Vorlonen, das Schicksal des Hauptcharakters John Sheridan (gespielt von Agentin mit Herz-Star Bruce Boxleitner) und die Zukunft der Galaxis sind die Fragen, auf die das vierte Jahr Babylon 5Antworten gibt. Leider manchmal eine zu viel. Doch wenn man den Ausrutscher "In hundert Jahren, in tausend Jahren" am Ende der Staffel verzeiht (was angesichts der internen Umstände, unter denen das Staffelende produziert werden musste, gerade noch möglich ist), bleibt ein Gesamtwerk von vier Jahren epischer Science-Fiction-Unterhaltung zurück, das kaum besser hätte ausfallen können.

Im Vorspann der Folgen dieses vierten Jahres heißt es: "Es war das Jahr der Schmerzen und das Jahr der Freude." Und es wird gesagt: "Es war das Ende der Geschichte." Wäre die Serie Babylon 5nach diesem vierten Jahr beendet worden, wäre es ein sehr befriedigendes Ende gewesen. —Mike Hillenbrand

Joseph Michael Straczynski Die letzte Staffel von Babylon 5 stellt gegenüber den hervorragenden zwei vorigen Staffeln eine Enttäuschung dar. Claudia Christian verließ die Serie und Ivanova wurde durch Captain Elizabeth Lochley (Tracy Scoggins) ersetzt, die sich durch eine Wendung wie bei einer Seifenoper als Sheridans erste Ehefrau entpuppt. Sheridan wurde zum Präsidenten der Interstellaren Allianz ernannt, und die Handlung drehte sich um eine Gruppe von Telepathen, die auf B5 vor der PSI-Corp Zuflucht suchten. Patricia Tallman, die Lyta Alexander spielt, wurde eine größere Rolle eingeräumt - man entwickelte eine Liebesgeschichte zwischen ihr und Byron (Robin Atkin Downs), dem Anführer der Telepathen. In der Zwischenzeit ging es um die Folgen des Schattenkrieges, wobei in 'Ein sterbendes Volk' der Ursprung der menschlichen Telepathen geklärt wurde. Durch das Auftreten von Bester (Walter Koenig) von PSI-Corp wurde das Gelöbnis der Flüchtlinge in 'Der letzte Gefangene' und 'Vergesst Byron nicht!' zu einem beeindruckenden Ende gebracht.

Direkt im Anschluss folgte eine der wenigen Episoden, die nicht von J. Michael Straczynski geschrieben wurden. Von 'Der Tag der Toten' wurde viel erwartet, schließlich stammte sie aus der Feder von Neil Gaiman, dem britischen Schöpfer der wegweisenden 'Sandman' Comic- und Romanreihe bei DC. Obwohl hier die allgemeine Stimmung verändert wurde - auch durch einen Gastauftritt von Penn & Teller als die im 23. Jahrhundert beliebten Komiker Rebo & Zooty - erwies sich die Handlung als unzusammenhängende Nebenstrecke in eine unerklärbare Fantasy-Zwischenwelt. Wie gewöhnlich erfuhr die Staffel gegen Ende eine Steigerung: eine Reihe politisch motivierte Folgen führen zu 'Die Bürde des Imperators' und dem gruseligen 'Der letzte Blick zurück', wo Sheridan und Delenn Babylon 5 verlassen, um auf Minbar neue Quartiere beziehen.

Bei der letzten Episode 'Der Weg ins Licht' führte J. Michael Straczynski Regie und schuf einen Epilog auf die Serie. Diese ruhige und elegische Folge, die 20 Jahre nach all dem Getöse und Durcheinander spielt, stellt das Ideal jener Liebesgeschichte dar, welche die Tragödie der vorher gegangenen Dunkelheit ausglich. Hier wird eine ganz persönliche Geschichte vor dem Hintergrund der Serie aufgelöst - auf einer transzendentalen, zutiefst menschlichen und optimistischen Ebene. 'Der Weg ins Licht' stellt einen der bewegendsten Momente in der Geschichte der Fernsehserien dar und bildet eine zutiefst befriedigende Auflösung einer der großartigsten Serien, die je gedreht wurden. Gary S. Dalkin

Robert Rodriguez Spy Kids - Im Geheimdienst ihrer Eltern
Carmen und Juni Cortez sind gerade dabei zu erfahren, dass ihre Lieblingsgutenachtgeschichte von den beiden Spionen, die sich lieben, in Wirklichkeit die Geschichte ihrer Eltern ist. Und so beginnt dieses nette Märchen — ein James-Bond-Abenteuer für die Kleinen mit allem Drum und Dran. Nachdem Mama und Papa (Antonio Banderas und Carla Gugino) ihren ersten Auftrag nach ihrer Rückkehr aus dem Ruhestand vermasseln, müssen die Kids zu deren Rettung antreten — ausgestattet mit einigem coolen technischen Schnickschnack.

Die Familie Cortez wird in eine bizarre Verschwörung verwickelt, die von einem Pee-wee-Herman-mäßigen Entertainer namens Fegan Floop (Alan Cumming) ausgeheckt wird und genauso verrückt wie lächerlich ist. Es versteht sich von selbst, dass wir es hier mit allerlei tollkühnen Aktionen um verloren geglaubte Onkel, dämliche Monster, Doppelagenten, bösartige Roboter, Doppelgänger und hektische Verfolgungsjagden zu tun haben. Haben wir die technischen Spielereien bereits erwähnt? Obwohl Banderas und Gugino hier hervorragende Darbietungen liefern, lebt der Fim — wie es sich gehört — von den zwei jüngeren Cortez, einnehmend gespielt von Alexa Vega und Daryl Sabara.

Wer hätte gedacht, dass ein Action-/Horror-Studio (Dimension) und Regisseur/Drehbuchautor Robert Rodriguez diesen herrlichen Familienfilm auf Lager hätten? Rodriguez, dem der Ruf eines Regisseurs für verrückte Horrorfilme anhaftete, schlägt plötzlich Kapital aus dem Talent, das ihn mit seinem Debüt El Mariachi auf einen Schlag berühmt gemacht hatte. Spy Kids besitzt jede Menge Verve, artet aber niemals in trivialen Humor oder brutale Schießereien aus. Jeder Siebenjährige sollte einen derart vergnüglichen Film gesehen haben. —Doug Thomas

Spy Kids 2 - The Island of Lost Dreams
Diese reizende Fortsetzung von Spy Kids beweist wieder einmal die Begabung des Regisseurs und Drehbuchautors Robert Rodriguez für wilden Einfallsreichtum. Carmen und Juni Cortez (Alexa Vega und Daryl Sabara) sind mittlerweile bei einer Spionageagentur fest als Agenten engagiert, aber ein paar Spionage-Kids von der Konkurrenz machen ihnen das Leben schwer. Als ein wichtiges Spionagegerät gestohlen wird, wird Juni dafür verantwortlich gemacht und verliert seinen Job. Aber Carmen dringt in den Computer der Agentur ein, setzt Juni wieder ein und schickt sie beide auf eine höchst geheime Mission auf eine mysteriöse Insel, um seinen Namen wieder reinzuwaschen.

Das Tempo ist flott, jede Situation ist voll von umwerfendem Augenschmaus und die Besetzung ist einfach toll — Antonio Banderas und Carla Gugino sind wieder dabei in der Rolle der Eltern, Steve Buscemi spielt einen verrückten Wissenschaftler und Ricardo Montalban tritt als Großvater der Kids auf. Fans der Sindbad-Abenteuerklassiker werden bei den ausgeklügelten Kreaturen, denen Carmen und Juni auf der Insel begegnen, besonders auf ihre Kosten kommen. Ein Riesenspaß! —Bret Fetzer

Diese reizende Fortsetzung von Spy Kids beweist wieder einmal die Begabung des Regisseurs und Drehbuchautors Robert Rodriguez für wilden Einfallsreichtum. Carmen und Juni Cortez (Alexa Vega und Daryl Sabara) sind mittlerweile bei einer Spionage-Agentur fest als Agenten engagiert, aber ein paar Spionage-Kids von der Konkurrenz machen ihnen das Leben schwer. Als ein wichtiges Spionagegerät gestohlen wird, wird Juni dafür verantwortlich gemacht und verliert seinen Job. Aber Carmen dringt in den Computer der Agentur ein, setzt Juni wieder ein und schickt sie beide auf eine höchst geheime Mission auf eine mysteriöse Insel, um seinen Namen wieder reinzuwaschen.

Das Tempo ist flott, jede Situation ist voll von umwerfendem Augenschmaus, und die Besetzung ist einfach toll — Antonio Banderas und Carla Gugino sind wieder dabei in der Rolle der Eltern, Steve Buscemi spielt einen verrückten Wissenschaftler, und Ricardo Montalban tritt als Großvater der Kids auf. Fans der Sindbad-Abenteuerklassiker werden bei den ausgeklügelten Kreaturen, denen Carmen und Juni auf der Insel begegnen, besonders auf ihre Kosten kommen. Ein Riesen-Spaß! —Bret Fetzer

Rob Reiner Stand By Mebasiert auf Stephen Kings Kurzgeschichte Die Leicheaus dem Band Frühling, Sommer, Herbst und Todund wurde nach seiner Veröffentlichung 1986 mit etwas Verzögerung doch noch zum Hit. Der Film handelt jedoch viel mehr von Jungen-Freundschaften als von der morbiden Faszination toter Körper.

Es geht um vier zwölf- bis dreizehnjährige Jungen (Wil Wheaton, River Phoenix, Corey Feldman und Jerry O'Connell), die eine Zweitageswanderung auf sich nehmen, um in der Nähe ihrer Heimatstadt in Oregon die Leiche eines gleichaltrigen Jungen zu finden, der seit Tagen vermisst wird. Auf seinem Ausflug erlebt das Quartett einige Furcht erregende Abenteuer (inklusive einem bissigen Wachhund, einem Sumpf voller Blutegel und einem gefährlichen Sprung von einer Zugbrücke), aber es gibt auch die ruhigen Zwischenspiele. Der Film bietet ausreichend Raum für persönliche Offenbarungen, magische Momente wahrhaftiger Nähe und die raue Kameradschaft von Dreizehnjährigen, die beste Freunde sind. In den 50er Jahren angesiedelt, lullt der Film den Zuschauer mit einer Überfülle an anachronistischer Profanität und einer Art idealistischen Goldene-Zeiten-Nostalgie ein. (Die Handlung wird im Rückblick von der Figur Will Wheatons erzählt, der als Erwachsener von Richard Dreyfuss, Unheimliche Begegnung der 3. Art, gespielt wird.) Aber der Film ist dank der harmonischen Darstellung der jungen Besetzung und der zeitlosen Themen wie Freundschaft, Familie, Charakterbildung und Selbstachtung von Anfang bis Ende erfreulich unterhaltsam.

Beachtenswert sind auch Kiefer Sutherland als jugendlicher Bösewicht und John Cusack in einem Rückblick als Wheatons verstorbener und schmerzlich vermisster Bruder. Ein herzergreifender Film für ein großes Publikum, in dessen Anschluss Regisseur Rob Reiner mit Die Braut des Prinzeneinen noch größeren Erfolg feiern konnte. —Jeff Shannon

J. J. Abrams Die Zukunft hat begonnen!

Dieses spacige Sonderprodukt beinhaltet den neuesten Star Trek Kinohit von J. J. Abrams in der 2 Disc Blu-ray Edition. Es lässt sich aus 8 Teilen aus Kunststoff zum originalen Raumschiffmodell der Enterprise 1701 aus dem Kinofilm zusammenbauen, die Blu-rays finden in der Untertassensektion Platz.

Spock würde sagen: Faszinierend.

Verpackung 14,2 cm (B) x 19 cm (H) x 3,2 cm (T)
Zusammengebaut ca. 27 cm lang

Kurzbeschreibung

Die Enterprise kehrt zurück – so, wie man das Team um Captain Kirk garantiert noch nicht kennt!

Verantwortlich für die neue, aufregende Vision des größten Weltraumabenteuers aller Zeiten ist Regisseur J. J. Abrams („Mission: Impossible III“, „Lost“, „Alias“). Mit Hilfe der Drehbuchautoren Roberto Orci und Alex Kurtzman („Transformers“, „Mission: Impossible III“) betritt er Welten, die kein Mensch jemals zuvor gesehen hat. Und das mit einer neuen und jungen STAR TREK-Crew, die für jedes noch so große Abenteuer bereit ist.

Die Filmfiguren um Kirk, Spock, Scotty und Pille sind zwar die gleichen geblieben, doch mit der jungen Darstellerriege um Chris Pine (‚Kirk'), Zachary Quinto (‚Spock'), Simon Pegg (‚Scotty') und Karl Urban (‚Pille') legt Abrams bewusst Wert darauf, einen Generationswechsel einzuleiten. Der Film beschreibt die Anfänge der Enterprise, wie z.B. das Zusammenfinden des Teams, die Entwicklung von Kirk zum Captain der Enterprise und natürlich wird auch geklärt, was es mit der Erfindung des „Enterprise-Beamers" auf sich hat.

Doch auch die Nostalgiker werden nicht enttäuscht, denn Ur-Spock Leonard Nimoy ist in einer Gastrolle Teil der Enterprise Crew. Und mit Eric Bana als Bösewicht hat es die junge Mannschaft mit einem in allen Belangen herausragenden Gegenspieler zu tun.

1993 begaben sich Rick Berman und Michael Piller mit Star Trek: Deep Space Nine auf neues Terrain: Erstmals in der Geschichte des Star Trek-Universums erkundet kein Raumschiff das Weltall. Auf der Raumstation Deep Space Nine treffen die unterschiedlichsten Charaktere aus allen Ecken und Enden der Galaxis zusammen. Alle werden angezogen von dem einzig bekannten stabilen Wurmloch, das einen Zugang zum Gamma-Quadranten eröffnet. Das Aufeinanderprallen der verschiedenen Kulturen mit ihren grundverschiedenen Ansichten und Absichten liefert die Basis für jede Menge Konflikte und handgreifliche Auseinandersetzungen. Atmosphäre und Stimmung sind für eine Star Trek-Serie ungewohnt düster, was noch zusätzlich durch das dunkle Design der Station unterstrichen wird. Die Crew geht nicht gerade höflich miteinander um, von den Besuchern der Station ganz zu schweigen.

Auf Bitten der provisorischen Regierung von Bajor übernimmt die Sternenflotte Deep Space Nine. Die Raumstation im Orbit des Planeten ist ein ehemaliger Außenposten der Cardassianer, die sich erst vor kurzem als Besatzungsmacht von Bajor zurückgezogen haben. Mit dem Kommando wird Commander Benjamin Sisko (Avery Brooks) betraut. Sein erster Offizier, die Bajoranerin Major Kira Nerys (Nana Visitor), ist eine ehemalige Freiheitskämpferin, Chef-Ingenieur Miles O'Brien (Colm Meaney) wird von der Enterprise versetzt, Sicherheitschef Odo (Rene Auberjonois) ist ein Gestaltwandler, der bereits für die Cardassianer gearbeitet hat.

Ergänzt wird die Crew durch Dr. Julian Bashir (Siddig El Fadil, der sich ab der vierten Staffel Alexander Siddig nannte) und den Trill Jadzia Dax (Terry Farrell), dessen vorherigen Wirt Sisko als alten Mann Curzon Dax kannte. Armin Shimerman, der bereits in der TNG-Episode "Der Wächter" den ersten Ferengi im Star Trek-Universum spielte und als Schuldirektor Snyder versuchte, der Vampirjägerin Buffy Disziplin beizubringen, gibt den zwielichtigen Barbesitzer Quark, der immer wieder durch seine illegalen Aktivitäten auffällt, aber im Grunde doch ein gutes Herz besitzt.

Wie es sich für eine erste Staffel gehört, werden die einzelnen Charaktere eingeführt. Doch im Gegensatz zu anderen Star TrekSerien zeichnet sich DS9 vor allem durch die erzählerische Dichte und Komplexität der aufeinander aufbauenden Geschichten aus. Wesentliche Handlungsstränge sind zunächst die andauernden Auseinandersetzungen zwischen Bajoranern und Cardassianern sowie die tiefe Religiösität der Bajoraner. Im gelungenen Pilotfilm "Der Abgesandte" entdecken Sisko und Dax das Wurmloch, das die Bajoraner für den heiligen Tempel ihrer Propheten halten.

Ein Wiedersehen mit alten Bekannten gibt es in der Episode "Q — unerwünscht" sowie dem köstlichen Spaß "Persönlichkeiten", in der Lwaxana Troi (Majel Barrett) es auf Odo abgesehen hat. Auf Quark abgesehen hat es in der Episode "Die Nachfolge" der große Nagus, der Anführer des auf Profit ausgelegten Ferengi-Reiches. Eindeutig der Höhepunkt der ersten Staffel und eine der besten Star Trek-Episoden überhaupt ist "Der undurchschaubare Maritza", in der Major Kira mit einem vermeintlich cardassianischen Kriegsverbrecher konfrontiert wird. Die Folge weckt nicht zufällig Assoziationen an die Gräuel der NS-Zeit. Ein Thema, an das sich kaum eine TV-Serie heranwagt und das DS9 eindrucksvoll aufgreift. Die erste Staffel schließt angemessen mit der Episode "Blasphemie", in der Vedek Winn (Oscar-Preisträgerin Louise Flechter) als eine spirituelle Führerin Bajors Unfrieden auf der Station stiftet.

Parallel zur sechsten Staffel von The Next Generation gestartet, legt DS9 eine solide erste Staffel vor, die um Längen besser ist als die des Vorgängers TNG und zu Recht mit sechs Emmy-Nominierungen belohnt wurde. Die Charaktere überzeugen von Anfang an und bieten mit ihren Ecken und Kanten reichlich Material für gute Geschichten. Gepaart mit dem richtigen Schuss Action, der sich von Staffel zu Staffel steigert, und exzellenten Spezialeffekten hat DS9 sich einen Spitzenplatz in der TV-Serienlandschaft nicht nur der 90er-Jahre gesichert und sich des Erbes von Gene Roddenberry würdig erwiesen, der an der Entstehung der Serie nicht mehr beteiligt war. —Birgit Schwenger

1993 begaben sich Rick Berman und Michael Piller mit Star Trek: Deep Space Nine auf neues Terrain: Erstmals in der Geschichte des Star Trek-Universums erkundet kein Raumschiff das Weltall. Auf der Raumstation Deep Space Nine treffen die unterschiedlichsten Charaktere aus allen Ecken und Enden der Galaxis zusammen. Alle werden angezogen von dem einzig bekannten stabilen Wurmloch, das einen Zugang zum Gamma-Quadranten eröffnet. Das Aufeinanderprallen der verschiedenen Kulturen mit ihren grundverschiedenen Ansichten und Absichten liefert die Basis für jede Menge Konflikte und handgreifliche Auseinandersetzungen. Atmosphäre und Stimmung sind für eine Star Trek-Serie ungewohnt düster, was noch zusätzlich durch das dunkle Design der Station unterstrichen wird. Die Crew geht nicht gerade höflich miteinander um, von den Besuchern der Station ganz zu schweigen.

In der zweiten Staffel konzentriert sich die Serie noch wesentlich stärker auf das erzählerische Potenzial ihrer Figuren — ohne dass dabei die Action zu kurz käme. Bereits der Staffelauftakt, der mit dem Dreiteiler "Die Heimkehr", "Der Kreis" und "Die Belagerung" Maßstäbe setzte, zeigt eindrucksvoll, dass DS9 zu Recht einen Platz im Serien-Olymp der TV-Geschichte inne hat. Die bajoranische Untergrundbewegung Der Kreis geht mit Gewalt gegen alle Nicht-Bajoraner vor. Mit ihren Sabotageakten erreichen sie, dass die Sternenflotte Sisko befiehlt, DS9 zu räumen. Doch gemeinsam mit seinen Offizieren bleibt Sisko an Bord und liefert sich einen Guerillakrieg mit den Terroristen. Frank Langella (Die Piratenbraut) gibt ein Gastspiel als bajoranischer Minister Jaro, Richard Beymer (Twin Peaks) gibt den bajoranischen Widerstandskämpfer Li Nalas.

Quark läuft in "Profit oder Partner" erneut zu Bestform auf, Major Kira sieht sich in der hervorragenden Episode "Die Ermittlung" mit ihrer Vergangenheit als Widerstandskämpferin konfrontiert und "Metamorphosen" liefert faszinierende Einblicke in Odos Psyche — und zeigt, wie gefährlich Gestaltwandler sein können. Die Doppelfolge "Der Maquis" schlägt die Brücke von TNG über DS9 zu Voyager. "Das Implantat" gibt Aufschluss über den Cardassianer Garak (Andrew Robinson), der nun sein Dasein im Exil als Schneider auf DS9 fristet, "Die andere Seite" stellt den ersten Ausflug in das Spiegeluniversum dar — die Classic-Episode "Ein Parallel-Universum" lässt grüßen! In der zweiten Staffel tritt auch das Dominion in Erscheinung. Zunächst werfen düstere Gerüchte über die Handelsmacht aus dem Gamma-Quadranten ihre Schatten voraus, bis sie im furiosen Staffelfinale "Der Plan des Dominion" als militärische Bedrohung Gestalt annimmt. Gegen die Jem'Hadar wirken sogar die Klingonen friedlich!

In der zweiten Staffel legt die Serie an Tempo und Action zu, dass es eine wahre Freude ist. Der vielversprechende Auftakt der ersten Staffel hatte anspruchsvolle Erwartungen geweckt, denen die zweite Staffel mehr als gerecht wird. Mit dem Dominion wird nicht nur der wesentliche Handlungsbogen der kommenden Staffeln eingeführt, sondern auch ein gefährlicher Gegner, der sogar den Borg das Wasser reichen kann. Gepaart mit dem richtigen Schuss Action, der sich von Staffel zu Staffel steigert, und exzellenten Spezialeffekten hat DS9 sich daher einen Spitzenplatz in der TV-Serienlandschaft nicht nur der 90er-Jahre gesichert und sich des Erbes von Gene Roddenberry würdig erwiesen, der nicht mehr an der Entstehung der Serie beteiligt war. Die Staffel wurde mit drei Emmy-Nominierungen belohnt. —Birgit Schwenger

1993 begaben sich Rick Berman und Michael Piller mit Star Trek: Deep Space Nine auf neues Terrain: Erstmals in der Geschichte des Star Trek-Universums erkundet kein Raumschiff das Weltall. Auf der Raumstation Deep Space Nine treffen die unterschiedlichsten Charaktere aus allen Ecken und Enden der Galaxis zusammen. Alle werden angezogen von dem einzig bekannten stabilen Wurmloch, das einen Zugang zum Gamma-Quadranten eröffnet. Das Aufeinanderprallen der verschiedenen Kulturen mit ihren grundverschiedenen Ansichten und Absichten liefert die Basis für jede Menge Konflikte und handgreifliche Auseinandersetzungen. Atmosphäre und Stimmung sind für eine Star Trek-Serie ungewohnt düster, was noch zusätzlich durch das dunkle Design der Station unterstrichen wird. Die Crew geht nicht gerade höflich miteinander um, von den Besuchern der Station ganz zu schweigen.

Die größte Änderung in der dritten Staffel ist die Einführung der Defiant. Das Schiff, das ursprünglich für den Kampf gegen die Borg entwickelt worden war und einen Tarnschild besitzt, übernimmt eine führende Rolle in der Auseinandersetzung mit dem Dominion. In der Doppelfolge "Die Suche", die den Staffelauftakt bildet, reist die DS9-Crew in den Gamma-Quadranten, um Kontakt mit den Gründern, den Anführern des Dominion, aufzunehmen. Doch alle Versuche, eine friedliche Koexistenz von Föderation und Dominion zu erreichen, scheinen zum Scheitern verurteilt. Neben den düsteren, actionlastigen Folgen sorgen Ferengis und Klingonen u. a. in "Das Haus der Quark" für angenehme Kurzweil.

Dramatisch wird es in "Die zweite Haut" für Kira, die sich plötzlich auf Cardassia wiederfindet — als Cardassianerin! In der Folge "Defiant" gibt sich Jonathan Frakes als Thomas Riker die Ehre, in "Das Festival" sorgt Lwaxana Troi (Majel Barrett) auf gewohnt köstliche Art für Furore und in "Durch den Spiegel" gibt es einen weiteren gelungenen Ausflug in das Paralleluniversum. Nach den ersten zehn Episoden startete parallel zu DS9 mit Voyager die nächste Star Trek-Serie. Vielleicht liegt es daran, dass eine weitere Star Trek-Serie kreative Ressourcen verschlang, dass einige Episoden eher durchschnittlich geraten sind. Aber gegen Ende zieht das Niveau der Staffel noch einmal deutlich an. Insbesondere der Zweiteiler "Der geheimnisvolle Garak" ist ein Highlight: Romulaner und Cardassianer verbünden sich zu einem Angriff auf das Dominion. Und nicht erst mit der abschließenden Episode "Der Widersacher" wird klar, was für ein gefährlicher Gegner das Dominion ist.

Die dritte Staffel legt in puncto Action noch einmal ordentlich zu. Der Staffelauftakt macht bereits deutlich, woher der Wind weht! Aber auch die Charaktere reifen emotional und entwickeln sich weiter. Jake (Cirroc Lofton) macht erste Erfahrungen mit der Liebe, Odo muss sich seine Gefühle für Kira eingestehen, Sisko erhält ein neues Verständnis für seine Rolle als der Abgesandte der Propheten und wird zum Captain befördert und Nog bewirbt sich als erster Ferengi bei der Sternenflotte. Gepaart mit dem richtigen Schuss Action, der sich von Staffel zu Staffel steigert, und exzellenten Spezialeffekten hat DS9 sich daher einen Spitzenplatz in der TV-Serienlandschaft nicht nur der 90er-Jahre gesichert und sich des Erbes von Gene Roddenberry würdig erwiesen, der nicht mehr an der Entstehung der Serie beteiligt war. —Birgit Schwenger

1993 begaben sich Rick Berman und Michael Piller mit Star Trek: Deep Space Nine auf neues Terrain: Erstmals in der Geschichte des Star Trek-Universums erkundet kein Raumschiff das Weltall. Auf der Raumstation Deep Space Nine treffen die unterschiedlichsten Charaktere aus allen Ecken und Enden der Galaxis zusammen. Alle werden angezogen von dem einzig bekannten stabilen Wurmloch, das einen Zugang zum Gamma-Quadranten eröffnet. Das Aufeinanderprallen der verschiedenen Kulturen mit ihren grundverschiedenen Ansichten und Absichten liefert die Basis für jede Menge Konflikte und handgreifliche Auseinandersetzungen. Atmosphäre und Stimmung sind für eine Star Trek-Serie ungewohnt düster, was noch zusätzlich durch das dunkle Design der Station unterstrichen wird. Die Crew geht nicht gerade höflich miteinander um, von den Besuchern der Station ganz zu schweigen.

Die vierte Staffel beginnt mit einem Paukenschlag, das heißt eigentlich gleich mit zweien: Der zweiteilige Staffelauftakt "Der Weg des Kriegers" ist eine der besten DS9-Folgen überhaupt. Paranoia macht sich breit, da die Gestaltwandler überall und nirgends sein können. Die Klingonen greifen Cardassia an, da sie glauben, dass der Planet insgeheim vom Dominion übernommen worden ist. Worf (Michael Dorn), der als neuer Waffenoffizier auf die Station kommt, versucht vergeblich zu vermitteln: Kanzler Gowron löst den Friedensvertrag zwischen der Föderation und den Klingonen. Es kommt zur Schlacht!

Neben den großartigen Action-Momenten zeigt eine Episode wie "Der Besuch", dass die Macher von DS9 auch die Meister der leisen Töne sind. Die sehr persönlich gehaltene Folge setzt sich auf dramatische Weise mit dem Verhältnis von Sisco und seinem Sohn Jake auseinander. Dagegen ist die Episode "Kleine grüne Männchen" einfach ein köstlicher Spaß. Quark, Rom und Nog landen durch einen Sabotageakt auf der Erde im Jahr 1947: in Roswell, New Mexiko! In der Holodeck-Folge "Unser Mann Bashir" gibt Dr. Bashir äußerst charmant und überzeugend den Top-Spion à la James Bond und "Der zerbrochene Spiegel" ist ein erneuter Ausflug in das Paralleluniversum. Der Krieg mit dem Dominion schreitet in "Die Front" und "Das verlorene Paradies" voran: Die Erde selbst gerät in das Visier der Gründer, denn niemand ist mehr sicher vor den Gestaltwandlern.

Die an Höhepunkten wahrlich nicht arme Staffel ist definitiv eine der besten der Serie. So viele hervorragende Episoden hat manche TV-Serie während ihrer ganzen Dauer nicht aufzubieten — geschweige denn in einer Staffel. Der Lohn dafür waren vier Emmy-Nominierungen. Die Konkurrenz durch Serien wie Babylon 5 machte sich in einer deutlichen Qualitätssteigerung bemerkbar. Auch andere Einflüsse von außen zeigten Wirkung: Avery Brooks, der sich gegen Ende der dritten Staffel bereits einen Bart hatte wachsen lassen, durfte Sisko endlich kahlrasiert spielen und Nana Visitors Schwangerschaft, die mit Alexander Siddig verbandelt war, wurde in die Serie eingebaut. Gepaart mit dem richtigen Schuss Action, der sich von Staffel zu Staffel steigert, und exzellenten Spezialeffekten hat DS9 sich daher einen Spitzenplatz in der TV-Serienlandschaft nicht nur der 90er-Jahre gesichert und sich des Erbes von Gene Roddenberry würdig erwiesen, der nicht mehr an der Entstehung der Serie beteiligt war. —Birgit Schwenger

1993 begaben sich Rick Berman und Michael Piller mit Star Trek: Deep Space Nine auf neues Terrain: Erstmals in der Geschichte des Star-Trek-Universums erkundet kein Raumschiff das Weltall. Auf der Raumstation DS9 treffen die unterschiedlichsten Charaktere aus allen Ecken und Enden der Galaxis zusammen. Alle werden angezogen von dem einzig bekannten stabilen Wurmloch, das einen Zugang zum Gamma-Quadranten eröffnet. Das Aufeinanderprallen der verschiedenen Kulturen mit ihren grundverschiedenen Ansichten und Absichten liefert die Basis für jede Menge Konflikte und handgreifliche Auseinandersetzungen. Atmosphäre und Stimmung sind für eine Star-Trek-Serie ungewohnt düster, was noch zusätzlich durch das dunkle Design der Station unterstrichen wird. Die Crew geht nicht gerade höflich miteinander um — von den Besuchern der Station ganz zu schweigen.

Auch die fünfte Staffel steht zunächst im Zeichen der Klingonen. Im actiongeladenen Staffelauftakt "Die Apokalypse droht" entlarven Sisko, Odo und O'Brien den Gestaltwandler, der das klingonische Reich manipuliert. "Gefährliche Liebschaften" führt in einem herrlichen Wettstreit der Gefühle Worfs und Daxs Beziehung ein. Der 30. Geburtstag von Star Trek, der in den Verlauf dieser Staffel fiel, wurde gebührend mit der Episode "Immer die Last mit den Tribbles" gefeiert: Die DS9-Crew landet in der Vergangenheit — und begegnet Captain Kirk und der Enterprise-Crew. Die Schauspieler wurden mithilfe des Computers in die Classic-Episode "Immer Ärger mit Tribbles" integriert — ein köstlicher Spaß für alle Beteiligten und natürlich auch für die Zuschauer! Ein brisantes und noch immer höchst aktuelles Thema wird in "Dr. Bashirs Geheimnis" behandelt. Der Doktor wurde als Kind genmanipuliert, was den Gesetzen der Föderation widerspricht. Der Schrecken des Krieges rückt allmählich bedrohlich nahe. In "Die Schlacht um Ajilon Prime" erfährt Jake dies schmerzlich am eigenen Leib. Bei dem Versuch, dringend benötigte Ersatzteile für DS9 von einer verlassenen cardassianischen Raumstation zu bergen, kommt es in der Episode "Empok Nor" zum blutigen Kampf. Mit dem Zweiteiler "Die Schatten der Hölle" und "Im Lichte des Infernos" rückt die drohende Invasion des Dominions wieder in den Mittelpunkt der Serie. Worf und Garak werden in einem Gefangenenlager des Dominions interniert. Zu ihrer großen Überraschung stoßen sie dort auf ein weiteres DS9-Mitglied, das auf der Station durch einen Gestaltwandler ersetzt worden ist. Während sie den Ausbruch planen, um DS9 vor der bevorstehenden Invasion zu warnen, verbünden sich die Cardassianer mit dem Dominion. "Zu den Waffen!" lautet der Titel der abschließenden Episode, die den Krieg gegen das Dominion eröffnet. Sisko vermint das Wurmloch, um das Vordringen weiterer Dominion-Truppen in den Alpha-Quadranten zu verhindern. Romulaner und Bajoraner unterzeichnen einen Nichtangriffspakt mit den Gründern. Als die Lage aussichtslos wird, evakuiert die Sternenflotte DS9 und Gul Dukat übernimmt die Station. Doch so schnell gibt sich Sisko nicht geschlagen.

Die letzte Folge gibt bereits einen Vorgeschmack auf die Ereignisse der sechsten Staffel. Und was für einen, denn in puncto Dramatik ist die fünfte Staffel kaum noch zu überbieten. Aber sie umfasst auch einige der spaßigsten Episoden der ganzen Serie und stellt somit wieder das ungeheure Spektrum an Geschichten des Star-Trek-Universums unter Beweis. Zur Belohnung gab es fünf Emmy-Nominierungen. Gepaart mit dem richtigen Schuss Action, der sich von Staffel zu Staffel steigert, und exzellenten Spezialeffekten, hat DS9 sich daher einen Spitzenplatz in der TV-Serienlandschaft nicht nur der 90er-Jahre gesichert und sich des Erbes von Gene Roddenberry würdig erwiesen, der nicht mehr an der Entstehung dieser Serie beteiligt war. —Birgit Schwenger

1993 begaben sich Rick Berman und Michael Piller mit Star Trek: Deep Space Nine auf neues Terrain: Erstmals in der Geschichte des Star-Trek-Universums erkundet kein Raumschiff das Weltall. Auf der Raumstation DS9 treffen die unterschiedlichsten Charaktere aus allen Ecken und Enden der Galaxis zusammen. Alle werden angezogen von dem einzig bekannten stabilen Wurmloch, das einen Zugang zum Gamma-Quadranten eröffnet. Das Aufeinanderprallen der verschiedenen Kulturen mit ihren grundverschiedenen Ansichten und Absichten liefert die Basis für jede Menge Konflikte und handgreifliche Auseinandersetzungen. Atmosphäre und Stimmung sind für eine Star-Trek-Serie ungewohnt düster, was noch zusätzlich durch das dunkle Design der Station unterstrichen wird. Die Crew geht nicht gerade höflich miteinander um — von den Besuchern der Station ganz zu schweigen.

Die Staffel beginnt, wie die fünfte geendet hat: In einer sechs Folgen umfassenden Storyline ist der Krieg gegen das Dominion im vollen Gang. In "Zeit des Widerstands" arrangieren sich Kira, Odo, Quark und Jake, die auf DS9 zurückgeblieben sind, auf ihre Art mit den neuen Machthabern. Währenddessen planen Sisko und seine Crew, das größte Ketracel-White-Lager im Alpha-Quadranten zu zerstören. Odos und Kiras Freundschaft wird auf eine harte Probe gestellt, als Odo mit dem weiblichen Gestaltwandler verschmilzt. In "Ein kühner Plan" startet Sisko gegen eine Übermacht von Feinden den Angriff auf DS9, der in "Sieg oder Niederlage?" durch die Propheten eine überraschende Wendung nimmt. Erst mit Worfs und Daxs Hochzeit ("Klingonische Tradition") gibt es eine kurze Verschnaufpause in Sachen Action. Auch "Der glorreiche Ferengi" und "Wer trauert um Morn?" sorgen für Heiterkeit. Zunächst muss Quark seine Mutter aus den Fängen des Dominions retten, dann wird er zu Morns Alleinerben erklärt, der als wiederkehrender Charakter dafür berühmt ist, dass er niemals spricht. Doch die sechste Staffel schlägt auch nachdenkliche Töne an: In "Jenseits der Sterne" spielt Avery Brooks, der auch Regie führte, den Science-Fiction-Autor Benny Russell. In seinen Geschichten über die Raumstation Deep Space Nine und ihren farbigen Captain träumt er von einer besseren Zukunft. Denn als Farbiger im New York der 50er-Jahre ist sein Leben alles andere als rosig. Als besonderes Schmankerl gibt es in der Episode die gesamte DS9-Crew ohne ihr Alien-Make-up zu sehen! Ein weiteres Staffel-Highlight sind die Auftritte von Vic Fontaine (James Darren), der als Las-Vegas-Sänger à la Frank Sinatra die Bühne des Holodecks betritt. In der Episode "Auf seine Art" bringt er sogar Odo und Kira endlich zusammen.

Die sechste Staffel endet mit "Tränen der Propheten", wie sie begonnen hat — düster und dunkel. Daxs tragischer Tod stürzt Worf in Verzweiflung, das Wurmloch kollabiert und ein gescheiterter Sisko verlässt die Station. Das lässt in Sachen Dramatik einiges erwarten für die abschließende siebte Staffel. Doch zum Glück gibt es auch helle Lichtpunkte inmitten all dieser Düsternis. Gepaart mit dem richtigen Schuss Action, der sich von Staffel zu Staffel steigert, und exzellenten Spezialeffekten, hat DS9 sich daher einen Spitzenplatz in der TV-Serienlandschaft nicht nur der 90er-Jahre gesichert und sich des Erbes von Gene Roddenberry würdig erwiesen, der nicht mehr an der Entstehung dieser Serie beteiligt war. Eine hervorragende Episode wie "In fahlem Mondlicht", in der Sisko zu Lug und Betrug greift, um die Romulaner im Krieg gegen das Dominion auf die Seite der Föderation zu ziehen, wäre vermutlich mit Roddenberry gar nicht denkbar gewesen. —Birgit Schwenger

1993 begaben sich Rick Berman und Michael Piller mit Star Trek: Deep Space Nine auf neues Terrain: Erstmals in der Geschichte des Star-Trek-Universums erkundet kein Raumschiff das Weltall. Auf der Raumstation DS9 treffen die unterschiedlichsten Charaktere aus allen Ecken und Enden der Galaxis zusammen. Alle werden angezogen von dem einzig bekannten stabilen Wurmloch, das einen Zugang zum Gamma-Quadranten eröffnet. Das Aufeinanderprallen der verschiedenen Kulturen mit ihren grundverschiedenen Ansichten und Absichten liefert die Basis für jede Menge Konflikte und handgreifliche Auseinandersetzungen. Atmosphäre und Stimmung sind für eine Star-Trek-Serie ungewohnt düster, was noch zusätzlich durch das dunkle Design der Station unterstrichen wird. Die Crew geht nicht gerade höflich miteinander um — von den Besuchern der Station ganz zu schweigen.

Im Staffelauftakt "Das Gesicht im Sand" wird Kira, die inzwischen auf DS9 das Kommando innehat, zum Colonel befördert. Sisko versucht auf der Erde, mit sich ins Reine zu kommen. Er hat Visionen von einer Frau, die sich als seine leibliche Mutter herausstellt — und offenbar in Verbindung zu den Propheten stand. Am Ende der Episode hat Ensign Ezri Dax (Nicole deBoer), der neue Trill-Wirt des Dax-Symbionten, ihren ersten Auftritt. Da sie nicht richtig auf die Symbiose vorbereitet war, hat Ezri mit der neuen Situation ebenso zu kämpfen wie ihre Freunde damit, dass Dax nun eine unerfahrene, schüchterne junge Frau ist. "Die Belagerung von AR-558" zeigt die grausame Brutalität des Krieges. Sisko, Ezri, Nog, Bashir und Quark geraten auf einem Außenposten der Föderation in eine blutige Schlacht gegen die Jem'Hadar. Die Episode zeigt erneut, dass DS9 nur eine TV-Serie sein mag, aber dafür erschreckend realistisch ist. Dies trifft auch auf "Entscheidung auf Empok Nor" zu, in der es um die fanatische Sekte der Pah-Geister geht, die angeführt von Gul Dukat die Propheten stürzen wollen. Die siebte Staffel ist reich an nachdenklichen Episoden wie "Leben in der Holosuite", die sich mit komplexen Themen wie Flucht in eine Traumwelt vor den Gefahren des wirklichen Lebens auseinander setzen — definitiv eine der Stärken der Serie und ihrer letzten Staffel insbesondere. Die Episode "Unter den Waffen schweigen die Gesetze" lässt tief blicken, dass auch bei der Föderation der Zweck die Mittel heiligt und dass das Star-Trek-Universum schon längst kein friedlicher Ort mehr ist. Und schließlich heißt es Abschied nehmen von lieb gewonnen Charakteren. In "Die Tarnvorrichtung" geht es noch ein letztes Mal in das Paralleluniversum, wo Ezri zeigen darf, was in ihr steckt. In "Badda-bing, Badda-bang" macht DS9 dem Rat-Pack Konkurrenz: Die Crew eilt Vic Fontaine zu Hilfe, der von der Mafia bedrängt wird. Ein letzter herrlicher Spaß, denn mit "Im Ungewissen" beginnt das große Finale, dessen großartige Storyline sich über die letzten zehn herausragenden Folgen erstreckt. Gul Dukat erschleicht sich das Vertrauen von Kai Winn, und Sisko widersetzt sich dem Willen der Propheten, indem er Kasidy Yates (Penny Johnson) heiratet. Die Breen greifen die Erde an und fügen der Föderation vernichtende Niederlagen zu. Als die Krankheit, die die Gründer befallen hat, auch bei Odo ausbricht, erfährt Bashir, dass Section 31 ihn mit dem tödlichen Virus infiziert hat. Ihre Rechnung, dass er damit die anderen Gestaltwandler ansteckt, ist aufgegangen. Die Lage scheint aussichtslos, als Damar beginnt, sich gegen die Herrschaft des Dominions auf Cardassia aufzulehnen und damit die alles entscheidende große Schlacht einläutet.

Nach sieben Jahren und 176 Folgen endete die Serie 2000 mit dem eindrucksvollen Zweiteiler "Das, was du zurücklässt". Das Finale der Serie ist ein angemessenes Ende, das nachdenklich stimmt und auf die vergangenen sieben Staffeln der Serie zurückblicken lässt. Sisko wird seiner Bestimmung als der Abgesandte der Propheten gerecht. Doch er muss dafür mit dem Leben bezahlen und wird von den Prophenten aufgenommen. "Das, was du zurücklässt" ist ein vielfältiger Abschied: von der Serie und ihren Charakteren, aber auch ein Abschied innerhalb der Serie — und ein wirklich gelungener dazu. Gepaart mit dem richtigen Schuss Action und exzellenten Spezialeffekten, hat DS9 sich einen Spitzenplatz in der TV-Serienlandschaft nicht nur der 90er-Jahre gesichert und sich des Erbes von Gene Roddenberry würdig erwiesen, der nicht mehr an der Entstehung dieser Serie beteiligt war. —Birgit Schwenger

James L. Conway Die fünfte Serie, die im Universum von Star Trekspielt, führt den Zuschauer in die Zeit vor Captain Kirk und Mister Spock. Rund 100 Jahre bevor Kirks NCC 1701 in die unendlichen Weiten aufbricht, macht sich Captain Jonathan Archer mit seiner Enterprise NX-01 daran, den Weg für einen interstellaren Völkerbund erst zu ebnen. Mit einer Crew, die sich ohne eine Förderation im Rücken dem Unbekannten stellen muss, fliegt diese Enterprise durch eine Zeit, in der das Beamen nicht immer so richtig funktionieren mag und der Weltraum noch ziemlich groß ist.

In der vorliegenden ersten von vier Staffeln lernt die Crew von Captain Jonathan Archer, dass der Weltraum weit und gefährlich sein kann: Die Unbekümmertheit, mit der der Beagle des Captains durch die Wälder und Wiesen auf fremden Planeten tollt, wird sich in den nächsten Staffeln bereits verflüchtigt haben. Rätselhafte Aliens, geheimnisvolle Planeten und neue Freunde und Feinde pflastern den Weg der NX-01 in diesen ersten 26 Episoden, die - verglichen mit den ersten Staffeln anderer Serien aus dem Universum von Star Trek- überraschend gelungen ist und Lust auf die zweite Staffel macht.

Kritiker hielten dem Produzenten Rick Berman vor, dass er völlig kreativlos auf den Zug der Prequel-Mania (dem Trend, die Geschichten vor den bekannten Geschichten zu erzählen) aufsprang, als das Konzept der 5. Serie bekannt wurde. Die erste Staffel gibt Berman jedoch Recht. 'Enterprise' ist spannend und interessant und besticht mit einem überzeugenden Scott Bakula als Captain Jonathan Archer.
— Mike Hillenbrand

James L. Conway Die fünfte Serie, die im Universum von Star Trekspielt, führt den Zuschauer in die Zeit vor Captain Kirk und Mister Spock. Rund 100 Jahre bevor Kirks NCC 1701 in die unendlichen Weiten aufbricht, macht sich Captain Jonathan Archer mit seiner Enterprise NX-01 daran, den Weg für einen interstellaren Völkerbund erst zu ebnen. Mit einer Crew, die sich ohne eine Förderation im Rücken dem Unbekannten stellen muss, fliegt diese Enterprise durch eine Zeit, in der das Beamen nicht immer so richtig funktionieren mag und der Weltraum noch ziemlich groß ist.

Die zweite von vier Staffeln ist die qualitativ schlechteste der ganzen Serie. Ihr ist es schätzungsweise zu verdanken, dass die bessere dritte und die qualitativ hochwertige vierte Staffel es nicht mehr schaffen sollten, verlorene Zuschauer zurück an den TV-Schirm zu holen. Aber auch sie hat Höhepunkte, wenn sie auch nicht so zahlreich gesät sind wie in den anderen drei Jahren.

Insgesamt scheint es als hätte Produzent Rick Berman mal wieder der Mut verlassen. Schon in den Serien Star Trek: Deep Space Nineund Star Trek: Voyagerschwenkte der Mann hinter dem Ruder des größten SF-TV-Franchise vom geplanten Kurs ab, um mit Aktionismus und Cast-Ergänzungen verlorene Zuschauer zurück zu gewinnen. Ironischerweise war es gerade die Angst vor zu viel Veränderung, die diesen Aktionismus auch bei „Enterprise“ nötig machen sollte: Denn wenn man der zweiten Staffel einen Vorwurf machen kann, dann den der Paralyse, die Berman mit viel zu viel konventionellen Star Trek-Geschichten herauf beschwor. Bei über 600 erzählten Geschichten in über 30 Jahren eine fatale Entscheidung.

Dennoch kann 'Enterprise' auch im zweiten Jahr mit einigen Folgen glänzen - und bereitet mit der Abschlussfolge 'Die Ausdehnung' den Weg in ein ganz besonderes drittes Jahr der Serie.